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Jude Hill. Belleza en estado puro

2012-01-29T08:05:00.000-08:00

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Rolling in the deep

2012-01-26T04:57:00.000-08:00

Vestidos increíblemente cómodos. Cómpralos en Tilly

2012-01-22T06:49:00.000-08:00

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La cremallera: nada de botones

2012-01-22T06:39:00.000-08:00

Cierres dentados que pueden abrirse y cerrarse a una altura discrecional

Gideon Sundback, Meadville, Pensilvania, para Hookless Fastener Company

Presentada el 27 de agosto de 1914 y publicada como US 1219881 y GB 12261/1915

Tradicionalmente, se utilizaban botones o alguna clase de broches para cerrar prendas de ropa y bolsas, mientras hoy en día utilizamos cremalleras. La patente de Whitcomb Judson US 504037-38, publicada en 1893, fue la primera que incluía el concepto de dos cadenas de dientes que se abrían o cerraban moviendo una guía entre ellas. Diseñada para zapatos, era pesada e imposible de ser producida en masa con facilidad. También mostraba una tendencia a abrirse en los momentos más inoportunos. Apoyado por el «coronel» Lewis Walker, un abogado llamado Judson continuó trabajando en su idea. Con su patente US 1060378 creyó resolver el problema de la abertura incontrolada, sólo para descubrir que su secretaria necesitó un gancho para asegurarla cuando se la probó. El trabajo continuó hasta 1908.

Entonces apareció en escena Gideon Sundback. Nació en Suecia en 1880 y estudió ingeniería eléctrica antes de emigrar a Estados Unidos en 1905. Llegó a la compañía, casándose después con la hija de Peter Aronson, un mecánico de la empresa. Recibió todos los derechos en el extranjero de las patentes.

Hasta entonces el trabajo se había basado en la idea de los corchetes y Sundback la siguió, pero no tuvo éxito y decidió probar algo diferente. A un lado estarían las mordazas y al otro las piezas que encajarían en ellas. Un carro las apretaba para cerrarlas o abrirlas. No acababa de funcionar bien (las mordazas se desgastaban con facilidad), pero le pareció que estaba en el buen camino. Finalmente, una segunda versión disponía tiras con dientes iguales a ambos lados que encajaban y se separaban con el movimiento del carro. Como las dos tiras eran idénticas e intercambiables, el concepto era susceptible de ser producido en masa, y aunque se mejoró para hacerlo más barato y fácil de construir, era ésta la idea básica de la cremallera. Sundback diseñó máquinas para estampar los dientes y fijarlos a las tiras.

La compañía tuvo dificultades para interesar a los fabricantes que podrían comprar grandes cantidades de su producto. En la i Guerra Mundial empezó a utilizarse en los trajes de los pilotos y los salvavidas. La compañía Goodrich, dedicada a los productos de goma, hizo un gran encargo de cremalleras y lanzó al mercado la bota Mystik. Cuando los vendedores dijeron al presidente de Goodrich que el nombre no atraía el interés del público, éste dijo: «Lo que necesitamos es un nombre que sugiera acción... algo que dramatice cómo la cosa hace zip (en inglés zip significa silbar y zipfastener, cremallera). Entonces supo que lo había encontrado. La empresa registró la marca de fábrica «Zip fastener boot» en 1925; la palabra se hizo tan popular que la gente empezó a utilizarlo como nombre, por lo que finalmente perdió su protección. Sólo en 1935 se introdujo el uso de la cremallera en las prendas de ropa.

Fuente: Inventos de Un Siglo Que Cambiaron el Mundo Stephen Van Dulken Vía: portalplanetasedna.com.ar

Botas verdes vintage

2012-01-19T20:09:00.001-08:00

generationthrift

Aristocratic chic

2012-01-19T20:07:00.000-08:00

Etsy Fashion

El proceso inquisitorial contra Elena/o de Céspedes (1587-1588) - (Biografía de una cirujana transexual del siglo XVI)

2012-01-12T09:47:00.000-08:00

EL doctor Emilio Maganto Pavón publicó en el 2010 "El proceso inquisitorial contra Elena/o de Céspedes (1587-1588) Biografía de una cirujana transexual del siglo XVI".Casualmente se encontró esta apasionante historia indagando en los juicios de la inquisición. Mas tarde Agustín Sánchez Vidal novelaba esta historia en su obra "Esclava de nadie".

Esta casualidad nos ha permitido conocer la increíble existencia de este personaje que alcanzó una enorme notoriedad en el siglo XVI. Cuatro siglos después, cuando la legislación española reconoce los derechos de homosexuales a contraer matrimonio, e incluso, algunas comunidades incluyen entre sus prestaciones sociales el cambio de sexo no deja de sorprender las cualidades de este personaje que, aún naciendo mujer y esclava, pero sintiéndose hombre en una sociedad tremendamente represiva, fue capaz de sobrevivir, e incluso, triunfar ejerciendo oficios que en aquella época eran exclusivos del varón.

Fue sastre y cirujano en tiempos que esto estaba prohibido para una mujer y desempeñó durante más tiempo (sastre y desafió a los tribunales civiles y a la Inquisición, ante los que desarrolló su autodefensa basada en su supuesto caso de "hermafroditismo", posiblemente intersexualidad.

Gracias a las investigaciones del urólogo, Emilio Maganto, también hemos conocido la aplicación de las penas y el revuelo que se formaba por los distintos hospitales que desfiló esta persona transgresora de dotes excepcionales.

Elena de Céspedes, la primera mujer titulada como cirujana en la historia de España. Hoy sigue despertando el interés de los especialistas cuatro siglos después. Su trama del "hermafroditismo" en el juicio inquisitorial, la hipótesis de un hombre atrapado en el cuerpo de una mujer con el que no sólo no se siente a gusto sino que le provoca rechazo, su posible estado intersexual y sentimiento de ambigüedad cobran sentido a la luz de los nuevos tiempos y de los descubrimientos de la Medicina y la Psicología.

Según este trabajo, Elena de Céspedes fue mulata, hija de esclava africana. Incluso le marcaron la cara con hierros para que no se olvidara de a quién pertenecía. Vivió en Alhama de Granada, un enclave estratégico porque era por donde pasaba el camino desde Granada capital hasta Málaga, de manera que Alhama era un reducto en el que hay una guerra permanente y en el que los moriscos están muy vigilados. Además de parecer morisca y ser esclava, cuando da a luz a su primer hijo, se produce un cambio en su cuerpo muy fuerte. Ella dice que a la vez que parió un niño parió un pene. A partir de este hecho, comienza a tener relaciones con mujeres.

Después se traslada Madrid en 1576 trabajó con un cirujano del que aprendió el oficio y llegó a convertirse en la primera mujer titulada de la historia de la Medicina. Se casó con María del Caño, con la que vivió durante un año en la localidad toledana de Yepes. Fue denunciada por haberse casado con otra mujer y de bigamia, por lo que sufrió un proceso civil y posteriormente por el Santo Oficio de Toledo «por desprecio al matrimonio y tener pacto con el demonio». Tras un largo proceso, fue condenada a 200 azotes y a trabajar durante diez años, sin sueldo, en una enfermería. Su popularidad fue tan grande que tuvo que ser trasladada a otros centros hospitalarios. Fuente: leopoldest.blogspot.com

La joven doncella y la amante coqueta

2012-01-12T03:12:00.000-08:00

La joven doncella Oshichi

Descripción

El término ukiyo-e, literalmente «pinturas del mundo flotante», hace referencia a un género del arte japonés que floreció en el período Edo (1600-1868). Como indica la frase «mundo flotante», el ukiyo-e, con sus orígenes en la cosmovisión efímera del Budismo, capturaba la dinámica fugaz de la vida urbana contemporánea. Si bien eran asequibles y satisfacían los gustos de la «gente común», estos grabados tienen detalles artísticos y técnicos de una sofisticación impresionante. Sus temas comprenden desde retratos de cortesanas y actores hasta la literatura clásica. De la serie Edo Meisho (Sitios famosos de Edo), este grabado de 1867 representa a Yaoya Oshichi (1666-1683), la joven hija de un verdulero. La koma-e (imagen en viñeta) por encima de su cabeza muestra un lugar famoso de Edo, conocido como Ai no Uchi. Cuando la casa familiar se quemó en el gran incendio de 1682, Oshichi y su padre se refugiaron en un templo, donde la muchacha se enamoró de un joven que estudiaba allí. Padre e hija volvieron a su hogar cuando se reconstruyó su casa pero, para poder volver al templo y estar con su amado, Oshichi volvió a prender fuego su casa. Su castigo fue morir en la hoguera en 1683, cuando tenía 17 años. Su historia se relata en el teatro kabuki y el de marionetas, donde se la representa con un característico kimono de cáñamo con destellos, con el que se la asocia.

Artista

Utagawa, Kuniteru (1808-1876)

Tallador

Hori, Yoshiharu

Fecha de creación

1867 d. C.

Amante coqueta

Descripción

El término ukiyo-e, literalmente «pinturas del mundo flotante», hace referencia a un género del arte japonés que floreció en el período Edo (1600-1868). Como indica la frase «mundo flotante», el ukiyo-e, con sus orígenes en la cosmovisión efímera del Budismo, capturaba la dinámica fugaz de la vida urbana contemporánea. Si bien eran asequibles y satisfacían los gustos de la «gente común», estos grabados tienen detalles artísticos y técnicos de una sofisticación impresionante. Sus temas comprenden desde retratos de cortesanas y actores hasta la literatura clásica. Este grabado ukiyo-e pertenece a la serie Fujin Sōgaku Juttei (Diez fisonomías de la belleza) de Kitagawa Utamaro. Este artista se hizo popular dentro y fuera de Edo como maestro de bijin-ga (pinturas de mujeres hermosas). Bijin-ga captura las tendencias de belleza femenina al mostrar imágenes reales e idealizadas de cortesanas, figuras históricas, geishas (intérpretes de música y danza), cortesanas de menor reputación, personajes ficticios, meretrices conocidas y mujeres comunes. En esta serie de retratos femeninos en primer plano, Utamaro intentó capturar las personalidades de sus sujetos por medio de detalles sutiles de su postura y expresiones faciales. Cada figura representa un cierto «tipo». Este retrato personifica a uwaki (un personaje alegre), que no se interesa mucho sobre la corrección de la apariencia o el comportamiento.

Artista

Kitagawa, Utamaro (1753?-1806)

Fecha de creación

1791 d. C. - 1793 d. C.

Pierre Cardin: "la moda es para todos y no sólo para la élite."

2012-01-11T21:31:00.000-08:00

Nacido en Venecia como Pietro Ardini, Pierre Cardin, inventó de todo: la moda futurista y espacial al mejor estilo 2001 Odisea del espacio, la moda unisex, el prêt à porter, las prendas con materiales tecnológicos y las corbatas estampadas y de colores, todo entre los años 60 y 70. Comenzó como humilde aprendiz de sastre para ayudar a su familia, pero su carrera se inició en Francia adonde emigraron tras la Segunda Guerra Mundial. Entonces ya confeccionaba trajes para Jean Cocteau. Luego pasó a Dior como aprendiz hasta llegar a dirigir un par de talleres. Recién en 1950 consigue crear su propia casa y en 1953, presentar su primera colección de alta costura.

Creó el vestuario de Los Beatles en su primera época, y el vestuario de la película Barbarella protagonizada por Jane Fonda; hizo pasear la minifalda por las pasarelas, los vestidos trapecio y las medias de colores.

Este año clausurará la 080 de Barcelona Fashion como invitado de honor. Actualmente reside en su propio hotel, el Maxims de París. Fuente: La Información

Sin patrones, todo hecho a mano y sin estereotipos

2012-01-08T20:17:00.000-08:00

MÁLAGA, 8 (EUROPA PRESS)

El comercio creativo Sin Patrones ofrece desde hace un mes en Galerías Goya una oferta de ropa y complementos hechos a mano "sin estereotipos". Esta característica se refleja tanto en sus creaciones "exclusivas" como en los profesionales que trabajan en ella, en su mayor parte personas en riesgo de exclusión social.

Según ha explicado a Europa Press la directora de la empresa de inserción Aidei de la Asociación Arrabal y responsable del comercio, Mónica Palomino, la tienda quiere sugerir "otra forma de realizar las cosas, sin caer en prejuicios hacia los individuos".

Por ello, Sin Patrones ayuda a la inserción de personas que están en prisión, mujeres que han sufrido violencia de género, ciudadanos con alguna minusvalía, jóvenes tutelados o parados de larga duración, entre otros, a través de su contratación en el comercio.

Seis profesionales salidos de estos colectivos sociales diseñan y elaboran las prendas artesanales de la tienda. Los trabajadores participaron en un curso que se impartió este verano a alumnos del Centro de Inserción Social Evaristo Martín Nieto, en el que recibieron clases de jóvenes diseñadores malagueños que les enseñaron a crear las prendas en todas sus etapas.

"Son personas que normalmente se ven limitadas a trabajar en dos o tres sectores y que intentamos formar para ampliar sus posibilidades de acceder al mercado laboral", ha explicado Palomina, señalando que cada "uno de ellos necesita trabajar aspectos diferentes de su personalidad como ganar en habilidades psicosociales, fomentar su autonomía y responsabilidad".

En la tienda "los trabajadores siguen formándose" y cuentan con un tutor que les ayuda en su proceso de inserción laboral. "Las personas con riesgo de exclusión social están de tránsito en las empresas como Sin Patrones", ha apuntado, pues, pasado un tiempo de entre seis meses y tres años, "están preparadas para continuar trabajando de forma independiente".

OFERTA

Sin Patrones ofrece ropa con diseños alternativos, "diferentes a los de las franquicias", y de la que no se hacen muchas unidades de cada prenda para que sean "más personales", contando, además, con prendas recicladas, zapatos, bolsos y otros complementos. "Nuestra ropa es divertida, funcional y urbana pero también diseñamos prendas clásicas", ha señalado Palomino.

Junto con la gama de la marca Sin Patrones, la tienda también comercializa productos de otras marcas de prestigio y que completan su oferta. Diseñadores que han enseñado a los trabajadores en los módulos de formación colaboran en la actualidad en la tienda a través de la venta de sus productos.

Algunos de ellos son Hilario Carmona; Lucía Álvarez, del 'Tendedero de Lucía'; Ursula Serreck; Victoria Bellido, de 'Soaprose'; o Gema Moreno, de 'La ladrona de estrellas'.

CAMPAÑA DE NAVIDAD Y VENTA EN INTERNET

Por otro lado, Palomino se ha mostrado "sorprendida" tras comprobar que la campaña de ventas de Navidad ha sido "muy buena". "Desde que abrimos el pasado 15 de diciembre la facturación ha ido muy bien", ha explicado.

Además, uno de los proyectos en los que trabaja Sin Patrones en la actualidad es en la creación de una plataforma de venta en Internet, mediante la que sus clientes podrán adquirir productos en su pasarela de compra. De igual modo, comenzará a producir prendas para empresas externas y dedicará una sección a arreglos.

La tienda Sin Patrones se encuentra en la planta baja de Galerías Goya, a la que se puede acceder tanto por plaza Uncibay como por calle Calderería.

(EuropaPress)

Pelo corto

2012-01-08T02:42:00.000-08:00

Afrodita diosa del amor y de la belleza

2012-01-07T22:16:00.000-08:00

En el siglo VII aC suele aprarecer con corona y con suntuosos vestidos; pero desde el siglo IV ya se la representa desnuda o casi, con un amplio repertorio de posiciones.

Junto con su hijo Eros, era la diosa del amor por excelencia. Según una filosofía tardía, Platón diferenció dos tipos de diosa, la Afrodita Pandemo, la popular, y la Urano, la diosa del amor puro. Para todos los pintores, es la excusa ideal para representar el ideal de belleza.

Aunque a menudo se alude a ella en la cultura moderna como «la diosa del amor», es importante señalar que normalmente no era el amor en el sentido cristiano o romántico, sino específicamente Eros (atracción física o sexual). Su equivalente romana es la diosa Venus.

El hábito que no hace al monje: la vestimenta de los religiosos

2012-01-07T22:05:00.000-08:00

Mormones
El código de vestimenta para algunos grupos incluye la prohibición de los botones, permitiendo que sólo ganchos y ojales mantengan la ropa cerrada. Otros grupos permiten que sus miembros cosan botones en sus vestiduras. En algunos grupos, algunos artículos pueden tener botones y otros no (la razón para la restricción en el uso de botones es su original asociación con las Fuerzas armadas). Típicamente, un hombre amish estará siempre bien afeitado mientras permanezca soltero. Al casarse dejará que su barba crezca. En algunas comunidades, sin embargo, un hombre dejará que su barba crezca después de ser bautizado. Los bigotes generalmente están prohibidos por ser vistos como símbolos del militarismo. Esto es debido a la persecución política y religiosa que sufrieron en Europa durante los siglos XVI y XVII. La nobleza y los miembros de la clase alta, que servían frecuentemente como oficiales militares, se dejaban bigotes pero no barbas. La peculiar ropa interior mormona, que la utilizan los más creyentesconstituye un símbolo de la utilización de esta prenda como compromiso que han hecho los creyentes con el señor. Es como un recordatorio físico de ser fieles a su Dios.

Jasidim
Una de las características más conocidas de los diferentes grupos jasídicos, es la forma particular de vestir de sus miembros varones. Durante los días de entre semana, se suelen usar sacos largos de colores negro -muy oscuro- o azul marino, y sombreros de un negro claro o desteñido. Algunas personas usan un sombrero conocido como biber hit, plano por arriba y forrado de terciopelo. Durante los servicios religiosos utilizan una cinta negra de seda llamada gartel. En Shabat (sábado) se usan sacos negros de seda llamados bekishes y los hombres casados usan sombreros de piel conocidos como Shtreimel.
Una variación de estos es el spodik usado por los jasidim de Guro. Algunos admorim usan el shtraimel y el bekishe negros durante la semana, y en Shabat llevan bekishes de diferentes colores, o con rayas de terciopelo negro que representan los tefilim o filacterias de oración. Algunos grupos jasídicos de Jerusalén usan un bekishe blanco con pequeñas rayas verticales.
Los varones jasídicos normalmente no se rasuran la barba, y se dejan crecer mechones largos de pelo a los lados de la cabeza frente a las orejas (en hebreo: peyéh, plural: peyot), que suelen arreglar como caireles ó también se dejan crecer una larga cola de caballo. El resto del cabello se lleva cortísimo.
La vestimenta de las mujeres es modesta, de manera similar a la de cualquier denominación judía ortodoxa aunque, en algunos casos -como el de la secta de Satmer-, es más estricta. Las mujeres llevan siempre el cabello cubierto con pañoletas o pelucas; tradicionalmente, una mujer judía ortodoxa jamás muestra su cabello a nadie sino a su esposo, en la intimidad.

Catolicismo
Indumentaria eclesiástica es la denominación genérica para las vestiduras distintivas que usan los eclesiásticos; especialmente los sacerdotes (clero secular) tanto durante el culto (casulla, dalmática, alba, hábito, amito, estola, cíngulo, etc.) como fuera de él (sotana, muceta -sólo determinadas dignidades-, clergyman, alzacuellos, etc.), momentos en los que pueden llevar cualquier vestimenta, aunque el Canon 218 del Derecho Canónico católico indica que los clérigos han de vestir un traje eclesiástico digno, según las normas dadas por la Conferencia Episcopal y las costumbres legítimas del lugar. A esas vestiduras peculiares, que identifican a los sacerdotes como una especie de uniforme permanente, se denomina traje eclesiástico. Para las utilizadas en el culto se reserva el término vestiduras sagradas.
También son eclesiásticas las vestiduras del clero regular y de los que llevan otras formas de vida consagrada, denominándose en estos casos como hábito monástico, hábito monacal o simplemente los hábitos, especialmente los que identifican a las distintas órdenes religiosas.
Por llegar a cubrir hasta los talones, se denominan genéricamente traje talar a todo tipo de vestimentas religiosas, que suelen cumplir esa condición, aunque por antonomasia suele referirse con esa expresión únicamente a la sotana.
La cabeza se cubre en algunos casos con la capucha del hábito, en otros con prendas especiales, sobre todo los obispos (mitra). Los sombreros especiales que solían llevar los sacerdotes y los seminaristas (teja o sombrero de canal, bonetes, etc.) están en desuso.
En el cristianismo primitivo no existieron vestiduras que convencionalmente distinguieran al clero del resto de los fieles, ni en los Evangelios aparece ningún tipo de vestimenta prescrita por Jesucristo. La indumentaria eclesiástica fue determinada por la Iglesia en el transcurso de los siglos. Pueden dividirse en tres grupos: los hábitos religiosos, el traje eclesiástico y los ornamentos sagrados.
Los primeros son peculiares de las personas consagradas al divino servicio en los monasterios o conventos. El segundo, comprende las vestiduras usuales y propias del clero secular en la sociedad y los últimos pertenecen a éste cuando actúa como ministro del culto en sus funciones sagradas.

Hábitos religiosos
El hábito religioso proviene del que usaban en la sociedad civil los cristianos de los primeros siglos compuesto de túnica, manto o capa. Reducido este traje civil a la mayor sencillez, constituyó el hábito de las personas que se consagraban aisladamente a la vida ascética en el retiro y aun se prescindió del manto (distintivo de los filósofos) en la vida doméstica u ordinaria. Al abrazar los solitarios la vida común, reunidos en monasterios ya desde el siglo IV y sobre todo, al establecerse con más regularidad la vida monacal bajo la regla de San Benito en el siglo VI, quedó constituido el hábito religioso o regular de los monjes con las siguientes piezas:
   •   la túnica o hábito propiamente dicho que es la vestidura talar de lana
   •   el escapulario (con capuchón para la cabeza) a modo de banda que cubre los hombros y pende por delante y por detrás, recuerdo del paño que antes solían ponerse sobre los hombros para llevar cargas
   •   la correa o cíngulo para sujetar la túnica sobre todo en las marchas y en el trabajo
   •   la cogulla, amplia túnica provista de grandes mangas y de capuchón que se lleva en determinadas funciones vistiéndola sobre las demás piezas y que parece provenir de la pénula viatoria o del capote de los campesinos.
El color de los hábitos monacales era, por lo común, el negro u oscuro desde sus principios pero los cistercienses que datan de comienzos del siglo XII lo adoptaron blanco para sus coristas y sacerdotes de donde les vino el nombre de benedictinos de hábito blanco. Asimismo, los cartujos, de la misma época, quienes llevan el escapulario muy amplio y trabado lateralmente.
Las órdenes militares, que también tuvieron su inicio en el siglo XII sustituyeron la cogulla por la capa, muy cumplida y señalada con una cruz y conservaron la túnica (también con la cruz sobre el pecho), llevándola corta en tiempo de campaña, para el cual añadían el casco, la cota, el cinturón y la espada de caballeros.
Las llamadas órdenes mendicantes y las redentoras que aparecieron en el siglo XIII, adoptaron el hábito monacal sustituyendo la cogulla por el manto o la capa e incluso suprimiendo ésta algunos institutos como los Agustinos y Franciscanos. Se distinguen entre sí, aparte de otros accesorios, por el color del hábito que es

   •   negro en los Agustinos, Servitas y Mínimos
   •   negro o gris en los Franciscanos Conventuales
   •   blanco en los Dominicos
   •   pardo en los Franciscanos
   •   castaño en los Carmelitas.
   •     Benedictino  
   •     Dominico  
   •     Monja lega de la Orden de Santa Clara  
   •     Monja de la Orden de San Gilberto  
   •     Trinitario  
   •     Carmelita descalzo. Serie de grabados de Wenzel Hollar (siglo XVII).[5]  
Los Trinitarios y Mercedarios (órdenes redentoras) lo llevan también blanco y, sobre el escapulario, ostentan aquéllos una cruz de dos colores (rojo y azul) y éstos el escudito de armas que les dio el rey Don Jaime I.
Las Órdenes de clérigos regulares fundadas en el siglo XVI tomaron hábitos negros parecidos al traje de los sacerdotes seglares de su época.

Traje eclesiástico
El traje eclesiástico u ordinario de los clérigos en la vida social ha sido siempre un traje talar aunque no fijó en el color ni en la forma hasta los comienzos del siglo XVI desde el cual se ha usado el color negro constando de manteo y sotana. Antes de la mencionada fecha, durante la baja Edad Media, estuvo muy de moda el color azulado pues los cánones sólo prohibían los colores muy vivos (rojo y verde) y los materiales preciosos en dichos trajes. El cuellecillo blanco apenas se distinguió hasta el siglo XVII en el cual se hizo amplio y redoblado sobre la sotana. Pero fue reduciéndose en los siglos posteriores quedando en Francia desde dicho siglo en la forma llamada rabat con los dos apéndices rectangulares pendientes sobre el pecho. Los obispos llevan traje morado por lo común desde el siglo XVI y los cardenales púrpura desde el XIV.
Según el canon 284 del vigente Código de Derecho Canónico, todos los clérigos deben vestir traje eclesiástico según las normas dadas por la Conferencia Episcopal y, según el canon 669, los religiosos deben llevar el hábito propio de su instituto y, caso de no tenerlo, el traje clerical establecido en el canon 284. Actualmente la Conferencia Episcopal Española únicamente autoriza tres tipos de trajes eclesiásticos: hábito propio del instituto religiso aprobado por la Santa Sede, sotana o "clergyman".

Ornamentos sagrados
Los ornamentos sagrados de la Iglesia no se derivan de los que estableció la ley mosaica sino más bien de las vestiduras usuales entre la gente de la honesta vida de Grecia y Roma al tiempo de la difusión del cristianismo. Comenzaron algunas prendas a tener forma litúrgica desde la paz de Constantino. Pero ya desde los apóstoles se empleaban para el sacrificio vestiduras diferentes de las usuales, aunque tuvieran la misma forma. En el siglo VI, con el cambio de trajes civiles, resultaron más visibles las diferencias entre ellos y los sagrados. En el siglo IX, ya poco faltó para quedar uniformemente fijados los ornamentos en las iglesias de Occidente aumentándose los colores litúrgicos. Desde el siglo XII, se generalizaron los que hoy existen (excepto el azul, que es recentísimo) y el Papa Inocencio III fijó al terminar dicho siglo el uso respectivo de los aludidos colores para las festividades del año, determinándolo según la costumbre establecida y quedando así completa la constitución de las vestiduras sagradas. Pero no fue constante y firme del todo hasta finalizar el siglo XVI.
   •   El color litúrgico blanco es propio de la Pascua, Navidad, Jueves Santo, Corpus Christi, fiestas del Señor, así como para celebrar Matrimonios, Bautismos o bendición de niños/as.
   •   El color morado, color penitencial, se usa en los tiempos de Cuaresma y de Adviento. Puede usarse también para funerales y misas de difuntos, reemplazando el color negro el cual se utilizaba en la antigüedad. También es morada la estola del sacerdote cuando imparte los sacramentos penitenciales: Sacramento de la Reconciliación (Confesión) y la Unción de los enfermos.
   •   El color rojo es propio del Viernes Santo, fiestas del Señor referidas a la Pasión, fiestas de los mártires y fiestas o misas del Espíritu Santo, así como para el sacramento de la Confirmación.
   •   El color verde es propio del Tiempo Ordinario.
   •   El color rosa es propio de los domingos de Gaudete (III de Adviento) y Laetare (IV de Cuaresma), aunque hoy día es optativo.
   •   El color azul se utiliza en España para la solemnidad de la Inmaculada Concepción.
   •   El color negro, puede usarse en las misas de difuntos, sobre todo el 2 de noviembre, y para el Viernes Santo, de acuerdo a lo prescrito para la Forma Extraordinaria del Rito Romano según el Motu Proprio Summorum Pontificum de Benedicto XVI.
   •   El color dorado Se usan en Epifanía como representación de la "Gloria de Dios" En el IGMR señalan para algunas fiestas que se usó blanco o rojo (según el caso) o festivo. Aunque suele considerarse como una variedad del blanco, y es el Dorado el que se usa para las fiestas más solemnes en muchas parroquias. Ahora bien cuando la celebración es solemne y el rojo es muy llamativo y no se usa blanco para no confundir con bautismo o matrimonio, se usa el dorado, como color intermedio y siempre que las vestiduras sean nobles, solemnes y festivas (como serían las vestiduras doradas).

Hare Krishna
Los hombres visten dhotis (pantalones-túnica) de color naranja (para los monjes célibes) o blanco (tanto para los devotos casados como para los «neófitos»). Las mujeres se envuelven en saris (túnicas) multicolores carentes de significado espiritual. Todas visten igual: niñas, solteras, casadas, neófitas o «devotas antiguas». Algunas viudas visten con saris blancos, indicando que no están disponibles para formar pareja. Las devotas casadas indican su estado adhiriéndose un punto rojo en la frente.

Budistas

El traje budista consiste principalmente en un hábito holgado y rústico al cual los coreanos le llaman ‘Kasa', también conocido en muchos países como ‘kesa'. Los colores que se emplean en esta indumentaria de los monjes budistas son oscuros y apagados, como el negro, gris y marrón.
La palabra ‘Kasa' proviene de l sánscrito ‘Kasaya' que significa «color desvaído» o «color no determinado que carece de belleza». Realmente, el Kasa es indefinible, tanto por su color "roto", color de ruina o de harapos, como por su dimensión que no responde a ninguna regla precisa. No está limitado por ningún aspecto definido que pudiera contenerlo. Es la razón por la cual ha sido llamado 'el vestido del arrozal de la dicha sin aspecto'. Otra forma de entenderlo es considerar que se trata del mismo color de la mente, del cuerpo y del entorno externo del color de los budas, de los insectos, de la corteza seca de los árboles.
El Kasa, vestido de lloviznas y rocíos, brumas y nubes es el símbolo de la substancia de la Ley de Buda. El cielo, la tierra, el universo entero no son más que un solo y único Kasa. Nada existe fuera de él. Ni subimos al cielo, ni bajamos al infierno, no vamos a ningún sitio, ni venimos de ningún sitio.
El Buda Shakyamuni, después de abandonar su vida de asceta, cosió trozos de tela que recogió a la orilla de un río y vistió su cuerpo para la práctica de la Vía. Este vestido es el Kasa, el vestido del monje, el vestido de la meditación, y su costura ha sido transmitida hasta nuestros días.
El Kasa se lleva para la práctica budista. Suelen ser de tejidos como algodón, seda o lino. Tiene una forma rectangular, la unión de los trozos forman bandas que están cosidas entre sí, asemejándose a un campo de arroz. El Kasa puede tener cinco bandas, y éste es el rakusu o pequeño Kasa, y los de mayor dimensión siete, nueve, y así hasta veinticinco. Tradicionalmente, un monje tiene tres Kasa: el de cinco, siete y nueve bandas.
Cuando se cose, la concentración es la misma que en la meditación, nos concentramos en cada puntada, nos concentramos en el aquí y ahora, es el mismo estado de espíritu. Cuando lo vestimos, la práctica de la Vía está presente en nuestro espíritu. Es difícil creer en su propio espíritu, así, el Kasa se vuelve el único objeto de fe.
Al igual que los alimentos que se ingieren en el templo, la vestimenta también está regida por un estricto orden y control. Para que se tomen una idea, en el budismo coreano existen unos 20 reglamentos sobre la indumentaria de los monjes, lo cual nos demuestra el gran esfuerzo que se hace para eliminar todo tipo de ambiciones mundanas sobre el vestir.
Cuando un monje era ordenado como tal y pasaba a formar parte de una organización religiosa, esta última le concedía un hábito, que sería el primero que llevaría en su nueva vida asceta.
Los hábitos budistas son parte de las ofrendas que se realizan en el templo. Y en caso de que un templo tenga prendas de sobra, éstas son enviadas a otros sitios en donde hagan falta.
En el pasado esta vestimenta de los monjes era elaborada por los fieles, quienes debían seguir al pie de la letra todo el complicado proceso de costura designado por las escrituras budistas. Sin embargo, en la actualidad, se encarga a los comercios especializados en indumentaria y artículos concernientes a esta religión.

La cultura del calzado

2012-01-07T11:21:00.001-08:00

El zapatos y los pies, en la historia de la India, tienen un sentido ritual y un simbolismo religioso y político que supera la simple utilidad del calzado.

El contacto de pie en el suelo se dignifica cuando puede generar energías de la tierra hacia el ser humano y es despreciable cuando, por impuros o sucios, puede llegar a la contaminación del cuerpo. Las costumbres y prácticas religiosas están casi siempre presentes.

Iconos del amor y el erotismo

Son los pies de las mujeres auténticos símbolos del erotismo, por eso cuando se adornan con joyas y piedras preciosas o cuando se posan sobre la cabeza del ser amado, trasmiten un claro mensaje de amor y atracción sexual.

Las pinturas en los pies

El cuidado de los pies está presente en la vida diaria de las jóvenes, los pies se lavan, se masajean y se tratan con aceites que contienen perfumes, para después pintar las plantas de los pies e incluso la parte superior, antes de adornarlos con joyas, cadenas de plata y oro o pulseras de tobillo.

El calzado de plataforma o paduka

Se trata de una sandalia con una gran plataforma que aísla el pie del suelo y que está formada por una pieza de madera o suela apoyada por tacos en la punta y el talón; se sujeta al pie por medio de un resalte que se introduce entre el dedo grande (o gordo) del pie y el segundo dedo.

Este tipo de calzado es muy común y se emplea tanto en zonas rurales, como en otras de mayor posición social.

Diferentes tipos y simbologías de las padukas

El pez es un símbolo sagrado y el calzado toma, en algunos casos, estas formas que llegan a representar a la divinidad; también el poder político, en el Ramayana, se describe al hermano del príncipe exilado colocando sus sandalias padukas en el trono como símbolo de la soberanía real.

Las sandalias de los hombres santos o gurúes son veneradas desde remotos tiempos.

Se emplean materiales como el ébano, teca o sándalo, pero también están hechas en madera de pino o haya, que contrasta con las confeccionadas con incrustaciones de marfil, plata u oro.

Calzado para las novias

Para casarse, las mujeres engalanan sus pies y usan zapatos decorados con flores, pero las de mejor posición, emplean la plata y el oro para adornar sus zapatos o tallarlos con adornos florales o animales sagrados.

La sandalia de cuero

Las pieles y cueros han sido siempre los materiales más usados para confeccionar el calzado de todas las castas en la India, esencialmente se trata de una suela de cuero que se sujeta al pie por una o varias correas y tiene una pequeña banda o traviesa para permitir sujetar el dedo gordo del pie.

Los materiales empleados son, además del cuero, la lana y los tejidos estampados con vivos colores.

En las fronteras de Nepal y China

Los climas extremos de esas regiones condicionan un tipo de calzado más cerrado y resistente; las botas de cuero de búfalo fuertemente engrasadas y con gruesas suelas se emplean en el norte del país. En el estado de Himachal Pradesh, se calzaba un tipo de sandalia de tiras cruzadas y el pie se protegía del frío con un calcetín de piel más fina o lana.

El empleo de fibras vegetales

Los agricultores y las clases más bajas en zonas rurales del norte, se calzaban con zapatos hechos con paja tejida que aislaban de la nieve y el barro. El uso de fibras como el yute se generalizó debido a la gran cantidad existente en los montes.

Las botas tibetanas

Se llaman a sí por la procedencia; las constantes invasiones del norte de la India, inspiró un tipo de bota hecha con suelas gruesas formadas por varias capas de cuero y la caña se hacía de piel, lana o cuero repujado. También las diferencias sociales se hacían patentes en el calzado de esas alejadas partes del país.

Sedas, terciopelos y decoraciones con plata y otros metales daban un aire de riqueza y colorido a estas botas que llevaban las puntas hacia arriba.

Mojaris y Juttis en el norte y centro de la India

Los juttis eran zapatos cerrados hechos de cuero para todos los usos y de tejidos finos y sedas para ocasiones especiales y con la punta exageradamente hacia arriba; los mojaris eran similares pero hechos con materiales más ligeros y flexibles.

Los altos dignatarios empleaban estos tipos de calzados que, en ocasiones, estaban enriquecidos por piedras preciosas (rubíes, diamantes, esmeraldas) que daban a estos zapatos o botines, un incalculable valor.

El célebre diseñador francés Roger Vivier, en el año 1962, diseñó un calzado bordado con hilos de plata y con aplicaciones de topacios, fue una joya en su tiempo y la afortunada en calzarlo sería la Princesa Soraya de Irán, antes de ser repudiada por su esposo el Sha de Persia; el par de calzados, años más tarde, fue donado al Museo Romans, allí permaneció hasta el pasado 30 de Noviembre que fue subastado y alcanzó la cifra de 20.000 euros; la adjudicataria de tan preciada joya fue precisamente el Museo Roger Vivier, es decir, volvía a su creador; convirtiéndose así en el calzado más caro del mundo adjudicado en subasta pública. En la misma subasta y para diferentes Museo del Calzado, se adquirieron zapatos de Elizabeth Taylor, Cary Grant, John Lennon o Brigitte Bardot, entre otros.

La "cultura del calzado" está plasmada en la evolución del zapato en China. La necesidad y la tradición embellecen este complemento del vestido. China descubre su primer calzado aproximadamente en el año 2000 a.C., en el reino antiguo de Loulan y perteneciente a una momia hallada en un enterramiento, en la zona desértica de la región de Xinjiang Uygur; se trata de una bota hecha con piel de oveja.

Diversificación del calzado

El hermetismo en el que vivió el pueblo chino dio lugar a una información tardía sobre sus costumbres y tradiciones, también sobre su vestimenta en el pasado. Los pueblos nómadas empleaban botas hechas con pieles de oveja, cabra o caballo.

En el Tibet las pieles eran de yaks; en la zona del Oroquense empleaban pieles de ciervos y gamos; en Essen la mayor parte de calzado era hecho con pieles de pescado, estos son algunos ejemplos de los muchos existentes.

Los primeros calzados

Para confeccionar los zapatos, sandalias, zapatillas o botas, empleaban agujas de hueso y como hilo, tendones de animales, pero también empleaban en zonas rurales, la aguja de caña de bambú y el hilo de lino. El rey Wulig del estado de Zhao, introdujo las primeras botas que se emplearon en las guerras entre los Estados (475 a 221 a C.)

El calzado de paja

La paja fue uno de los materiales más utilizados para hacer zapatos, salvo en las zonas muy frías del norte, la paja fue empleada por ricos y dignatarios y también por las clases más humildes, dada la gran extensión territorial de China, las diferencias climatológicas aconsejaban un determinado tipo de calzado; en el norte las botas también de paja, en el sur las sandalias y en algunos lugares se combinaba con suelas de madera.

El paño y la seda

Durante los siglos del XVII al XI a.C., en la dinastía Shang (o dinastía Yin ), se encontraron botas hechas con paño y seda, incluso los militares para protegerse del frío, envolvían sus piernas con paños y pieles cosidos con cáñamo y lino, pero todo cambiaría al conocerse el algodón introducido en el país por la ruta de la seda.

El ejército de terracota

En el periodo 211 a 206 a.C., el emperador Shi Huang de la dinastía Qin, conocido como el primer emperador, organizó al ejército con una indumentaria uniforme; la bota de cuero con las puntas cuadradas, eran usadas por generales y solados que ocupaban las célebres filas en las que cada uno tenía una función o cometido.

Una variante de aquel calzado formaría parte de la vestimenta de los funcionarios, hecho con varias capas de paño para dar ventilación y garantizar la impermeabilidad.

El empleo de la seda coloreada

Desde la dinastía Shang (3000 a.C.), se tejía la seda y se coloreaba con tintes minerales y vegetales. Las novias usaban zapatos de seda rosa con bordados de aves del paraíso u otro tipo, también motivos florales. En Manchuria, se usaban zapatos azules con caracteres rojos bordados que eran los signos de la felicidad, un signo destinado también para los ancianos.

Zapatos mortuorios

A los difuntos se les enterraba con un tipo de calzados que se llamaban "zapatos de la longevidad", eran de color azul, negro o marrón y si la fallecida era una mujer, el calzado era de seda con bordados de colores, entre los que no podía faltar la flor de loto y una escalera que simbolizaba la ascensión al cielo.

Distinción de clases

Por el calzado (como ocurriera en otras culturas), también se distinguían las clases sociales; en determinadas épocas de la China feudal, solo los nobles y personas de elevada condición o riqueza, se les permitía llevar zapatos de cuero o de seda, el pueblo calzaba sandalias o zapatos de paja o paño y los colores permitidos eran el verde, azul o blanco.

En la dinastía Jin, los comerciantes debían calzar zapatos de dos colores uno negro y uno blanco, así eran reconocidos. El color del emperador era el amarillo.

Pies de loto

Una costumbre nacida en el siglo X consistía en vendar los pies de las niñas para reducir sus dimensiones, dando lugar al llamado pie de loto, que podía ser loto dorado, loto de plata o loto de hierro, según el grado de reducción alcanzado. Los zapatos para este pie eran muy pequeños y con piso de cuero o paño, hechos de seda bordada representando aves y flores.

La costumbre fue abolida por Mao Zedong y todavía puede verse alguna anciana caminando con bastones por la gran deformación de sus pies.

Uso de los colores

Tenían su significado y sus preferencias ; Rojo o de la virtud y de la buena suerte; amarillo exclusivo del emperador; azul para el pueblo o la plebe; morado para la familia imperial; verde para las mujeres jóvenes; gris y negro para los ancianos; blanco el color empleqado en el funeral y el duelo.

Los romanos distinguían a sus clases sociales, por el vestido y por el tipo de calzados que usaban. Sandalias, botas, botines. De Senadores a plebeyos.

Son muchas las coincidencias existentes entre el tipo de calzado de la Grecia antigua, con el zapato empleado durante el periodo que duró la dominación romana en Europa; pero Roma también asumía los diferentes tipos de calzados de los pueblos y las culturas que dominaba o tenía relaciones.

Calzado común

El calzado más empleado para el pueblo era el llamado peroné se trataba simplemente una suela de cuero sujeta con hebillas, correas o cordones, a la pierna; un tipo de sandalia que habían copiado de los Etruscos, como lo hicieran con la moda de las puntas de los calzados hacia arriba, calcei repandi. Otro era la solea de influencia griega; o el calceus, algo más cerrado que protegía los dedos o el talón, según los casos.

Las Cáligas

Quizás los calzados más famosos eran los utilizados por los soldados, caligae, algunos opinan que el nombre le viene del emperador Calígula que fue quien lo introdujo en el ejército, de forma genérica; se trataba de una suela con la planta claveteada con clavos de hierro o cobre y que se sujetaba a la pierna por correas de cuero.

El Calzado de Senadores y Patricios

Para distinguir a los dignatarios del Senado de Roma, calzaban zapatos de color rojo o negro y llevaban una "C" en la zona del empeine que significaba "Centum" (ciento) como un número indicativo del total de senadores que componían el foro representativo de la República; su nombre era Calcei Senatorii. Los Patricios llevaban los mismos calzados pero les diferenciaba el color, en este caso, el Calcei Patricii era de color marrón.

El zapato de los Emperadores

Empleaban el color púrpura y a ese tipo de calzado se le denominaba mulleus en alusión a la tonalidad que adquirían estas sandalias o botines por haberse extraído ese pigmento de un caracol así llamado.

La Guardia Pretoriana

Bajo este nombre se conocía un numeroso grupo de solados romanos Speculatori Augusti, encargados de la seguridad personal del Emperador y que calzaban una sandalia diferente denominada Caligae Speculatores.

Calzado para las clases adineradas

Se trataba de un tipo de sandalias para los ricos que llevaban abalorios y metales preciosos; estos mismos se usaban en la mujer, para realzar su figura en las llamadas sandalias tirrénicas, que a veces eran excesivamente elevadas y que también protegían al pie de los barrizales, eran similares a las Calceolii, botín predominantemente llevado por la mujer. Muchos calzaban el solea pero solo dentro de las casas, ya que llevarlos en la calle no era un signo de distinción.

Botines y zuecos

Uno de los calzados copiados a los Etruscos fueron los campagus (calzado de las legiones), una especie de botines hasta media pierna que dejaban al descubierto los dedos; los escasos de recursos empleaban zuecos de madera con empeine de tejido o incluso piel. El llamado Sclponeae, con piso de madera, solo era el "privilegio" de los pobres y esclavos. Era cosa de la plebe calzar una sandalia hecha solamente de fibras vegetales y llamada Baxae.

Copia de la sandalia griega

La más calzada por las diferentes clases sociales, era la llamada socculus, se trataba de una imitación de aquella que ya empleaban los Griegos (persikais) y que se caracterizaba por ser una suela plana sujeta con correas. Las Carbatina, eran calzados muy simples (a veces pieles sin curtir) y con cordones.

La importancia social de los zapateros

El oficio de zapatero, en la Roma antigua, no estaba mal visto y gozaban de cierto prestigio. Fue en tiempos del emperador Numa Pompilla, cuando se dividió a los ciudadanos en nueve comunidades y los zapateros ocupaban el quinto lugar. Desde el siglo II a.C. los oficios se agrupaban en zonas de las ciudades y todavía hoy podemos identificar calles de "Los Zapateros" que vienen de aquella lejana época. Fuente: zapatotirapie.blogspot.com

Cartas de Charlotte Brontë a Constantine Heger

2012-01-06T22:30:00.000-08:00

8 de enero de 1845

Monsieur, los pobres no necesitan mucho para sostenerse. Piden solamente las migas que caen de la mesa de los ricos. Pero si se les rechazan las migas mueren de hambre. Nadie –ni yo-, necesita mucho afecto de aquellos que ama. No sabría qué hacer con una amistad entera y completa, no estoy acostumbrada a ella. Pero usted me demostró en otros tiempos un cierto interés, cuando era su alumna en Bruselas, y me mantengo aferrada a ese poco interés. Me aferro a él como me aferraría a la vida.

..........................................

18 de noviembre de 1845

Señor:

Los seis meses de silencio han seguido su curso. Hoy es 18 de noviembre; mi última carta estaba fechada (creo) el 18 de mayo. Por eso puedo escribirle sin faltar a mi promesa.

El verano y el otoño se han hecho muy largos; a decir verdad, han sido necesarios dolorosos esfuerzos por mi parte para mantener hasta ahora la abnegación que me impuse a mí misma. Usted, señor, no puede concebir lo que significa; pero imagínese por un instante que uno de sus hijos fuera separado de usted, a 160 leguas, y que usted tuviera que estar seis meses sin escribirle, sin recibir noticias suyas, sin oír hablar de él, sin saber nada de su salud, y entonces entenderá fácilmente toda la severidad de una obligación así. Le digo francamente que he intentado olvidarle durante estos meses, porque el recuerdo de una persona a quien uno no cree que pueda volver a ver de nuevo y a quien, sin embargo, se tiene en gran estima, atormenta demasiado la mente; y cuando uno ha sufrido ese tipo de ansiedad durante un año o dos, está dispuesto a hacer cualquier cosa para reencontrar la paz. Yo lo he intentado todo; he buscado ocupaciones; me he negado a mí misma por completo el placer de hablar de usted, ni siquiera a Emily; pero no he sido capaz de superar ni mis pesares ni mi impaciencia. Lo cual, de hecho, es humillante: ser incapaz de controlar los propios pensamientos, ser esclava de un pesar, de un recuerdo, la esclava de una idea fija y dominante que gobierna despóticamente la mente. ¿Por qué no puedo recibir tanta amistad de usted, como usted de mí, mi más ni menos? Entonces estaría tranquila, tan libre que podría mantenerme en silencio durante diez años sin esfuerzo.

Mi padre está bien, pero ha perdido la vista casi por completo. No puede leer ni escribir. Pero los médicos han recomendado esperar unos pocos meses antes de intentar una operación. El invierno será una larga noche para él. Se queja muy raramente; admiro su paciencia. Si la Providencia me destinara la misma calamidad, ¡quiera Él concederme tanta paciencia para sobrellevarla! Me parece, señor, que no hay nada más mortificante en las grandes desgracias físicas que verse obligado a hacer que todos los que nos rodean las compartan. Uno puede ocultar los males del alma, pero los que afectan al cuerpo y destruyen nuestras capacidades no pueden ser encubiertos. Mi padre me permite ahora leerle y que escriba por él; me demuestra, también, más confianza de la que había tenido antes, lo cual es un gran consuelo.

(…) Su última carta fue un apoyo y un sostén para mí, alimento para medio año. Ahora necesito otra y usted me la dará; no porque me deba amistad -no me puede tener mucha-, sino porque usted tiene un alma compasiva y no condenaría a nadie a un sufrimiento prolongado para liberarse de unos pocos momentos incómodos. Prohibirme que le escriba, negarse a responderme, sería arrancarme de mí mi única alegría en la tierra, privarme de mi último privilegio -un privilegio al que nunca consentiré en renunciar voluntariamente-. Créame, maestro, escribiéndome hace una buena acción. En tanto que creo que usted está complacido conmigo, en tanto que tengo esperanzas de recibir noticias suyas, puedo descansar y no sentirme muy desdichada. Pero cuando un silencio prolongado y tenebroso parece amenazarme con el alejamiento de mi maestro, cuando día tras día espero una carta, y cuando día tras día solo llega la desilusión para sumirme en una tristeza abrumadora, y la dulce alegría de ver su escritura y leer su consejo huye de mí como una visión vana, entonces me reclama la fiebre, pierdo el apetito y el sueño y languidezco.

Volveré a escribirle el próximo mayo: sería mejor esperar un año, pero es imposible: demasiado tiempo.

(…) Me gustaría poder escribirle cartas más alegres, porque cuando releo esta la encuentro triste de alguna manera -pero, perdóneme, mi querido maestro-; no se irrite por mi tristeza…

(…) Adiós, mi querido Maestro, que Dios le proteja con sumo cuidado y le corone con bendiciones especiales.

Charlotte Brontë (1816-1855) fue una novelista inglesa. A comienzos de la década de los 40, tras el intento fallido de crear una escuela privada y rechazar la propuesta matrimonial del reverendo Henry Nussey, Charlotte y su hermana Emily viajaron a Bélgica para estudiar idiomas en el Pensionat Heger de Bruselas. Ahí Charlotte se enamoró de Constantin Heger, el propietario de la escuela. Por primera vez alguien ajeno a su entorno familiar se interesaba por sus escritos y sus inquietudes intelectuales. Eso despertó en Charlotte sentimientos ocultos que al hacerse evidentes distanciaron al profesor, un hombre casado que no albergaba más intención que la puramente académica. De este episodio nacería la primera novela de la escritora "The Professor". Fuente: cartasfamosas.blogspot.com

Utensilios de cocina vintage

2012-01-06T22:24:00.000-08:00

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Mobiliario de madera

2012-01-06T05:01:00.000-08:00

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Cofre de tesoros

2012-01-04T21:00:00.000-08:00

El Museo Británico, en la exposición Tesoros del Cielo dedicado a la adoración de las reliquias en la Edad Media, los paquetes pequeños de tela - un pedazo de seda de la factura bizantino del siglo octavo - atados y etiquetados en un envoltorio vitela las reliquias de varios santos se encuentra dentro de un altar portátil alemán del siglo XII. Esto es sólo trozos de hueso, trozos de madera ... La reliquia no es nada sin el relicario. Fuente: florizel.canalblog.com

Yves Saint Laurent en Fundación Mapfre

2011-12-31T23:50:00.000-08:00

La Fundación MAPFRE presenta esta exposición en colaboración con Fondation Pierre Bergè-Yves Saint Laurent. La muestra presenta cronológicamente la evolución del diseñador desde sus comienzos en Dior, con la famosa colección Trapèze, hasta el esplendor de sus trajes de noche con una apoteosis de colores y de creaciones que ubican su obra en el presente.

La exposición recoge la obra del diseñador que introdujo el esmoquin en el armario femenino, el primero en contar con modelos negras en sus desfiles y exponer una de sus creaciones en un museo como auténtica obra de arte.

Los fundamentos del estilo de Yves Saint Laurent están presentes en la exposición. Su particular proceso creativo puede contemplarse en esta exposición a través de bocetos realizados a mano por el artista antes de abordar todos los pasos de la ejecución final de cada modelo.

Los diseños cedidos nos descubren a un autor influenciado por el arte con sus homenajes a Braque o Mondrian, por el cine con su musa y amiga Catherine Deneuve o por el exotismo y las tradiciones de otros países como Marruecos, China o España.

Un viaje por el estudio y la obra del creador del concepto del prét-a-porter que marcó un antes y un después en la moda y que a día de hoy, tres años después de su muerte, sigue siendo una de las marcas más prestigiosas de la moda a nivel mundial.

Fecha de inicio: 06/10/2011
Fecha de fin: 08/01/2012
Local: Fundación Mapfre. Sala Recoletos
Horarios: Lunes de 14.00 a 20.00 hrs. Martes a sábado de 10.00 a 20.00 hrs. Domingos y festivos de 11.00 a 19.00 hrs.
Precio: Gratis
Autobús: 5, 14, 27, 37, 45, 53, 150
Metro: Colón (L4) / Banco de España (L2)

Charleston and on and on...

2011-12-30T06:18:00.001-08:00

De a dos en dos

2011-12-29T00:47:00.000-08:00

weareselecters.com

Antiguas magazines

2011-12-28T23:32:00.000-08:00

Moda vintage

2011-12-27T07:23:00.000-08:00

Vindemial Vintage

Manual de historia de la moda para descargar gratis

2011-12-26T01:38:00.000-08:00

Puedes deascargarlo desde aquí.

Manuales de corte y confección para descargar gratis

2011-12-26T00:23:00.000-08:00

Puedes descargarte de aqui el Manual de corte y confección gratuito. Incluye patrones de infinidad de prendas y un curso para saber cómo proceder. Otro Manual aquí.

Revistas de mujer para leer online

2011-12-25T23:53:00.000-08:00

Para leer online revistas femeninas, una gran selección, entra en YouKioske. Puedes ampliarlas y leerlas a tamaño.

Distintos tipos de mangas

2011-12-25T23:16:00.000-08:00

1- Manga bishop

2- Manga presunto

3- Manga bufante

4- Manga alfaiataria

5- Manga de camisa

6- Manga ranglan

7- Manga boca de sino

8- Manga morcego

Más tipos de manga

Manga corta: Se elabora con el básico de la manga a una medida antes del codo. Esta manga puede hacerse recta, justa, bombacha, acampanada Con puño o sin puño.
Manga tres cuartos: Es una manga que llega hasta mas abajo del codo y antes de la muñeca. Generalmente se traza recta o justa aunque también puede ser fruncida con arandela o acampanada.
Manga larga fruncida con arandela: Manga con ampliación suficiente para hacerle frunce en el puño.
Manga larga con puño: Comunmente usada en las mangas de la camisa o blusa.
Manga ranglan: Para su trazo necesitamos el molde delantero y espalda de la blusa. Una pieza entera que se traza de inicio de cuello a final de sisa.
Manga martillo: Un trazo parecido a la manga ranglan pero en línea recta desde el cuello a la sisa.
Manga Bombacha: Trazo con aumentos suficientes en la cabeza y puño de la manga para fruncir.
Manga ajustada: Justa al contorno del brazo.
Manga acampanada: Con aumentos en el puño de la manga.
Mangas globo: Bastante aumento al costado y puño justo.
Manga japonesa: Manga enteriza que termina con puño justo.
Manga capullo: Dos piezas con corte asimétrico que se encuentran en el centro de la manga.
Manga con prenses horizontales.
Manga sastre.

Puede ampliar la información y ver patrones de mangas en edaformacion.com

Fuentes:
elcosturerodestellablog.com
seuguiademoda.blogspot.com

La musa de Warhol

2011-12-25T08:57:00.000-08:00

Edith Minturn Sedgwick (n. Santa Bárbara, California; 20 de abril de 1943 - f. íb.; 16 de noviembre de 1971), más conocida como Edie Sedgwick fue una actriz y modelo que destacó por ser miembro de una prestigiosa familia de la alta sociedad estadounidense y por haber actuado en varias películas dirigidas por Andy Warhol.

Edie Sedgwick fue la séptima de los ocho hijos de Francis Minturn Sedgwick y Alice Delano de Forest. Sus primeros años transcurrieron en el rancho de 3000 acres que poseía su familia en Santa Barbara, hasta que a comienzos de los años 50 se descubrió petróleo en la hacienda. Con las ganancias que obtuvieron de ello, los miembros de la familia se trasladaron a otro rancho con el doble de extensión en el que construyeron un colegio propio para los niños, a los que no se les permitió asistir a la escuela pública.

En el otoño de 1962, Edie fue hospitalizada por primera vez en un centro psiquiátrico a causa de su anorexia, periodo en el que también tuvo un embarazo y un aborto espontáneo. Varios miembros de la familia Sedgwick también tuvieron problemas psiquiátricos: el padre de Edie fue diagnosticado como maníaco-depresivo; su hermano Minty era alcohólico con 15 años y declaró ser homosexual, acto que enfadó mucho a su padre y después fue ingresado varias veces en centros psiquiátricos, y se suicidó en 1964, ahorcándose. Otro de sus hermanos, Bobby también fue hospitalizado por problemas mentales y murió en 1965 al estrellar su motocicleta contra un autobús.

En 1963 se instaló en Cambridge para continuar sus estudios, donde iniciaría su amistad con su futuro representante Chuck Wein. En 1964 se trasladó a Nueva York al apartamento de 14 habitaciones que su abuela poseía en Park Avenue y pronto comenzaría a trabajar como modelo y a acudir a las fiestas de los clubs de moda de la ciudad.

Carrera como modelo

Aunque Edie Sedgwick apareciera frecuentemente en revistas como Vogue o Life, no fue aceptada por la industria de la moda. Según la antigua editora de Vogue, Gloria Schiff «en las columnas de sociedad identificaban a Edie Sedgwick con la escena de artistas que consumían drogas y en aquella época había cierta aprehensión en estar envuelto en ese mundo... a la gente le aterrorizaba de verdad. Así que a menos que fueran artistas o músicos muy importantes nosotros nos alejábamos de ello tanto como podíamos. Las drogas habían hecho tanto daño a gente joven, creativa y brillante que teníamos como política oponernos a ese mundo». De cualquier forma, la editora jefe de Vogue, Diana Vreeland la definió como "un ejemplo de la era de la cultura juvenil".

Época con Warhol

En marzo de 1965 Sedgwick conoció a Andy Warhol en el apartamento del productor cinematográfico Lester Persky y comenzó a frecuentar la Factory junto a Chuck Wein. Durante una de esas visitas Warhol incluyó a Sedgwick en la adaptación de la novela La naranja mecánica que estaba rodando con el nombre de Vynil, pese a que el reparto estaba compuesto sólo por hombres. También hizo un cameo en la película Horse protagonizada por Ondine, otro de los habituales de la Factory. Aunque su presencia en ambas películas fue breve, Warhol se interesó por ella y decidió lanzarle a la fama. Amaba intensamente a Andy.

La primera de las películas protagonizadas por Sedgwick, Poor Little Rich Girl, fue concebida como la primera de una serie de películas que se llamó The Poor Little Rich Girl Saga y que incluiría también las otras como Restaurante, Face y Afternoon. El comienzo del rodaje del filme tuvo lugar en marzo de 1965 en el apartamento de la propia Sedgwick y la primera escena la muestra despertándose, pidiendo café y zumo de naranja y maquillándose en silencio con el acompañamiento de un disco de The Everly Brothers. Debido a un problema con la lente de la cámara, esta primera escena está completamente desenfocada. La siguiente escena muestra a Sedgwick fumando, hablando por teléfono, probándose ropa y explicando como se ha gastado toda su herencia en seis meses.

El 30 de abril del mismo año Warhol viajó junto a Sedgwick, Chuck Wein y Gerard Malanga al estreno de la película en la Galería Sonnabend de París. Al volver a Nueva York Warhol habló con su guionista Ron Tavel para que escribiera una película para Sedgwick, filme que finalmente llevó el título de Kitchen y en el que además de Sedgwick acturaron Rene Ricard, Roger Trudeau, Donald Lyons y Elecktrah. Tras esta película, Chuck Wein sustituyó a Ron Travel como guionista y director en el rodaje de Beauty No.2, en la que Sedgwick aparecía con Gino Piserchio. Esta película resultó premiada en la Film-Makers Cinematheque en el Astor Place Playhouse el 17 de julio.

Aunque las películas de Warhol no solían obtener éxito comercial y apenas se exhibían fuera de la Factory, la popularidad de Sedgwick en los medios de comunicación masivos fue creciendo. Los medios comenzaron a publicar reportajes sobre sus apariciones en las películas de Warhol y resaltaban su original forma de vestir, que consistía en leotardos negros, mini vestidos y grandes pendientes. Sedgwick también se cortó el pelo y lo tiñó con un spray de color plata, creándose una imagen parecida a la de Warhol y sus características pelucas. En esa época Warhol bautizó a Edie Sedgwick como su "superstar" y era frecuente que acudieran juntos a eventos sociales.

A lo largo de 1965 Warhol y Sedgwick continuaron trabajando juntos en las películas Outer and Inner Space, Prison, Lupe y Chelsea Girls. A finales de año las relaciones entre los dos se deterioraron y Sedgwick pidió a Warhol que no exhibiese ninguna de las películas en las que ella había participado y que eliminase la parte del metraje de Chelsea Girls en la que actuaba. Finalmente las partes rodadas por Sedgwick fueron sustituidas por otras en las que aparecía Nico con proyecciones de luces de colores en su cara y con música de The Velvet Underground de fondo. Posteriormente, las escenas que Sedgwick rodó para Chelsea Girls se convertirían en la película Afternoon.

A menudo se cree que Lupe fue la última película de Sedgwick con Warhol, pero casi un año después se rodó The Andy Warhol Story, una cinta que únicamente se exhibió en una ocasión en la Factory y en la que aparecía Sedgwick con René Ricard.

Bob Dylan y Bob Neuwirtth

Tras su ruptura con la Factory, Sedgwick se instaló en el hotel Chelsea e intensificó su amistad con Bob Dylan y su mano derecha, Bob Neuwirtth, a quienes había conocido en diciembre de 1964. No hay evidencia de que sean ciertos los rumores que afirman que hubo una relación entre Sedgwick y Dylan, sin embargo sí mantuvo una relación con Neuwrith.[1]

También se ha afirmado que canciones de Dylan como Like a Rolling Stone y otras del álbum Blonde on Blonde como Leopard-Skin Pill-Box, Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again y Just Like a Woman estuvieron inspiradas en Sedgwick. Pese a que los biógrafos de Dylan citan a Joan Baez como inspiradora de esta última canción, la actriz fue una de las mujeres que apareció en el interior de la portada del álbum Blonde on Blonde. Las relaciones con Dylan terminaron cuando Sedgwick averiguó que éste se había casado con Sara Lownds en una ceremonia secreta, algo de lo que aparentemente tuvo noticia por medio de Warhol en el restaurante Gengerman de Nueva York en febrero de 1966.

Paul Morrissey afirmó respecto a ese día que «Edie dijo: 'Ellos (el círculo de Dylan) van a hacer una película y supongo que yo participaré en ella con Bobby (Dylan)'. De repente era 'Bobby esto y Bobby aquello', y todos pensaron que estaba enamorada de él. Pensaron que él había estado engañándola, porque ese mismo día Andy había oído en el despacho de su abogado que Dylan se había casado en secreto hacía unos meses. Dylan se casó con Sara Lownds en noviembre de 1965... y Andy no pudo resistirse a preguntarle: '¿Sabías, Edie, que Bob Dylan se ha casado?' Ella estaba temblando y todos pensaron que se creyó realmente que tenía una relación con Dylan y que quizás la verdad no fuera esa».[1]

Sin embargo durante la mayor parte de 1966 Sedgwick mantuvo una relación con Bob Newrith, durante la cual aumentó su adicción a los barbitúricos. La relación se rompió a principios de 1967 ante la imposibilidad por parte de Neuwrith de hacer frente al abuso de drogas y al carácter cambiante de Sedgwick. Aunque Edie Sedgwick también experimentó con drogas ilegales incluyendo opiáceos, no hay evidencia de su adicción a la heroína.

Últimos años

Tras no ser seleccionada por Norman Mailer para participar en su obra teatral The Deer Park, en abril de 1967 Sedgwick comenzó a trabajar en la película underground Ciao! Manhattan (John Palmer y David Weisman), cuyo rodaje duró cinco años. El rápido deterioro de su salud le obligó a regresar a California junto a su familia y a ser ingresada en diferentes hospitales psiquiátricos. En agosto de 1969 fue hospitalizada en la sección de psiquiatría del Cottage Hospital después de ser detenida por la policía local por asuntos relacionados con las drogas. Durante su estancia en dicho hospital Sedgwick conocería a otro paciente llamado Michael Post con el que más tarde se casaría.

En el verano de 1970 Sedgwick estaba hospitalizada de nuevo, pero consiguió abandonar la clínica bajo la supervisión de dos enfermeras para finalizar el rodaje de Ciao! Manhattan. También contó la historia de su vida en unas cintas de audio conocidas como The Ciao! Manhattan Tapes.

Muerte

Cuando se casó con Michael Post en julio de 1971, Sedgwick había dejado de beber y de consumir drogas, una abstinencia que duró hasta que en octubre su médico le recetó barbitúricos para sobrellevar el dolor de una enfermedad física. Sedgwick comenzó a pedir más pastillas a su médico y a fingir que las había perdido para que le proporcionase más.

En la noche del 15 de noviembre Sedgwick acudió a un desfile de moda en el Santa Barbara Museum y a la fiesta posterior, donde fue atacada verbalmente por un asistente bebido que le calificó de heroinómana. Sedgwick llamó por teléfono a su esposo para contarle lo ocurrido, tras lo que Post fue a la fiesta y llevó a su esposa a su apartamento. Una vez allí, Post dio su medicación a su esposa y los dos se durmieron.

Cuando Post se despertó a la mañana siguiente a las 7:30, Edie estaba muerta. La muerte fue clasificada por el juez instructor como «indeterminada/accidente/suicidio» y se estimó la hora del fallecimiento en torno a las 9:20 de la mañana a causa de una intoxicación de barbitúricos. Edie Sedgwick fue enterrada en el cementerio de Oak Hill en la pequeña localidad californiana de Ballard.

Fuente: wikipedia.org
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La anticoncepción en la historia

2011-12-22T23:04:00.000-08:00

La búsqueda de un método ideal de control de la natalidad abarca desde los pesarios de excrementos de cocodrilo y miel utilizados ya en el antiguo Egipto, señalado en los papiros de El Faiyun, que data de la XII dinastía; pues en muchas de las sociedades primitivas los hijos eran considerados una desventaja para una población nómada.

A Hipócrates se le acredita el uso de un tubo de plomo para insertar medica mentos o pesarios en úteros humanos con el objetivo de evitar la descendencia. Aristóteles había querido fijar legalmente el número de hijos y admitía el aborto en su política.

En el papiro de Ebers, que es algo más moderno, hay una receta que dice: "Para que una mujer deje de concebir durante uno, dos o tres años, tómense brotes de acacia, tritúrense con miel e introdúzcase en la vulva un lienzo empapado en la maceración". Si esto se analiza, se puede ver su fundamento: los brotes de acacia exudan hidratos de carbono polimerizados que cuando fermentan desprenden anhídrido láctico que forma ácido láctico, sustancia que destruye los espermatozoides. Quiere decir que la receta del papiro, por antigua, no está tan desprovista de fundamento científico. En este sentido, muchos métodos caseros como vinagre, jugo de limón, etcétera, han sido utilizados. En dicho papiro, también se describen el uso de hilas de lino impregnadas en un jugo ácido como medio contraceptivo, y que dicho sea de paso, aún se usa en nuestros días.

En muchas tribus africanas y de Oceanía los métodos anticonceptivos son muy extendidos actualmente. Por ejemplo, las mujeres de Sumatra se colocan una sus tanciarica en ácido tánico en la vagina antes del coito y en la Guayana francesa los nativos utilizan las vainas de unas frutas que remedan la función de un preservativo.

El preservativo, uno de los métodos más antiguos, fue descrito por primera vez en el siglo XVI como "una vaina para el pene confeccionada con lino y destinada a evitar la transmisión de la sífilis". Sin embargo, no tuvo difusión hasta 2 siglos después, no sin ser criticado y causar escándalo en diversos medios, por lo que fue llamado por algunos "la revolución de las francesas". En nuestros días se ha perfeccionado y la más moderna tecnología está relacionada con la incorporación a éste de una fabricación a base de silicona con lo que aumenta la sensibilidad durante la relación sexual. La aparición en varios colores se introdujo en años recientes.

El coito interrupto o retiro del órgano masculino durante el acto sexual, se supone que se ha empleado en todos los tiempos. Todas las comunidades humanas parecen conocer su uso y de él se tiene testimonio en los cuentos de Canterbury.

En el Hadith se menciona el coitus interruptus sin condenarlo y en las escrituras del Santo Profetra, posteriores al Corán, esta encomiado con las siguientes palabras: "Si esta práctica hubiera sido perjudicial, habría dañado a los romanos y a los persas". Sin embargo, el Profeta prohibió su uso si la mujer no consentía practicarlo y en ciertas sociedades orienta les no se utiliza tanto como en las cristianas o islámicas. En la actualidad es un método que no se recomienda para evitar la descendencia.

Si nos remontamos en la historia, vemos cómo se debate dónde y cómo los llamados dispositivos intrauterinos fueron utilizados por primera vez. Se sabe que durante siglos se controló la reproducción de los camellos en la travesía por el desierto introduciéndole piedras redondas en el útero. Tanto Hipócrates como Aristóteles mencionan tal práctica de turcos y árabes que fue muy utilizada y en la actualidad algunas tribus la continúan practicando.

El ser humano utilizó objetos de artesanía y materiales de todo tipo como el vidrio, el marfil, la madera y el ébano, la plata y el oro y el platino incrustado de diamantes que se introducían en la cavidad uterina con resultados muy variables. Como vemos, los dispositivos, considera dos como una técnica moderna, constituyen en realidad algo cuyo origen se remonta a tiempos muy antiguos.

Los antecedentes de los dispositivos modernos fueron los pesarios colocados en el cuello del útero. El primer dispositivo intrauterino diseñado especifica mente para la anticoncepción, fue un anillo de fibra de gusano de seda, descrito por Ritcher, médico alemán.3

El interés moderno por el procedimiento en cuestión data de la comunicación del alemán Gräfenberg que describió una espiral de platino en 1921 que prevenía el embarazo y que contó con gran oposición. Tuvo que pasar más de un cuarto de siglo, para que apareciera en 1948 un caso informado sobre el empleo de éste.

El anillo de Gräfenberg, caído en el olvido, volvió a ser resucitado por 2 trabajos: uno de Oppenheimier en Israel y otro de Ishihoma en Japón. El ingenio japonés, al utilizar dispositivos plásticos, inertes y económicos, permitió extenderlos a grandes poblaciones.

De los llamados métodos de barrera, el diafragma es uno de los más utilizados. Fue descrito por Mesinga en 1882, pero no llegó a ser popular en Estados Unidos hasta la década del 20.

En 1932 Ogino en Japón y en 1933 Knauss en Austria, descubrieron que en el ciclo de la mujer hay unos días fértiles y otros infértiles y que si se evita la relación sexual en los días fértiles, podía regularse la natalidad. Este método adquirió gran difusión hasta fines de los años 50 en que apareció la píldora.

La anticoncepción ha tenido muchas campañas en su contra. El método del ritmo, fue el único admitido sin reservas por la iglesia católica. El filósofo John Stuart Mill fue perseguido por la policía por haber intentado divulgar un folleto sobre el anticonceptivo y Lord Amberlay, padre de Bertrand Rusell, que fue uno de los grandes defensores de la regulación de la natalidad, le ocasionó muchos disgustos y una gran polémica en revistas como el British Medical Journal que atacaba vio lentamente tan "escandalosas prácticas".

Solamente a principios de siglo, mujeres, Mary Stones en Inglaterra y Margaret Sanger, en Estados Unidos, consiguieron llevar adelante campañas anticonceptivas. La segunda consiguió fundar una clínica de contracepción que comenzó a funcionar después de la prime ra guerra mundial.

Después de su perfeccionamiento, se crearon infinidad de tipos de dispositivos intrauterinos. Zipper en 1968 en Estados Unidos, demostró, por primera vez, las propiedades antifertilizantes del cobre metálico en la cavidad uterina. La "T" y el "7" de cobre son los más conocidos.

La técnica de los plásticos ha permitido crear sustancias de una porosidad determinada que son capaces de liberar moléculas de un determinado tamaño en forma gradual. Así, se ha calculado un retículo de tamaño tal que pueda liberar hormonas (moléculas de progesterona) poco a poco. Estos dispositivos no actúan ya solamente por su acción mecánica, sino por el efecto hormonal.5,6 De esta manera, estos dispositivos, que ya no son inertes, tienen más seguridad.

Es bien sabido que a partir de 1898 se empezó a experimentar por John Beard, y a estudiar el ciclo ovárico y la función del cuerpo amarillo y que Auguste Prenant, sugirió una función hormonal para este último. Así, se continuaron los estudios y surge la idea de que la anticoncepción hormonal era posible, y fue Ludwig Haberlandt, fisiólogo de la Universidad de Insbruck, quien trabajó y publicó muchos trabajos sobre este tema. Más adelante, en 1929 y 1934 se identificaron los estrógenos y la progesterona respectivamente y después de muchas investigaciones se logró el descubrimiento de potentes compuestos semisintéticos con actividad similar a las hormonas naturales, hasta que por fin se lanzó la primera píldora anticonceptiva llamada Enovid. A partir de este momento hubo una gran carrera comercial, y se lograron innumerables productos de composición similar. Luego surgió la vía parenteral y los llamados implantes, también de mucho éxito.

Los preparados poscoitales también se utilizan después de la relación sexual y en este caso, la dosis es fundamental, por lo que es un método no muy recomendado.

También se investiga y se utilizan las prostaglandinas y el empleo de métodos inmunológicos ha sido creado por la Organización Mundial de la Salud.

La anticoncepción en el hombre tiene menos métodos pues solamente cuenta con el uso del condón y la abstinencia periódica. La vasectomía, que es un método permanente, ha venido practicándose desde los años de 1940 y se estima que más de 42 millones de parejas en el mundo dependen de ésta para su anticoncepción. En 1985, se introdujo una nueva técnica de vasectomía sin bisturí que fue desarrollada en China en 1974 por el doctor Li Shungiang.

La información disponible sobre el empleo tradicional de plantas para regular la fecundidad, es inagotable; antiguos tratados de botánica, farmacopeas, sistemas de medicina tradicional como el Ayurveda de la India, los mencionan. Actualmente se investigan los principios activos de muchas plantas y la selección de éstas se hace por medio de computa doras electrónicas.

Las especies más interesantes son probablemente las que se dan en países del tercer mundo como la Diospyros Tricolor Hiern, abundante en Africa y la Moringa Oleifera Lam de zonas tropicales de Asia y de uso abortivo.

Hemos tratado de resumir, en apretada síntesis, la historia de la anticoncepción, fundamentalmente de los métodos más conocidos y utilizados.

La planificación familiar ha sido reconocida como un elemento esencial de la atención primaria de salud, una intervención clave para mejorar la salud de mujeres y niños y un derecho humano para los individuos y la familia.

A pesar de los progresos impresionantes hechos en la regulación de la fecundidad humana, no está ni mucho menos resuelto el anticonceptivo perfecto y persiste la necesidad de seguir buscando métodos mejores.

Es indudable que la anticoncepción tiene que figurar como elemento básico de la atención en medicina, pues el concepto de salud va más allá de la mera ausencia de enfermedad, ya que debe procurar el bienestar integral, tanto físico como mental y social y el conocimiento de sus orígenes, historia y evolución es funda mental.

En el primer texto médico del que se tiene noticia, El Papiro de Petri, de 1850 antes de Cristo, figuraban ya las recetas anticonceptivas. Una aconsejaba el uso de excremento de cocodrilo mezclado con una pasta que servía como vehículo, usado seguramente como pesario insertado en la vagina; otra receta consistía en una irrigación de la vagina con miel y bicarbonato de sodio nativo natural. El segundo texto importante, El Papiro de Ebers, contiene la primera referencia a un tapón de hilaza medicado... "Tritúrese con una medida de miel, humedézcase la hilaza con ello y colóquese en la vulva de la mujer.

En la historia de la anticoncepción, la referencia bíblica citada con más frecuencia es un pasaje del Génesis, capítulo 38: "Pero Onán, sabiendo que la prole no sería suya, cuando entraba a la mujer de su hermano se derramaba en la tierra para no dar prole a su hermano..."

La primera referencia griega sobre la anticoncepción, se encuentra en el libro de Aristóteles Historia Animalium, del siglo IV antes de Cristo que decía: "Algunos impiden la concepción untando la parte de la matriz en la que cae el semen con aceite de cedro o con un ungüento de plomo o con incienso mezclado con aceite de olivo". La mención más antigua en un texto chino es de Sub Ssu Mu ... "Tómese algo de aceite y de mercurio y fríase sin parar y tómese una píldora tan grande como una semilla de yayuba con el estómago vacío e impedirá la preñez para siempre...". La religión islámica no se oponía a la anticoncepción y el coitus interruptus figuraba en primer lugar como un método mencionado en las más antiguas tradiciones del profeta.

Soranos, el ginecólogo más importante de la antigüedad, hizo la descripción más brillante y original sobre las técnicas anticonceptivas antes del siglo xix. ..."Un anticonceptivo se diferencia de un abortivo en que el primero no permite que tenga lugar la concepción, mientras que el último destruye lo que ha sido concebido..."

La primera descripción de un condón se encontró en la obra de Falopio, cuya pretensión fue lograr la protección contra la sífilis, aunque existen otras teorías sobre el origen de esta vaina. Se ha sugerido que algún trabajador de un matadero medieval tuvo la ocurrencia de que las membranas delgadas de un animal lo protegían contra la infección. El origen de la palabra "condón" también es desconocido; una de las teorías favoritas es que se llama así por el nombre de su inventor, el señor Condón o Contón, un cortesano de Carlos II; otros evocan la etimología latina condus, que para los romanos significa receptáculo. En 1870 aparece el primer preservativo de caucho, de calidad aún mediocre y poco práctico. En 1930, con el desarrollo del látex, aparece el nuevo preservativo, más fino y más sólido.1,2

Los espermicidas ya eran conocidos desde la antigüedad y su desarrollo comenzó cuando en 1677 por Van Leewenhock, Spallanzi descubrió que el pH de una solución de semen se disminuía al añadir vinagre, y como consecuencia, los es permatozoides perdían su eficacia. El primer paso de avance en relación con el desarrollo de los espermicidas se manifestó en 1885 cuando el inglés Walter Rendel descubrió el primer óvulo anticonceptivo sobre la base de manteca de cacao y quinina. A finales del siglo xix, algunos fabricantes norteamericanos propusieron tapones vaginales compuestos de manteca de cacao y de ácido bórico.

La idea del diafragma parece re montarse a tiempos muy antiguos. En el siglo xviii, Casanova recomendaba la colocación en el fondo de la vagina de la mitad de un limón exprimido cuyo jugo tenía la "reputación" de actuar como espermicida. En 1882, el doctor C. Hasse comunicó la primera definición detallada del diafragma moderno. En 1908 fue redescubierto por K. Kafka.1,2

La idea de que existe un período estéril procede de la antigüedad, donde se pensaba que la época más favorable para la concepción eran los días inmediatamente antes y después de la menstruación, una teoría que hoy se sabe que es incorrecta. En 1920 se concibió la teoría moderna del período estéril por Kysaky Ogino y Knauss. El método de la temperatura basal fue establecido por Van del Velde en Alemania en 19284 y el método modificado basado en la secreción del mucus desarrollado por Dorairaj es una variante del método de la ovulación.

El origen de los dispositivos intrauterinos es desconocido y parece situarse hacia 1863 donde se le llamaban elevadores porque servían para elevar un útero retroverso y estaban hechos de una talla de aleación de zinc y cobre. El primer dispositivo intrauterino (DIU) específicamente anticonceptivo era un anillo de tripa de seda de gusano fabricado en 1909 por el doctor Richter.6 En 1931, Graefenber notificó el uso de una estructura también de tripa de gusano de seda forrada de plata alemana.

La espiral de Margulies, el primer DIU de segunda generación fue introducido en 1960. Dos años después, Lippes introdujo un DIU en forma de doble S que es todavía el más usado y el primero que se elaboró con un hilo colgante de nylon.

Desde finales del siglo xix se sospechaba que los ovarios segregaban una sustancia que inhibía la ovulación, pero hubo que esperar hasta 1934, año en que Corner y Beard aislaron la progesterona. El profesor Haberlant inyectó conejos con productos ovariales y placentarios, pero no tuvo resultados. Más tarde comenzó a experimentar con la implantación de ovarios de animales embarazadas en hembras normales, lo cual produjo en éstas una esterilidad temporal. Sobre la base de estos estudios creó una tableta llamada Infecundin, que no consta que se probara en seres humanos.

Es a partir de 1950 que el doctor Gregory Pincus y el doctor John Rock comenzaron a realizar diferentes trabajos con compuestos hormonales, y en 1956 el doctor Pincus anuncia en Puerto Rico el descubrimiento de la píldora.

El uso de la anticoncepción desde la antigüedad, nos demuestra que la sociedad, independientemente de su punto de vista, ha comprendido la necesidad de utilizar estas técnicas y que debido a su evolución, que en primera instancia estuvieron más influidas por las costumbres y las creencias -algunas todavía con vigencia- hoy contamos con anticonceptivos eficaces, inocuos y económicos. Fuentes: scielo.sld.cu, scielo.sld.cu

Guantes de lana

2011-12-22T22:48:00.000-08:00

Vestuario en los films de Woody Allen

2011-12-22T22:40:00.000-08:00

Vistas de Calcuta

2011-12-22T22:04:00.000-08:00

Calcuta es la capital del estado de Bengala Occidental, siendo por su ubicación, la entrada vibrante al este de la India y el acceso más usual a Nepal, Bután y Bangladesh. Bengala se caracteriza por sus bosques siempre verdes, lujuriosas selvas tropicales, ríos torrentosos y hermosas playas soleadas, espléndidas celebraciones, deslumbrantes santuarios y un pueblo heterogéneo.

Hace aproximadamente tres siglos, el inglés Job Charnock estableció un puesto de comercio para la Compañía de la India Oriental en las riberas del Hooqhly. Aquí en el emplazamiento de la pequeña aldea de Kalikata, creció posteriormente Kolkata (Calcuta).

Formal y elegante en su núcleo, extendida sin embargo, en una desorganizada dispersión; con un temperamento que es pura juventud pero con una mente a la que rondan los recuerdos de mil años; victoriana de apariencia y bengalí de corazón.

Un millón de personas de todos los rincones de la India pasan a torrentes por el pesado puente Howrah, hierven alrededor del río Hooqhly, que es la sangre vital de la ciudad, se congregan a lo largo de las bulliciosas avenidas de la urbe, se aprietan por sus estrechas callejas. Luego se llega el Maidan, un extenso parque público, que puede considerarse como el corazón de Calcuta.

El Fuerte William, el blanco edificio conmemorativo victoriano, las villas Paladinas y los magníficos jardines Botánicos son los símbolos del Raj británico cuando Calcuta era la capital de la India.

La Plaza de Dalhouise, con su Casa de los Escritores del siglo XVIII y los altos edificios modernos, la Chowringhee Road de resplandecientes comercios, restaurantes, hoteles y cines. Pero en la vieja Calcuta del norte en las afanadas calles de Shambazaar en el templo de Kali en Kalighat, Calcuta es intensa y fervientemente india.

Con su rica herencia cultural, el teatro y el cine bengalíes se encuentran entre los mejores del mundo. Las bibliotecas y las galerías de arte están siempre abarrotadas, y sus cafés zumban de debates literarios interminables. Este es el lugar de nacimiento del gran Rabindranath Tagore y la cuna del Renacimiento indio.

Desde su aeropuerto internacional, las líneas aéreas "India Airlines" y "Air Alliance" entre otras, la conectan con las principales capitales del mundo y con todas las poblaciones importantes del país.

También hay servicios regulares de trenes y una completa red de carreteras que la comunican con cualquier localidad de la India. Taxis, autobuses, metro y "rickshaws" a motor son los medios de transporte urbano disponibles.

No lejos de Calcuta está el Puerto Diamante, en la boca del río Hooqhly. Digha, una ancha playa un poco más al sur, cuyas arenas doradas son bañadas por las aguas de la bahía de Bengala y sus bosquecillos de casuarinas se mecen suavemente al ritmo de las olas.

En Birbhum, el país de los héroes, hay una plantación de mangos donde Rabindranath Taqore inició un experimento único de educación. Hoy, Shantiniketan, morada de la paz, es una universidad que atrae a estudiantes de todo el mundo.

Durgapur es la ciudad industrial de Bengala. Wishnupur exhibe templos y relieves de delicada terracota. El famoso caballo de la artesanía popular "bankura", es originario de uno de sus pueblos.

Encaramado en el techo del mundo está Darjeeling, popular centro de montaña, al que se accede en auto desde Bagdogra o mediante un encantador tren de miniatura, uno de los más elevados del mundo, que pasa a través de junglas, arrozales, jardines de té y bosques de pinos. La ciudad es un laberinto de escalones y terrazos, y está repleta de pequeños bazares exóticos, seductoras villas, bosques y jardines, todo ello a los pies del imponente y nevado Monte Kinchindjinqa.

Un recorrido interesante desde Darjeeling, es ir por carretera hasta Tiger Hill y contemplar la salida del sol, luego en el camino de descenso detenerse en Ghoom para ver su antiguo monasterio budista. Más allá Kuseong, otra estación de montaña, desde donde pueden apreciarse extensas llanuras. Kalimpong, otro pintoresco y rústico centro de montaña, con sobrecogedoras vistas del Himalaya y reconocidas artesanías tibetanas.

Los montes del norte de Bengala descienden a exuberantes llanos donde se manifiestan las ruinas cicatrizadas por el tiempo de las capitales medievales musulmanas. Gour, otrora capital del estado, y la cercana Pandua, tienen algunas de las mejores muestras de arquitectura medieval bengalí.

En Murshidabad se decidió la suerte de la India en el siglo XVIII, ya que los Nababs de Bengala perdieron su reino ante los británicos. Además de las importantes reliquias de dicho pasado, es famosa por las sedas, el marfil trabajado a mano y los artículos de latón.

La zona sobre la que actualmente se asienta la ciudad de Calcuta ha sido objeto de ocupación humana al menos desde hace más de 2.000 años, según atestiguan los yacimientos arqueológicos encontrados.[editar] La Compañía Británica de las Indias OrientalesArtículo principal: Compañía Británica de las Indias OrientalesLa casa del Gobierno en Calcuta, cuadro de James Moffat (1775-1815).En 1690, la Compañía Británica de las Indias Orientales, que había establecido su primera sede de sus negocios en el Golfo de Bengala y en la propia Bengala desde 1608 en la localidad de Surat, optó por trasladar la sede de sus negocios a Calcuta, dando así inicio a la gran expansión de la ciudad, que administraba, al igual que al resto de sus posesiones, como si se tratase de un estado prácticamente soberano.Tradicionalmente, pues, se considera la fecha de 1690 como la de la fundación de la ciudad, que se considera obra de Job Charnock, un administrador de dicha compañía, sobre la anterior aldea de Kalikata, aunque esta teoría es desautorizada por la moderna Historiografía.Para 1699, Gran Bretaña completó la construcción de un fuerte, Fort William, cuya misión era la de servir de base militar para el establecimiento de las tropas del Ejército británico destinadas a la región. Poco después, en 1756, motivados por los enfrentamientos con Francia por el control de la India, los británicos efectuaron la ampliación y modernización de las fortificaciones de la ciudad. El Nawab de Bengala, Siraj-Ud-Daulah, protestó por dichas obras y, al no ser atendidas sus reclamaciones, atacó el fuerte, tomando pues Fort William. Durante la toma del mismo, fueron asesinados varios británicos en una de las habitaciones, lo que marcó el imaginario colectivo británico, que se refiere a los hechos como La noche del agujero negro.Al año siguiente, 1757, Fort William y Calcuta fueron reconquistados por una fuerza mixta formada por cipayos al servicio de la Compañía Británica de las Indias Orientales y de soldados regulares del Ejército británico, puesta bajo el mando del general Robert Clive, un antiguo empleado (como escribiente) de la Compañía. La acción decisiva de la campaña fue la batalla de Plassey, que tuvo lugar el 23 de junio en la propia Bengala, en las cercanías de Calcuta, y que Robert Clive ganó más a base de sobornos y de promesas de ventajas comerciales que de combate militar.[editar] El Raj BritánicoArtículo principal: Raj BritánicoCalcuta en el año 1850.En 1772, la ciudad fue nombrada capital de la India británica (el llamado Raj británico), rango que conservaría hasta 1911.[2] [3] Fue a partir de este momento cuando se emprendieron obras de saneamiento para la ciudad, consistentes en la desecación de las zonas de marismas que rodeaban a la ciudad, al igual que se construyó a orillas del río Hugli una zona residencial y de oficinas gubernamentales. Fue Richard Wellesley, quien entre 1797 y 1805 fuera gobernador, quien dio destacado impulso a las obras en la ciudad.Hacia principios del siglo XIX tiene lugar la división interna de la ciudad en dos sectores diferenciados: un sector europeo y otro reservado para la población india, zona conocida como ciudad negra.A partir de los años 1850, tiene lugar un proceso de industrialización en la ciudad, especialmente relativa al sector textil y a la industria del yute. Ello, a su vez, hace que el Gobierno británico haga inversiones en el sector de comunicaciones, especialmente en el ferrocarril y el telégrafo. Como resultado de la bonanza económica y del contacto entre la sociedad británica y la india, hace su aparición en la ciudad una nueva clase social, la de los babu, grupo de oficinistas y burócratas de estirpe frecuentemente angloindia y relacionados en la mayoría de los casos con las castas superiores de la India.Desde finales del siglo XIX, tiene lugar en la India un proceso gradual de toma de conciencia nacionalista, que acaba por cristalizar en las ansias de independencia de lo que ya es una colonia británica, asumiendo Calcuta en este proceso un lugar destacado. Así, ya en 1883 fue organizada en la ciudad una Conferencia Nacional por parte de Surendranath Banerjea, siendo la primera de sus características que tuvo lugar en la India.En 1905, George Curzon, primer marqués Curzon de Kedleston, al que se suele conocer como Lord Curzon, y que a la sazón era Gobernador General de la India, decidió partir la región de Bengala en dos distritos diferentes, lo que actuó como detonante para una serie de disturbios que se sucedieron en la ciudad, que incluso incluyó el boicot indio a las mercancías de origen británico.El clima de agitación hizo que los británicos tomasen en 1911 la decisión de que la ciudad de Calcuta dejase de ser la capital del Raj británico, asumiendo dicha función la ciudad de Nueva Delhi, ya que además se consideraba que esta ciudad ocupaba una mejor situación estratégica en la India.Durante la Segunda Guerra Mundial, el puerto de Calcuta fue bombardeado en dos ocasiones por los japoneses. En 1943 se produjo en la ciudad una grave crisis de subsistencias, que degeneró en un hambre que provocó numerosas víctimas, y que los nacionalistas indios consideraron que se produjo como consecuencia del acaparamiento de suministros destinados a los ejércitos de los Aliados.En 1946 se produjeron fuertes disturbios en la ciudad, con motivo de la petición de la creación de un estado separado para los indios de religión musulmana, que acabaron desembocando en una lucha abierta que provocó más de 2.000 víctimas.Fuente: Oficina de Turismo de la India, Wikipedia

Bolsos reciclados

2011-12-22T21:48:00.001-08:00

mocoloco.com

Judy Garland

2011-12-22T02:17:00.000-08:00

Frances Ethel Gumm (n.Grand Rapids, Minnesota, 10 de junio de 1922 - Londres, 22 de junio de 1969 1 ), más conocida como Judy Garland, fue una actriz y cantante estadounidense. Entre los premios que recibió a lo largo de su trayectoria se hallan: el Globo de Oro, el Cecil B. DeMille, el Grammy y el Tony.

El 17 de marzo de 1969 contrajo matrimonio con el empresario Mickey Deans, en la ciudad de Londres, y su divorcio de Herron se produjo el 11 de febrero de ese año. Deans fue quien la encontró muerta el 22 de junio de ese año en el baño debido a las píldoras que tomaba para dormir, los barbitúricos. La versión oficial señaló que la cantante falleció a causa de un paro cardíaco accidental. A su funeral asistieron más de 20.000 personas, quienes permanecieron durante horas para poder despedir los restos de Judy. Sus restos descansan el cementerio Ferncliff, situado en Hartsdale, New York. judygarland.com

Ropa cómoda y con estilo

2011-12-21T00:19:00.001-08:00

Siyu

Lámpara hecha con bolígrafos BIC

2011-12-09T23:38:00.000-08:00

Distintos tipos de yoga

2011-12-07T23:16:00.000-08:00

El yoga ha mantenido su buena reputación desde sus orígenes (hace ya miles de años), extendiéndose por todo el mundo y convirtiéndose en la disciplina elegida por quienes se preocupan por su salud espiritual y corporal.

Sus efectos beneficiosos son evidentes, de eso no cabe duda, por lo que sólo tienes que encontrar el tipo de yoga que mejor se adapte a ti. ¡Existen modalidades para toda clase de personas y gustos!

Dependiendo de tu personalidad y de lo que quieras conseguir con la práctica del yoga, puedes escoger desde la rama más tradicional (mantras o meditación) hasta las últimas versiones. Como por ejemplo, el bikram yoga (práctica de yoga durante unos 90 minutos y a 40 grados de temperatura).

¡Hay muchas técnicas y modalidades de yoga! Antes de apuntarte a clases de yogainfórmate sobre los distintos tipos que existen.

Para empezar, por ejemplo, apúntate a una clase de prueba de Hatha Yoga, que significa "yoga para la salud", una de las técnicas de yoga más practicadas en todo el mundo.

Esta rama se basa en una serie de posturas corporales, ejercicios de relajación y de estiramiento de los músculos. El objetivo del hatha yoga es preparar el cuerpo para la meditación.

Una cura para tu sistema nervioso, ya que mejora el flujo sanguíneo y, como consecuencia, tu estado de ánimo. ¡Será una inyección de energía!

El bikram yoga requiere mucha disciplina física y mental. Piensa que estás combinando relajación y esfuerzo, y esto no se aprende en un dia.

El bikram yoga se basa en técnicas de concentración para aprender a enfocar la mente, en una sala que se encuentra a una temperatura de entre 38 y 40 grados. De esta forma, el cuerpo suda y facilita el estiramiento muscular.

La clave está en tener paciencia. Acude con regularidad y en poco tiempo notarás como empieza a cambiar todo tu cuerpo durante estas sesiones, que tienen una duración aproximada de 90 minutos.

Ten en cuenta que con el calor, la presión sanguínea baja, por lo que no conviene excederte en el tiempo.

Los ejercicios respiratorios del yoga ayudan a oxigenar la sangre, mejorando el riego sanguíneo. Con el asthanga yoga el cuerpo produce una intensa sudoración, eliminando toxinas y purificándolo desde el interior.

Lo que diferencia al ashtanga yoga de otras modalidades es su sistema único de respiración y movimiento, basado en una secuencia de posturas que provoca la sudoración del cuerpo, y por tanto, la eliminación de toxinas.

Algunas técnicas de yoga son más duras que otras. Cuando vayas mejorando con el tiempo, aventúrate a probar con otros tipos hasta que descubras el que mejor se adapte a ti. Puedes hacer el test del yoga en enFemenino

Tejido a mano

2011-12-06T22:59:00.001-08:00

Monederos

2011-12-06T22:58:00.001-08:00

Uniformes

2011-12-03T22:25:00.000-08:00

Tendencias

2011-12-03T22:13:00.000-08:00

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Piel sintética

2011-12-03T18:31:00.000-08:00

vogue.es

Vestidos reciclados

2011-12-03T18:20:00.000-08:00

hoypopurri.blogspot.com

Entrevista con Amelie Nothomb, “La belleza es la cuestión suprema”

2011-12-03T17:51:00.000-08:00

Amélie Nothomb revolucionó la actual literatura francesa poniendo fin a los peores pronósticos, y arrasó como un huracán en la lista de más vendidos. Ni aburridas ni frívolas ni nihilistas, las historias de Nothomb parecen cuentos de hadas escritos por un loco. En esta entrevista con la escritora argentina María Fasce, habla de algunas de sus obsesiones: la literatura, los viajes, su familia, sus lectores y la muerte.

POR MÁRIA FASCE

Los verdaderos excéntricos no se consideran excéntricos, como los verdaderos tímidos. Amélie Nothomb demuestra que ambos atributos no son excluyentes. De hecho, toda su literatura juega a los contrastes: la crueldad y la ternura, el cinismo y la ingenuidad, la irrisión y la elegancia, la distancia y la emoción. “¿Qué es una historia cuando se tienen cuatro años?”, se pregunta en Biografía del hambre. “Un concentrado de vida, de sensaciones fuertes.” Con esa receta revolucionó la actual literatura francesa poniendo fin a los peores pronósticos, y arrasó como un huracán en la lista de más vendidos. Ni aburridas ni frívolas ni nihilistas, las historias de Nothomb parecen cuentos de hadas escritos por un loco. Hasta sus cubiertas autorreferenciales y barrocas contrastan con la pálida sobriedad de los autores de Gallimard y Minuit (que suelen ganar los premios que a ella le están vedados).

Aparece en la recepción de la editorial Albin Michel. No lleva ningún extraño sombrero ni está maquillada como una geisha, no parece una mujer que adora los frutos podridos, ni una actriz de cine mudo o una cantante de rock. Está vestida de negro, con una larga pollera de algodón y unas Converse, y me tiende una mano transparente. Camina como si levitara hacia una oficina en penumbra. No enciende ninguna luz y se sienta delante de pilas de cartas de lectores. Habla precisa y punzante, como su pluma. No tiene gestos. Acelera el ritmo y alza la voz cuando un tema la irrita o la apasiona, y luego retoma su tono habitual, que fluye como un río.

—El protagonista de su primera novela, “Higiene del asesino”, era un escritor que se regodeaba en torturar a los periodistas. Le confieso que me inspira cierto temor…

—Puede estar tranquila, le aseguro que, en ese aspecto, mi protagonista y yo no nos parecemos en absoluto. No es que a menudo no tenga ganas de maltratar a los periodistas, pero muchas cosas en mi educación y en mi carácter me lo impiden.

—Usted ha nacido en Japón, vivió en China, en Bélgica y en Francia. ¿De qué país se siente más cercana?

—(Suspira) De ninguno.

—Pannonnique, Epiphane, Textor Texel, Plectrude, Prétextat Tach, Urbain… Borges decía que tenía un personaje a partir del momento en que lo escuchaba hablar, que era la voz lo que determinaba el carácter. ¿Para usted es el nombre?

—Las dos cosas al mismo tiempo. Los personajes suelen rebelarse contra mí y dicen cosas, con una cierta voz. Cuando escribo no veo nada, pero escucho, los escucho. Por lo tanto, es verdad que la voz de mis personajes me ayuda a encontrarles un nombre apropiado. Pero no siempre ocurre así. Mis personajes más significativos tienen un nombre que les va muy bien. La gran pose sería decir: “Naturalmente es algo muy reflexionado…”, pero no es así, el nombre me viene a la mente de una manera fulgurante, y después me doy cuenta de que funciona a la perfección.

—Sus novelas cambian de signo en la mitad y desorientan al lector. Ese mecanismo de relojería, tan sorprendente, ¿responde a una decisión previa o surge a medida que escribe?

—Depende de los casos. Pero incluso cuando sé adónde voy, porque también he escrito novelas sin saber adónde iba, la novela se escribe sola. Siempre resulta difícil, cuando no imposible, calificar el propio estilo, pero creo que tengo un estilo “paranoico”. En el momento en que afirmo algo, estoy secretando su antítesis. Y eso ocurre también en la estructura de mis novelas, hay un momento en que algo interviene, provoca un tropiezo para que el texto se funda, para que la belleza ya no sea bella. Sucede así y no hay nada que yo pueda hacer al respecto. Es por eso que a menudo escribo en forma de diálogo, el diálogo se corresponde con una estructura de pensamiento dialéctico: desde el momento en que hay una tesis habrá una antítesis. Así es como escribo. ¡Es muy poco confortable!

—“Escribir sin disfrutar es inmoral”, dice uno de sus personajes, y usted misma declaró en varias entrevistas que gozaba mucho escribiendo. ¿Con cuál de sus libros disfrutó más?

—Disfruté enormemente con todas mis novelas, pero de un modo diferente cada vez. El placer que he sentido al escribir Diario de Golondrina fue grande, pero se trataba de un placer “glacial”; en otras novelas tuve un placer quemante, escribía en una especie de delirio, llorando… y en otras riendo. Con Higiene del asesino me reí mucho.

—Usted no escribe e-mails ni usa la computadora. ¿Cómo escribe? ¿Cuál es su rutina de escritura?

—Escribo todos los días, de cuatro a ocho de la mañana, con un bolígrafo transparente de tinta azul, como éste, en un cuaderno escolar de hojas cuadriculadas. Visto desde afuera mi procedimiento se asemeja a una canilla que deja correr el agua de manera continua. Debo ofrecer un espectáculo terriblemente aburrido. Pero vivido desde el interior, es fascinante. Esa homogeneidad no es más que aparente, esconde un caos.

—En su obra hay cuatro verbos intercambiables: escribir, amar, comer y matar.

—Sí, es bastante exacto lo que dice. Y “matar” podría contenerlos a todos.

—“Ni contigo ni sin ti”, es una frase de Truffaut que podría pertenecer a sus personajes.

—Absolutamente.

—“No existe el amor imposible”, dice Epiphane Otos al final de “Atentado”. Pero acaba de matar a su amada… ¿Qué es el amor para usted? ¿Es realmente posible?

—Totalmente posible, con la condición de tener amplitud de ideas. Después de todo, incluso si se trata de un procedimiento moral que no recomiendo, una historia de amor que pasa por el asesinato es una historia de amor realizado. Ocurre que la ley lo prohíbe y que yo no estoy a favor de ir a la prisión. Pero estoy persuadida de que siempre hay un modo de “vivir su amor”, ya sea en el más absoluto silencio. No hay amores imposibles.

—¿Se impone un límite para el uso de lo autobiográfico en sus libros?

—¡Ya lo creo! Lo que hace tan complicada la escritura autobiográfica es que uno siente todo el tiempo la presencia de una frontera. Y esa frontera son los otros: no se puede herir a los demás, traicionar sus secretos. También hay una frontera con respecto a uno mismo: no se pueden revelar los propios secretos. Sin embargo, en el momento de la escritura no estamos tan seguros. Es el momento de “cartografiar” los secretos. Resulta interesante, porque allí es cuando se decide: atención, mi secreto llega hasta aquí y aquí se detiene.

—Ha escrito sobre los reality shows, y en sus dos últimas novelas, “Acido sulfúrico” y “Diario de Golondrina”, hay políticos. ¿La actual situación política francesa le sirve de inspiración?

—No de manera directa. Los reality shows fueron la única ocasión en que reaccioné de inmediato, mientras sucedían, además de Los combustibles, que es una obra de teatro que escribí inspirada en la guerra de Bosnia. Lo que ocurre en este momento en Francia podría inspirarme algo, pero es demasiado apresurado decirlo.

—Esa “nada” que Epiphane encuentra inadmisible en un filme, y que ha ocupado la mayor parte de la literatura francesa de las últimas décadas, es lo opuesto de sus novelas. “El tropismo evanescente”, título de un filme sobre nada, ¿es una crítica velada al “nouveau roman”?

—No sólo al nouveau roman, sería demasiado simple… aunque el nouveau roman tiene esa particularidad enervante de pretender que ha descubierto cosas que existían desde Homero y sobre todo con Diderot. En mi título he puesto la palabra “evanescente” porque es una palabra muy a la moda en el arte y la creación contemporánea. Esa fascinación por la nada, por la vaguedad, esa falsa impresión de decirlo todo cuando no se dice absolutamente nada… es así como llegamos a esta especie de gran “no importa qué” que define muy bien a la creación posmoderna, y que me irrita sobremanera. Yo me considero “post-posmoderna”.

—Siempre arriesga mucho en cada novela, parece ir a la búsqueda de los lugares comunes para darles la vuelta y mostrar su inagotable riqueza. También en las canciones que escribe…

—Oh, ¿conoce mis canciones? La única forma de poesía que he escrito ha sido mis canciones para Robert (la cantante que ha inspirado su novela Diccionario de nombres propios). Es formidable escribir canciones para otro, porque permite hacer gigantescas declaraciones de pasión sin tener que precisar quién las dice. Lo que impide hacerlas en la vida real es saber que la gente va a decirte: “Ten cuidado, van a saber que eres tú quien lo dice”, mientras que, si nadie sabe quién es “yo” y quién es “tú”, ¡qué libertad!

—Plectrude, la protagonista de “Diccionario…”, devora los libros de Ionesco. A usted, ¿qué lectura le estaba destinada?

—Qué pregunta… Siempre digo que el único libro que no destruiría nunca es el Quijote de Cervantes, y no lo digo porque usted hable español. Don Quijote es el héroe más formidable y más necesario, no sólo para la literatura sino también para la humanidad.

—Ese Urbain de “Diario de Golondrina”, que mata sin sentir nada, me recuerda a “El extranjero” de Camus. Camus y Artaud me parecen muy presentes en sus libros, aunque nunca los ha mencionado.

—Es verdad que no los cito nunca, pero están muy presentes. Hay muchas citas fantasmas en mis libros… Por otra parte siempre he confesado que soy una escritora de la digestión, no cito todos mis alimentos, pero es obvio que he leído mucho.

—Todos sus personajes se enfrentan a un dilema moral: ¿tenemos derecho a consumir nuestras últimas fuerzas leyendo mala literatura?, ¿es lícito leer el diario íntimo de nuestra víctima?, ¿por qué una mujer bella debería amarnos a pesar de nuestra fealdad, cuando nosotros sólo nos hemos fijado en su aspecto exterior?

—Sí. Incluso cuando estamos en medio de la más completa inmoralidad, la moral nos atrapa de un modo o de otro. En esa especie de “arte total” en el que practico todos los puntos de vista al mismo tiempo, siempre hay un punto de vista moral, que no es lo mismo que “moralizante”. La dimensión moral siempre está presente en lo que escribo.

—¿Cree, como Pretextat Tach, que usted es la única lectora que la comprende?

—Por supuesto que no. Higiene del asesino es la primera novela que he publicado, no la primera que he escrito, porque había escrito diez antes… Estoy escribiendo la n ovela número 61, así puede tener todas las cifras. Nunca había sido leída por nadie y la escribí a partir del sobreentendido de que el verdadero lector no existía. Luego publiqué ese libro, aunque sería más exacto decir que ese libro fue publicado, y descubrí que mi sobreentendido era falso. Desde entonces mantengo todos los días un intenso intercambio epistolar con mis lectores. Gracias a ese prejuicio inicial he tenido la ocasión de comprobar a diario cuánto me había equivocado.

—El diario “Le Monde” dijo que usted había logrado el “prodigio de gustar a la mayoría de los lectores”. ¿Cuál es su relación con el éxito?

—No digo que sea algo fácil todos los días, pero no me obsesiono con ello. Llevo una vida normal, viajo en subte, hago mis compras, lavo la vajilla, escribo, y gracias a ello me siento bien.

—“Sólo hay un sexo: la belleza”, dice Urbain. Es un tema habitual en sus libros. La belleza condiciona más que la cultura, la edad o la clase social. ¿Para qué sirve la belleza?

—La belleza es la cuestión suprema. Cuando nos encontramos frente a la verdadera belleza no hay nada más que decir, no hay preguntas. No sabemos qué es, pero sabemos que ése es el fin de la vida, lo que siempre hemos estado buscando. Por supuesto, no se trata de una consideración autobiográfica, porque no soy bella, pero sí de una constatación que he hecho al encontrarme con personas muy bellas.

—¿Por qué ha elegido su propia imagen para las cubiertas de sus libros?

—Escuche: no vivimos en absoluto en un mundo ideal. En un mundo que yo considero ideal no conoceríamos los rostros de los escritores. Por desgracia, las cosas no son así. Y cada vez más necesitamos conocer los rostros de los escritores. Me molesta mucho, pero no veo cómo podría cambiar el mundo. Por lo tanto, cada año me piden nuevas fotos. Es una tortura. ¿Qué hacer? Me veo obligada a aceptarlo, siempre y cuando sea una foto que no me desagrade. Por otra parte, detesto mi cara. Así que cada año tengo que elegir una o dos fotos mías que me parecen aceptables. Por supuesto, es algo que no puedo controlar, porque hay fotos robadas por todas partes, las veo en la prensa y me recuerdan a esas fotos que mi madre me tomaba en la mesa, durante una cena familiar, y resultan igualmente deprimentes. Pero bueno…

—¿Qué piensa de la muerte?

—La muerte me fascina. Todas las experiencias de “frontera” me fascinan, y la muerte es la frontera de todas las fronteras. Al mismo tiempo me digo que no hay que precipitarse, de todos modos, tarde o temprano tendré la ocasión de enfrentarme a ella. Pero mientras espero, exploro esa frontera a través de la escritura.

—Hay una atmósfera mística en sus libros, y a menudo alusiones a la mitología cristiana. ¿Es usted creyente?

—En todo caso, es una “ mística que calla”. Es la última frase del Tractatus de Wittgenstein: “De aquello que no se puede hablar, mejor es callar”.

—Piensa, como uno de los periodistas de “Higiene del asesino”, que “nunca deberíamos conocer a los escritores”.

—Por supuesto que no, de otro modo no la habría conocido a usted.

—¿A quién le gustaría entrevistar?

—Voy a desilusionarla: soy buena para practicar la admiración, pero no siento deseos de encontrarme con nadie a quien admiro. Es extraño. Hay personas que me despiertan curiosidad, y sin embargo no creo que conocerlas sea la manera de satisfacerla. Pero si tengo que elegir a alguien, supongo que me hubiera gustado conocer a Balzac, porque nadie me ha conmovido tanto.

—“Me horrorizan las familias”, dice Urbain. ¿Ese es también su sentimiento?

—Sí, es verdad que me horrorizan las familias, y sin embargo adoro a mis padres y a mi hermana hasta el paroxismo. Resulta bastante paradójico, pero detesto las familias en sentido tribal.

—¿Le gustaría tener hijos?

—No, ni me lo planteo. Sé desde siempre que no tendré hijos. Pero amo a mi pequeño núcleo familiar. No quiero ni imaginarme el día en que mi madre morirá.

Sonríe con un primer gesto de impaciencia y apago el grabador. Me acompaña hasta la recepción, luego regresa levitante a la oficina. La esperan sus lectores.

—Estudió filología antigua, trabajó como intérprete en una empresa japonesa… ¿Cómo se convirtió en escritora?

—Es una buena pregunta. Intenté hacer otra cosa, cuando vivía en Japón fui muy lejos en mi intento, no hay más que leer lo que he escrito al respecto [se refiere a su novela Estupor y temblores]. Pero no funcionó y tuve que reconvertirme en lo único que realmente era, porque yo ya era escritora antes de irme al Japón. Escribía desde los 17 años pero no para convertirme en escritora sino… para no suicidarme. Luego del fracaso japonés me dije: “Bueno querida, qué vas a hacer de tu vida, te lo pasaste repitiendo que te ibas a ir a vivir al Japón a hacer tu vida. Ya ves cómo has fracasado, ¿cómo vas a ganarte el pan?, ¿qué piensas hacer? Escribes novelas desde siempre, ya has escrito diez. Por supuesto deben ser muy malas y ningún editor querrá publicarlas jamás, pero no es grave. Vienes de sufrir una gran humillación en el Japón, puedes continuar desilusionando a la gente, pero no puedes caer más bajo.” Es eso lo que me ha dado valor para escribir un undécimo manuscrito que envié a los editores.

—¿Tuvo suerte en ese primer intento?

Antes de Albin Michel [su editor desde la primera novela], lo había enviado a Gallimard, pero Philippe Sollers la rechazó.

—No era “evanescente”.

—[Risas] Sin duda

Diferentes materiales de construcción

2011-12-02T10:11:00.000-08:00

Si eres un constructor y te dedicas además al mundo de las reformas, tanto para oficinas como para viviendas residenciales, has de tener muy en cuenta los materiales de construcción que utilizarás para llevarlas a cabo.

A lo largo de la historia, se ha producido una evolución en cuanto al tipo de material utilizado para realizar una reforma o una construcción. Prácticamente, todo tipo de sustancias adhesivas y moldeables han sido usadas como herramientas edificadoras. Algunos ejemplos son el barro, el plástico, el metal e incluso el vidrio. Actualmente, éste último y el acero son los materiales de construcción más populares cuando se quieren construir bloques de oficinas. En cuanto a las viviendas residenciales, el material más utilizado es el ladrillo.

Todavía en estructuras antiguas se utilizan materiales tradicionales como pueden ser la piedra y la madera. Un ejemplo de ello son las casas victorianas, las casas eduardinas y las georginas. La madera es uno de los materiales de construcción preferidos todavía por muchos clientes ya que le otorgan a la estancia una apariencia visual llena de glamour y estilo.

Sin embargo, cualquier tipo de proyecto que se quiera realizar requerirá materiales como el cemento, la caliza, el concreto, la arena u otros materiales protectores y adhesivos. Has de tener en cuenta que los materiales que se encuentran en la propia región son mucho más baratos y más fáciles de encontrar que si son de importación extranjera. Por tanto, investiga cuáles son los materiales disponibles en tu región y ahorrarás mucho dinero.

En los últimos años, los materiales de construcción verdes son cada vez más usados por los constructores, ya que respetan el medio ambiente. Estos materiales de construcción están compuestos por materiales renovables que además, son biodegradables. Sin embargo, todavía queda mucho camino por recorrer hasta que esta práctica se convierta en algo habitual.

Narciso, el mito (Ovidio)

2011-12-01T22:12:00.000-08:00

Es un hermoso joven, hijo del dios del río Cefiso y de la ninfa Liríope. Cuando nació, sus padres consultaron al adivino Tiresias que dio la siguiente respuesta: "Vivirá hasta viejo si no se contempla a sí mismo".

A causa de su gran belleza, tanto doncellas como muchachos se enamoraban de Narciso, pero él rechazaba sus insinuaciones. Entre las jóvenes heridas por su amor estaba la ninfa Eco , quien había disgustado a Hera y ésta la había condenado a repetir las últimas palabras de lo que se le dijera.

Eco fue, por tanto, incapaz de hablarle a Narciso de su amor, pero un día, cuando él estaba caminando por el bosque, acabó apartándose de sus compañeros. Cuando él preguntaba “¿Hay alguien aquí?”, Eco contenta respondía: “Aquí, aquí”. Incapaz de verla oculta entre los árboles, Narciso le gritó: “¡Ven!”. Después de responder: “Ven, ven”, Eco salió de entre los árboles con los brazos abiertos. Narciso cruelmente se negó a aceptar el amor de ella; la ninfa estaba tan apenada que se ocultó en una cueva y allí se consumió hasta que nada quedó de ella salvo su voz. Para castigar a Narciso, Némesis , la diosa de la venganza, hizo que se apasionara de su propia imagen reflejada en una fuente. En una contemplación absorta, incapaz de apartarse de su imagen, acabó arrojándose a las aguas. En el sitio donde su cuerpo había caído, creció una hermosa flor , que hizo honor al nombre y la memoria de Narciso. wikipedia.org

Abrigos y sobretodos

2011-12-01T03:16:00.001-08:00

Cuerdas y sogas

2011-12-01T00:11:00.000-08:00

La cuerda es una herramienta empleada en ciertas actividades como la construcción, navegación, exploración, deportes y comunicaciones. Las cuerdas han sido usadas desde la edad prehistórica. Gracias al desarrollo de la cuerda se han inventado gran cantidad de cabos (nudos) con diversas utilidades. Las poleas se han empleado desde muy antiguo para redirigir la fuerza en otras direcciones, y pueden ser empleadas como una ventaja mecánica, permitiendo que múltiples fuerzas se apliquen al punto de apoyo final de la misma. Las grúas, los polipastos y los cabrestantes (malacates ó guinches en Hispanoamerica) son máquinas diseñadas para ser accionadas por cuerdas y cables.

A los extremos de la cuerda se les denomina chicotes mientras que a su parte media seno.

Las fibras sintéticas que se usan en la industria de elaboración de cuerdas incluyen el polipropileno, nylon, poliéster (por ejemplo PET, vectran), el polietileno (como el spectra) y las fibras aramidas (por ejemplo twaron, technora y el kevlar). Algunas cuerdas se elaboran con mezclas para aumentar la resistencia. Las cuerdas se pueden elaborar también de fibras metálicas. Las cuerdas se han elaborado de otros materiales fibrosos como puede ser la seda, lana, y pelo, pero tales cuerdas no son disponibles en el mercado urbano, existiendo en los ambientes rurales. La fibra de rayón es la que se emplea en la elaboración de cuerdas decorativas.

El empleo de las cuerdas para la caza, el empuje, el estirado, atado, la suspensión y ascensión a cimas de montañas data desde la época prehistórica y siempre ha sido esencial en las actividades humanas básicas, así como en el progreso de la humanidad. Las primeras cuerdas eran tan largas como podrían haber sido las fibras de una planta, su intento de alargarlas dio lugar a las primeras cuerdas retorcidas. Los fragmentos cuasi-fósilizadas de lo que probablemente es una "cuerda enrollada de casi 7 mm de diámetro" que fue encontrada en la cueva de Lascaux, data de aproximadamente 17.000 ap.

Los antiguos egipcios fueron probablemente la primera civilización que desarrolló una herramienta especial para hacer cuerdas. Los egipcios hicieron cuerdas que datan del 4000 al 3500 a. C. y se elaboraban principalmente de juncos. Otras cuerdas elaboradas en la antigüedad se hicieron de otras fibras como la palmera real, lino, hierbas, papiro, seda o incluso pelo animal. El empleo de estas cuerdas empujó a cientos de trabajadores de otras tierras a ser esclavizados por los egipcios con el objeto de mover grandes piedras y construir sus monumentos. Comenzando aproximadamente desde el 2800 a. C., las cuerdas se hicieron de fibras en China. La elaboración de cuerdas se expandió por todo Asia, India y Europa durante casi varios siglos.

Leonardo da Vinci dibujó ciertos esbozos de un concepto para una máquina que hacía cuerdas, fue una de sus muchas invenciones que nunca llegó a construir. Sin embargo su construcción no podía ser llevada a cabo sin el desarrollo de una tecnología avanzada: En 1586, Domenico Fontana erigió un obelisco de 327 toneladas en la Plaza de San Pedro de Roma con una fuerza concertada de 900 hombres, 75 caballos y una cantidad ingente de cuerdas. No fue hasta pasado el siglo XVIII cuando diversos inventos hicieron posible la invención de una máquina capaz de construir cuerda. Las cuerdas se continuaron haciendo de fibras naturales hasta la década de 1950s cuando las fibras sintéticas como el nylon se empezaron a convertir en algo popular.

La cuerda enrollada o también denominada cuerda retorcida es desde el punto de vista histórico la forma más común de cuerda, al menos en la cultura de occidente. La mayoría de las cuerdas retorcidas consisten en tres fibras que se enrollan para aumentar la fortaleza y resistencia de la cuerda, existen versiones con mayor cantidad de fibras enrolladas.

Las cuerdas trenzadas son generalmente de fibras sintéticas como el nylon, poliéster o el polipropileno. Se elige el nylon debido a sus características de fortaleza y tenacidad además de poseer una buena resistencia a las inclemencias del tiempo así como a la radiación ultravioleta. El poliester es cerca de un 90% más fuerte en estiramiento que en carga, es mucho más resistente a la abrasión y posee una mayor resistencia a los UV, sufriendo cambios pequeños en longitud cuando se humedece. Por regla general se prefiere el polipropeno debido a su bajo coste y su baja densidad (puede flotar en agua). Wikipedia

Más sobre cuerdas

La toalla

2011-11-30T06:41:00.000-08:00

toalla.

(Del ant. tobaja, y este del germ. *thwahljô).

1. f. Pieza de felpa, algodón u otro material, por lo general rectangular, para secarse el cuerpo.

2. f. ant. Cubierta que se tendía en las camas sobre las almohadas.

~ sanitaria.

1. f. El Salv. y Ven. compresa higiénica.

arrojar, o tirar, la ~.

1. locs. verbs. Dep. Dicho del cuidador de un púgil: Lanzarla a la vista del árbitro del combate para, dada la inferioridad de su pupilo, dar por terminada la pelea.

2. locs. verbs. coloq. Darse por vencido, desistir de un empeño.

Una toalla o toballa es un corte de tela mojado y humedo hongueado absorbente cuyo uso principal es secar la humedad en el cuerpo humano mediante el contacto directo; el secado de los objetos se realiza mediante paños o trapos.

Una toalla de baño o toallón se utiliza para secar el cuerpo después de bañarse o ducharse. Es generalmente rectangular, con un tamaño típico de alrededor de 75×150 cm

Algunas toallas de baño más pequeñas se diseñan para usarlas como esteras de baño con el fin de apoyar los pies y no resbalar al salir de la ducha.

Una toalla de playa es generalmente un poco más grande que una toalla de baño. Aunque se utiliza a menudo para secarse después de haber estado en el agua, su principal propósito es proporcionar una superficie sobre la que tumbarse. También se usan para preservar el pudor mientras uno se cambia de ropa en un lugar público y para limpiar la arena del cuerpo o de los objetos de playa. Las toallas de playa tienen a menudo coloridas formas impresas o tejidas en ellas.

Una toalla de mano es perceptiblemente más pequeña que una toalla de baño (quizás 30x60 centímetros) y se utiliza para secar las manos después de lavarlas. Suele colgar de un toallero junto al lavabo.

Las toallas se utilizan a menudo para usos diferentes a los de secar cosas o personas:

- Para sentarse, recostarse y tumbarse, evitar el contacto directo con la tierra, la roca, la silla, etc. Esto puede ser por razones de higiene y comodidad y en saunas u otros lugares donde es común estar desnudo.

- Los peluqueros utilizan las toallas cocidas al vapor para preparar la piel para afeitar.

- Para reservar las tumbonas, por ejemplo para tomar el sol, junto a las piscinas o lugares similares (una fuente de molestias para algunos y de diversión para otros).

- Una toalla puede actuar como ropa o manta de urgencia.

- En países asiáticos, las toallas (más pequeñas que las toallas de mano - generalmente cuadradas) se utilizan como pañuelos. Tanto los hombres como las mujeres las llevan. La suavidad de la toalla de tipo turco son las favoritas para este uso.

Pero, ¿cuáles son las características que tiene que tener una toalla para secar bien, mantenerse esponjosa y suave, y que nos dure más tiempo en buenas condiciones? Lee algo más sobre la capacidad de absorción de las toallas y la mejor manera de cuidarlas.

Fuentes: RAE, Wikipedia

Simone Weill, "la virgen roja"

2011-11-30T04:22:00.000-08:00

La pensadora Simone Weil, cuya obra fue publicada póstumamente, es una de las filósofas más originales de su época. Fallecida en 1943, Weil dejó reflexiones sobre la filosofía clásica, la visión marxista del mundo o las relaciones entre la religión y la política.

Pepe Gutiérrez-Álvarez

La pensadora Simone Weil, cuya obra fue publicada póstumamente, es una de las filósofas más originales de su época. Fallecida en 1943, Weil dejó reflexiones sobre la filosofía clásica, la visión marxista del mundo o las relaciones entre la religión y la política. Ahora acaba de aparecer una nueva biografía suya obra de la ensayista Gabriella Da Fiori (1), que resulta básica para comprender la vida de esta singular mujer (París, 1909-Kent, USA, 1943), proveniente de una familia judía, sin contar con ninguna formación religiosa (“educada en un completo agnosticismo”), estuvo desde niña obsesionada por el dolor humano y quiso alcanzar a Dios a través de la compasión.intelectual y laica; su padre era un médico famoso y su hermano mayor, André, es un matemático brillante y precoz.

Sus estudios apasionados -y críticos- de la doctrina marxista le acarrean notoriedad, y a los 23 años es ’transferida’ del liceo por encabezar a una demostración de obreros desempleados. Un diario conservador la apoda ’la virgen roja’, por su extraña combinación de preocupaciones por la situación social y por la pureza y la verdad. No tiene, sin embargo, convicciones religiosas. Las disputas con los superiores de los liceos se suceden, por cuestiones políticas y metodología docente.

Conoce a Trotsky, con quien discute sobre la situación rusa y el significado de la revolución socialista, entra de la mano de su amigo Boris Souvarine en el conocimiento de lo que hay detrás de la palabra Stalin, y le da vueltas a las ideas marxistas en un ámbito militante relacionado con la corriente que algunos definen como anarcobolchevique que edita la revista (que algún día habrá que rescatar) que animan Pierre Monatte y Robert Louzon Revolution Proletarienne, y que en curso de la guerra y la revolución española tratarán de establecer un puente entre la CNT y el POUM, la propia Simone vendrá a Barcelona, se pondrá a la disposición del POUM, trata d convencer a Julián Gorkin para llevar a cabo un golpe de mano para liberar a Joaquín Maurín de las fauces del familiar-fascismo, y tratará de encontrar su lugar en la Columna Durruti donde nuevamente su miopía devendrá una dificultad insalvable En su adolescencia estudia intensamente filosofía y literatura clásica. A los 19 años ingresa, con la calificación más alta (seguida por la lograda por una tal Simone de Beauvoir) a la Ecole Normale Superiore, se gradúa a los 22 y comienza su carrera docente. A los 25 años pide una licencia y va a trabajar durante más de un año, junto a los obreros, como operaria manual en varias fábricas (Renault) ("Allí recibí la marca del esclavo", dirá más tarde). Se acrecientan sus sufrimientos físicos (sinusitis crónica), y sus padres la llevan a Portugal, en unas breves vacaciones, para intentar recuperar su salud perdida. Allí presencia una procesión católica popular, en una aldea pobre, una noche a orillas del mar; "tuve de pronto la certeza de que el cristianismo es por excelencia la religión de los esclavos, que los esclavos no podían dejar de seguirla...y yo entre ellos".

De esta época datan páginas como estas:

“La vida, tal como es, solamente resulta soportable a los hombres por la mentira. Quienes rechazan la mentira y, sin rebelarse contra el destino, prefieren saber que la vida es intolerable, acaban por recibir desde afuera, desde un lugar situado fuera del tiempo, algo que permite aceptar la vida como es.

Todo el mundo siente el mal, le tiene horror y quisiera librarse de él. El mal no es ni sufrimiento ni pecado, es una y otra cosa a la vez, algo común a ambos, pues los dos están ligados: el pecado hace sufrir, el sufrimiento engendra maldad, y esta mezcla inseparable de sufrimiento y pecado es el mal en el que estamos, a pesar nuestro; y estar en él nos horroriza.

Parte del mal que está en nosotros lo arrojamos, lo proyectamos sobre los objetos de nuestra atención y nuestro deseo. Y esos objetos nos lo devuelven, y parece como si el mal viniera de ellos. Por eso llegamos a sentir odio y asco por los lugares en que nos encontramos sumidos en el mal; nos da la impresión de que esos lugares nos aprisionan en el mal. Es así como los enfermos llegan a odiar su habitación y su entorno, aun cuando esté formado por seres queridos; así también como los obreros llegan a odiar su fábrica, etc.

Pero si dirigimos nuestra atención y nuestro deseo sobre una cosa perfectamente pura, la parte de nuestro mal que arrojemos sobre ella no la manchará; seguirá siendo pura, no nos devolverá el mal y así nos libraremos de él. Somos seres finitos, y también es finito el mal que hay en nosotros; así pues, si la vida durara lo bastante, podríamos tener la certeza de que llegaría el día en que, por este medio y en este mundo, nos veríamos libre de todo mal.

Nada hay puro en este mundo, salvo los objetos y los textos sagrados, la belleza de la naturaleza (si se la contempla en sí misma, sin tratar de alojar en ella las fantasías propias) y, en menor grado, los seres humanos en los que Dios habita y las obras artísticas surgidas de la inspiración divina.

El único obstáculo a esta transmutación del horror en amor es el amor propio, que hace penosa la operación de llevar nuestra mancha al contacto con la pureza. Sólo se puede vencer al amor propio si se tiene una especie de indiferencia respecto de la propia mancha, si se es capaz de ser feliz con el pensamiento de que existe algo puro” (2).

Después de un breve retorno a la docencia, tiene lugar su breve Guerra Española. Según Albertine Trévenon: “Simone tendía hacia los revolucionarios. La revolución rusa, portadora en su origen de una inmensa esperanza se había desviado y los proletarios eran postrados por la burocracia en una situación de esclavitud. La burocracia, nueva casta de privilegiados, confundía a gusto industrialización y socialismo. Simone profesaba demasiado amor y respeto al individuo para sentirse devota del estalinismo”.

Después de sufrir diversas quemaduras en un accidente en el frente, regresará a Francia; en su reconciliación con el catolicismo tomara también distancias del anarquismo (ver Luis Mercier Vega, Simone Weill en el frente de Aragón, en Los escritores y la guerra civil, Monte Ávila, Bogotá, 1977). De nuestra guerra, le queda el sentimiento de horror por la brutalidad y el desprecio por la verdad y el bien, por ambas partes; y, posteriormente, la amistad con otro escritor francés, Bernanos, que había luchado en el otro bando. En 1937 visita Italia, y en una capilla de Asís se siente impulsada a arrodillarse, por primera vez en su vida. Su salud empeora, tiene dolores de cabezas agudos y continuos. En la pascua de 1938 asiste a los oficios religiosos en la abadía de Solesmes. El cristianismo -la religión de los esclavos a su parecer- ocupa un lugar preponderante en sus pensamientos; tiene alguna experiencia mística, a la que prefiere resistir; se niega a rezar, o a considerar siquiera "la cuestión del bautismo". Encuentra resonancias cristianas en Homero, Platón, la Bhagavat-Gita. Es el año 1940, Hitler está en su apogeo y su condición de judía comienza a acarrearle problemas.

En Marsella, a los 31 años, conoce al sacerdote dominico J. Perrin, quien la ayuda a encontrar trabajo manual en la granja de Gustave Thibon, escritor católico (junio de 1941). Con el padre Perrin se plantea el tema de su bautismo, pero, a pesar del aliento del sacerdote, Simone se resiste.

Sus razones y sus dudas, que aparecen expuestas en cartas y notas, aparecerán más tarde en los libros Espera de Dios y Carta a un religioso. Con Thibon, pese a un comienzo difícil, ("los primeros contactos fueron penosos, no coincidíamos en casi nada... yo tenía que armarme de paciencia y cortesía ", dirá él más tarde), se entabla una amistad breve, pero importante: a él confiará ella sus libros de notas, antes de partir, en mayo de 1942, a Nueva York con su familia. Thibon, por su parte, será uno de sus más fervientes admiradores ("nunca he dejado de creer en ella (...) no he encontrado jamás en un ser humano semejante familiaridad con los misterios religiosos; jamás la palabra sobrenatural me ha parecido tan llena de sentido como a su contacto") y quien, a su muerte, editará una compilación de sus notas, bajo el título La gravedad y la gracia. Este libro, junto con Espera de Dios, serán seguramente sus obras más notables.

Su última actividad militante fue contra los nazis. Simone, una vez en Nueva York, trata de unirse al movimiento de la resistencia: viaja a Londres e intenta ingresar a Francia como combatiente, pero sólo logra un puesto en la organización Francia Libre, donde redacta informes. En abril de 1943 se le diagnostica tuberculosis. En el hospital, se niega a consumir los alimentos que su estado requerían, y muere el 24 de agosto, a los 34 años. Es sepultada en Kent.

En esos momentos, es prácticamente desconocida. Pocos rastros quedan de su limitada notoriedad en la década del 30, como intelectual de izquierda. No ha publicado ningún libro y se ha mantenido apartada de los círculos literarios. Al fin de la guerra, sus amigos comienzan a editar sus escritos; además de los nombrados, se destacan "La opresión y la libertad", escrito en 1934, notabilísima muestra de su evaluación del marxismo y su filosofía política general, de la que nunca se retractó; Las raíces del existir, La fuente griega son otras de sus obras. Desde entonces, Simone Weil ha atraído la atención de muchísimos literatos, filósofos, teólogos y sociólogos. Intelectuales como Albert Camus y T. S. Eliot le profesan una enorme admiración. Su lucidez, honestidad intelectual y desnudez espiritual constituyen una combinación rara, e inolvidable para todos los lectores, de diversas tendencias de pensamiento, que han se han alimentado de sus escritos.

Entre muchas cosas, Simone Weil es una autora primordial para comprender la evolución de nuestro Manuel Sacristán, así como para situarse ante movimientos como “Cristianos por el socialismo”, y como no, la Teología de la Liberación.

1) Gabriella Fiori, Simone Weil, tr. de Silvio Matón, Adriana Hidalgo Editora Buenos Aires, 2006, 232 páginas. 10,50 euros

2) Pensamientos Desordenados.

Fuente: Kaosenlared

Los zapatos rojos, Hans Christian Andersen

2011-11-30T03:53:00.000-08:00

La editorial Impedimenta reedita 'Los Zapatos Rojos', un clásico de Hans Christian Andersen en el que un par de zapatos rojos de charol ejerce una fuerza irresistible sobre la pequeña Karen, destrozando para siempre su vida.

Con tacones, bailarinas, de piel y de charol, chanclas de colores llamativos para ir a la playa y un impecable par de zapatos negros para acudir a una cena de gala. Complemento de los complementos, los zapatos tienen que abrigar el pie, pero sobre todo decorarlo, embellecerlo, seducir a los demás o declararles la guerra si hace falta.

Atractivos y adictivos, los zapatos son la debilidad de todo fashion victim que se respete. Carrie Bradshaw, la legendaria protagonista de la serie televisiva estadounidense Sexo en Nueva York, es un perfecto ejemplo de voracidad y buen gusto en tema de zapatos y está dispuesta a gastar hasta 400 dólares en un par de Jimmy Choo o de Manolo Blahnik.

En la película En sus zapatos, el personaje interpretado por Toni Collette, una soltera con un trabajo muy aburrido, prescinde de maquillaje y vestidos a la moda, pero no de zapatos costosos. Eso sí, no se atreve a lucirlos, sino que los tiene todos encerrados en su armario. Un detalle nada irrelevante que su bulliciosa hermana, interpretada por Cameron Díaz, no deja de destacar en una de las muchas discusiones entre las dos.

Seducción y culpa

Y es que los zapatos no son un objeto, sino un símbolo y esta peculiar e innata carga simbólica los ha convertido en una excusa perfecta para hablar de otras cosas. Tanto en el cine y en la televisión, como en la literatura.

Hans Christian Andersen fue de los primeros en encontrar narrativamente interesantes unos zapatos. En Los Zapatos Rojos – un clásico del escritor danés recientemente reeditado por la editorial Impedimenta – un par de zapatos rojos de charol es el origen de la desgracia de la pequeña Karen, una niña de condición humilde en cuyo ánimo se anida el más terrible de los pecados, por lo menos según el poco piadoso Andersen: la vanidad.

Los zapatos rojos primero hacen un guiño a Karen, luego la seducen y finalmente se pegan a sus pies obligándola a bailar y a bailar y a bailar hasta que el castigo le resulte no sólo necesario e inevitable, sino deseable.

Las ilustraciones de Sara Morante, tan delicadas como los zapatos rojos que llevan a la ruina a Karen, hacen de contrapunto a una historia durísima, que borda de manera exquisita el tema de esa extraña atracción de las mujeres por los zapatos que recorre las obras de ficción desde la Dinamarca protestante del siglo XIX hasta el centro de Nueva York.

Un viaje muy largo, en el que los zapatos rojos no han perdido ni su brillo, ni su capacidad de seducir. La Información

Las etiquetas en la ropa

2011-11-30T03:47:00.001-08:00

florizel.canalblog.com

El vestido renacentista

2011-11-28T22:25:00.000-08:00

Las prendas típicas del renacimiento se desarrollaron en Italia, de donde, a raíz de la invasión de Carlos VIII de Francia en 1494, se extendieron al resto de Europa. No está claro el porqué la moda italiana, bastante más sencilla, se desarrolló de forma independiente al resto de Europa, pero parece probable que esto se debiera a su clima más cálido. La túnica de cuello bajo y la camisa en el hombre, y las capas igual de sencillas y también de cuello bajo en la mujer (denominada capa Julieta) ejercieron un efecto breve pero intenso en la evolución del vestido europeo en general. Hacia 1620 había desaparecido la sencillez, y la línea vertical de las prendas medievales fue sustituida por la línea horizontal del traje del renacimiento. Al tiempo que se producía este rápido cambio de estilo, irrumpió en Europa la moda del ‘acuchillado’. Esta tendencia, que probablemente tuvo su origen en el sur de Alemania y que perduró hasta el siglo XVII, consistía en unas aberturas semejantes a cuchilladas en el tejido exterior que dejaban ver una tela distinta por debajo.

Tal vez el desarrollo más interesante de esta época fuera la utilización, o al menos la exposición, de las camisas por parte de hombres y mujeres. Una vez que la camisa quedaba a la vista, tenía que ser adornada; los ribetes de encajes y volantes en cuello y mangas se convirtieron en menos de 50 años en gorgueras historiadas y almidonadas que estuvieron de moda durante otros 100 años. Estos cuellos, almidonados o no, evolucionaron hacia la chorrera.

Durante el renacimiento el único cambio importante en la indumentaria masculina, aparte de una mayor ornamentación, fue el alargamiento de los calzones, que, como era normal, iban muy adornados por quedar a la vista. Por otra parte, la mujer fue luciendo unas prendas cada vez más restrictivas. A principios del renacimiento apareció un corsé largo y rígido en forma de cono, más largo por la parte delantera, que oprimía la anatomía de la mujer. Antes se había utilizado el corsé para realzar la figura pero nunca para distorsionar de tal manera las formas femeninas, ya que el pecho era obligado a sobresalir por encima del corsé. A partir de la Revolución Francesa (1789-1799) la moda varió enormemente pero la práctica de distorsionar la figura de la mujer persistió. Aunque la rigidez del corsé se vio algo aliviada al sustituirse las guías metálicas por huesos de ballena, la moda se hizo algo más incómoda por la costumbre de dar volumen a las faldas con la adición de armazones que podían ser desde bolsas de salvado hasta complicadas armaduras metálicas.

Aunque en el renacimiento las prendas básicas siguieron siendo las mismas que las de la edad media, el estilo relativamente natural fue sustituido por formas complicadas, encajes y forros que proporcionaban un aspecto de rigidez. Esto era, en parte, consecuencia del extremado formalismo de las cortes tradicionales de los Habsburgo del Sacro Imperio Romano, especialmente de la casa de Austria en España. Los escasos intentos por eliminar esta rigidez en la moda europea no fueron seguidos por la corte española, como lo demuestran las enormes faldas armadas de los retratos de la familia real del pintor barroco Diego Velázquez. Fuente: williamshakespeareliteraturabba.blogspot.com

Bolsos tejidos

2011-11-26T22:36:00.000-08:00

Entrevista a Isabelle Caro. Moda y anorexia

2011-11-26T22:02:00.000-08:00

Rafaële Garnot Gwenaëlle Trillat / Exclusivo para El Espectador, París

Millones de personas en el mundo padecen trastornos alimenticios. Uno de los más comunes entre las jovencitas de 15 a 25 años es precisamente la anorexia, enfermedad que tiene uno de los mayores índices de mortalidad en Europa. Por eso una firma de ropa contrató al fotógrafo italiano Oliviero Toscani, el mismo de las polémicas campañas de Benetton, para hacer un llamado en contra de esta enfermedad.

La aparición en grandes vallas de la imagen extremadamente delgada de una modelo desató todo tipo de reacciones. Mientras que para algunos las tétricas fotografías eran un llamado de atención para las jovencitas, para otros resultó una imagen contraproducente. Tanto así, que la campaña fue prohibida en Milán y París.

La protagonista de este debate es Isabelle Caro, una actriz francesa de 25 años, quien aceptó posar desnuda para denunciar la moda de la delgadez extrema. Esta mujer pesa 32 kilogramos y ha sido anoréxica durante los últimos diez años. Diez años de sufrimiento. Diez años de coqueteos con la muerte. En esta entrevista Isabella defiende la campaña. “Quería que la gente viera el peligro y entendiera lo que significa llegar a ese estado de cercanía a la muerte”, dice.

P. ¿Por qué revelar su cuerpo para esta campaña?

R. Hice el sacrificio de mostrar este cuerpo que odio para que las mujeres jóvenes y el mundo de la moda puedan ver a dónde nos puede llevar la dictadura de lucir delgados. Ser demasiado flaco puede terminar en la muerte y es todo menos bonito, de hecho todo lo contrario. Quería proclamar mi sufrimiento.

P. ¿Sintió temor de posar desnuda?

R. No hay nada peor para una anoréxica que mostrarse desnuda, porque está en guerra con su cuerpo, siente que está demasiado gordo. Apenas hace unos meses caí en cuenta de lo flaca que era, pesaba 25 kilos. Mi deseo de denunciar esta terrible enfermedad fue más poderoso que mi modestia.

P. ¿Cómo dio con Oliviero Toscani?

R. Escuché que Toscani estaba buscando a una joven anoréxica para una campaña contra esta enfermedad. De inmediato sentí que me concernía, porque he sufrido de anorexia durante los últimos diez años. Apenas lo vi unas horas durante la sesión de fotos.

P. ¿Qué sintió de que Oliviero Toscani no quisiera reunirse con usted?

R. Fue duro al comienzo, pero no me preocupa. Eso no es lo importante. Tengo un mensaje para difundir: la vida vale la pena vivirla porque es hermosa. Es necesario luchar. He estado tan cerca de la muerte que ahora me doy cuenta del peligro que corrí.

P. ¿Conocía antes del trabajo de Oliviero Toscani para Benetton, que siempre fue controversial?

R. Por supuesto. Por eso lo escogí. Es una foto chocante. Pensé que cambiaría las cosas. No quería una fotografía que la gente no notara al pasar. Quería que la gente viera el peligro y entendiera lo que significa llegar a ese estado de cercanía a la muerte.

P. ¿No le parece un comercial tétrico?

R. Esta campaña muestra la realidad de la moda tal como si las modelos estuvieran luciendo sus cuerpos sin ropa. Soy de la misma talla de las modelos a las que los diseñadores les piden modelar ropa talla cero, es decir, por debajo de un 34. Algunas niñas de Europa del Este mueren de hambre para apoyar a sus familias. En Brasil, dos modelos murieron recientemente. Los diseñadores son irresponsables. Explotan a las jóvenes que están dispuestas a hacer lo que sea para trabajar.

P. ¿Qué opina de la moda pro-Ana?

R. Es escandaloso y criminal promover entre las mujeres jóvenes que dejen de alimentarse para satisfacer la fantasía de la extrema flacura. La anorexia es una enfermedad, no un modo de vida.

P. Pero mucha gente piensa que su fotografía puede llevar a que las mujeres jóvenes anoréxicas la tomen a usted como un modelo... ¿Qué opina?

R. No entiendo. Lo encuentro totalmente ridículo. No entiendo cómo el cuerpo de una vieja puede ser el modelo para una joven de 25 años. No es como esas fotos de los sitios pro-Ana que muestran mujeres hermosas. Aunque les veamos los huesos, sus cuerpos son aún atractivos. Como actriz en el mundo del show business, sé lo que significa mostrarse sin maquillaje ni peinados. Si hubiera visto una campaña como la de Toscani, probablemente no me hubiera vuelto anoréxica.

P. ¿Podrá entonces tener su foto un efecto preventivo sobre otras mujeres jóvenes?

R. Sin duda. Incluso en mis peores períodos de anorexia, entre los 13 y los 15 años, cuando aún pensaba que estaba gorda, definitivamente me hubiera afectado una fotografía tan desagradable. Me hubiera dicho: “No quiero lucir como ella... una jovencita con el cuerpo de una mujer vieja y cansada”. Espero que este anuncio ayude, aun cuando sea a una sola persona.

P. ¿Comprende por qué el anuncio ha sido prohibido en Francia?

R. No y estoy muy desilusionada con esa decisión. En Francia nos estamos escondiendo de la realidad de la anorexia. Por ejemplo, la industria de la moda no impone ningún criterio real sobre la talla de las top models. Los cuerpos se están ocultando detrás de la ostentación, el maquillaje, el pelo, la ropa y el glamour.

P. ¿Cómo llegó a ser anoréxica?

R. Tuve una infancia muy difícil, muy traumática e inusual.

P. ¿Qué le pasó?

R. Todavía me es difícil hablar de eso. Mi madre sufría de depresión. Yo tenía cuatro años y me aisló del mundo. No me mandó al colegio. Me forzó a aprender violín. No me permitía salir a menos que tuviera una bufanda sobre mi cara para que no respirara (había oído en la radio que el aire fresco hacía crecer). No quería que creciera, me medía a diario. A los 13 años decidí que quería dejar de crecer. Todo empezó con una imagen: caminaba con mi madre por un callejón hacia la casa y ella cargaba una botella de gas. Me dijo: “¿Sabes lo que es cargar 35 kg?”. Tiempo después fui al doctor por una infección en la garganta. Me midieron y pesaron y vi la desilusión en los ojos de mi madre. Pesaba 39 kilos. Me había subido de 35 kg. Ahí decidí dejar de comer.

P. ¿De un momento a otro dejó de comer?

R. Fue gradual. Yo era ingeniosa para que mi madre no se diera cuenta. Al comienzo, uno no se da cuenta de lo que está sucediendo, está en un estado de euforia.

P. ¿El “orgullo” anoréxico?

R. Sí, es un estado de euforia que se siente al comienzo. Es fantástico. Cuando uno comienza a perder peso, siente que tiene todo bajo control. Y entonces, rápidamente entra en un círculo vicioso de consecuencias irreversibles: el pelo y los dientes se te comienzan a caer, desarrollas problemas de visión. Casi pierdo la visión de uno de mis ojos. Poco a poco, uno cae en una espiral diabólica, de muerte.

P. ¿Llegó a estar cerca de la muerte?

R. Muchas veces. He entrado en coma en varias ocasiones. Un día realmente pensé que había muerto. Me vi en el otro lado. Fue entonces cuando decidí regresar al mundo de los vivos.

P. ¿Qué fue lo más duro?

R. Cuando tuve que ser hospitalizada. Pasé varios períodos en el hospital, incluso en centros especiales, y fui maltratada. Te apartan de tus seres queridos, los doctores te hacen sentir culpable. Todos piensan que eres responsable de tu condición y que te estás haciendo la difícil al negarte a comer. Las enfermeras eran toscas. Cuando me bañaban, eran muy duras con mi demacrado cuerpo. El tratamiento lo sentía como si estuviera siendo violada.

P. A veces no hay otra manera de mantenerte viva...

R. En el hospital te alimentan con una sonda estomacal. Te fuerzan a ganar peso. Te tratan los síntomas pero no la enfermedad mental.

P. ¿Y sigue enferma?

R. He decidido sanarme, pero a mi propio ritmo; de otra manera fracasaría. Como muy poco pero mejor, cada vez mejor. Es una batalla diaria, pero lo lograré, porque escogí vivir.

P. ¿Nos puede explicar por qué en su blog la mayoría de las fotografías la presentan como una anoréxica, pero ahora nos dice que quiere luchar contra esa enfermedad?

R. Porque, infortunadamente, eso es lo que soy. Quiero mostrar lo terrible que es. Sin embargo, en el sitio también trato de mostrar el progreso y los resultados. Pesaba 25 kg. cuando caí en coma. Ahora peso 32 kg. Ustedes pensarán que es demasiada flacura, pero comparada con hace un año hay una gran diferencia. Eso es lo que quiero mostrar. He trabajado muy duro para llegar acá, luché de verdad y fue muy difícil.

P. ¿Alguna vez le ha gustado su cuerpo?

R. Nunca. Siempre sentí que estaba muy gorda. Ese es el principio detrás de la anorexia; quienes la sufren no son capaces de amar sus cuerpos. Incluso de niña, no me gustaba mi cuerpo aun cuando era una chica normal. El único momento en que era capaz de aceptar mi cuerpo era cuando actuaba: en el escenario me siento otra persona.

P. ¿Qué quiere decirles a las jóvenes que se encuentran en su misma situación? ¿Quisiera ayudarles?

R. Eso es exactamente lo que quiero hacer, porque sé las palabras que debo usar cuando hablo con ellas. Los doctores no se las saben. Pero sobre todo, no se debe hablar de peso a una anoréxica. Hay que enseñarles a amar la vida de manera gradual, por ejemplo, a través de la pintura o de clases de teatro. Quisiera encontrar un lugar donde pudieran hablar sin temor a lo que otros puedan pensar de ellas. Un buen psiquiatra no debe tratar la anorexia como una enfermedad en sí misma, sino que debe buscar la historia detrás de las razones para ser anoréxico. Quisiera encontrar una estructura con doctores y sicólogos donde las jóvenes no sean encerradas o aisladas del mundo. Tengo algunas ideas, pero no he hecho ningún contacto.

Peinados, años '50 y '60

2011-11-24T06:16:00.000-08:00

Vestidos premamá de origami

2011-11-24T03:27:00.001-08:00

Marisol Rodríguez, Skin

Christmas song with Judy Garland and Mel Torme

2011-11-24T02:23:00.000-08:00

Secretos y evolución de la ropa interior

2011-11-21T06:40:00.000-08:00

Sexo sí, pero con cuidados

2011-11-21T02:30:00.000-08:00

¿Sabías que "Casi el 25% de los adolescentes lleváis un piercing, y la mitad de los que no, pensáis hacéroslo en un futuro, según publicó un estudio que se presentó en el XXXI Congreso de la Sociedad Española de Medicina de Familia y Comunitaria (SEMFYC)." y que "El mismo estudio revela que un tercio de los encuestados, alumnos de 3º y 4º de la ESO, creen que no existe ningún riesgo."? El hecho es que sí existen riesgos, y muchos motivos para aprender a cuidarte. En Elije sexo con salud te explican cuáles son esos riesgos y qué debes hacer para evitarte problemas.

Elijo sexo con salud, una idea de Gedeon Richter, es un blog diferente en el que encontrarás excelentes artículos para vivir tu sexualidad de forma saludable, "una comunidad que pretende ser un punto de encuentro para jóvenes con información, trucos, consejos y curiosidades relacionadas con la salud sexual", y sobre todo, sobre los métodos anticonceptivos que mejor se adaptan a ti, pero no solo.

En este blog podrás leer también artículos sobre psicología, actualidad, estilo de vida y salud en general.

Gana un iPad o un ordenador Apple

Puedes, por ejemplo, leerte el Manifiesto del Día Mundial de la Anticoncepción 2011 de la Fundación Española de Contracepción, o participar en el concurso sobre sexualidad y salud, y ganar un iPad (accésit) o un portátil de Apple (premio) con solo registrate, de manera gratuita y a través de internet.

El concurso, denominado “Yo elijo sexo con salud”, tiene como finalidad el sensibilizar a los jóvenes españoles sobre la necesidad del uso de métodos anticonceptivos para prevenir embarazos no deseados e infecciones de transmisión sexual. Se trata de enviar un lema o una imagen de acuerdo con las bases.

El test: ¿qué sabes sobre sexo saludable?

Para empezar, en el mismo portal puedes hacerte un test para averiguar lo que sabes y lo que no sabes sobre sexo saludable.

Si pensabas que durante la regla no puede haber embarazo, ¡fallaste! Si creías que todas las mujeres pueden tomar la píldora anticonceptiva, también fallaste: "Hay algunas mujeres en las que no es aconsejable el uso de la anticonceptivos hormonales con estrógenos (píldora, parche, o anillo) como método anticonceptivo. Por ejemplo, mujeres con alteraciones de la coagulación, con enfermedades hepáticas, las fumadoras de más de 15 cigarrillos diarios y que a su vez sean mayores de 35 años, las que tienen migrañas frecuentes o las que toman medicación para la epilepsia."

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De revistas: moda vintage

2011-11-12T23:12:00.001-08:00

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Postales vintage, moda infantil

2011-11-12T14:57:00.001-08:00

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Monederos calentitos

2011-11-12T14:13:00.001-08:00

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El cuerpo y la moda, una visión sociológica, libro para descargar gratis

2011-10-31T09:42:00.000-07:00

El cuerpo y la moda ofrece una amplia y original visión general sobre la moda y el vestir desde una perspectiva histórica y sociológica. El libro presenta un revelador resumen de las teorías que afectan al papel y la función de la moda en la sociedad moderna, y examina la parte esencial que ésta desempeña en la formación de la identidad contemporánea mediante la confluencia del cuerpo, el género y la sexualidad. Al examinar la moda en relación con el cuerpo, este libro ofrece una atractiva síntesis entre el pensamiento sobre la moda y el vestir --que por lo general tiende a pasar por alto el cuerpo-- y la sociología del cuerpo --que siempre se ha despreocupado de la moda y el vestir--. Entwistle nos muestra cómo la comprensión de la moda y el vestir requiere entender los significados que ha adquirido el cuerpo en nuestra cultura, puesto que es al cuerpo a quien va dirigida la moda y el que se viste para casi todos los acontecimientos sociales. La autora arguye que, mientras la moda hace referencia a un sistema específico de vestir que se originó en Occidente, todas las culturas “visten” al cuerpo y hacen de ello una característica esencial dentro del orden social. Este libro --que bebe de las fuentes de la obra de Douglas, Foucault, Merleau-Ponty, Goffman y Bourdieu-- nos revela las conexiones que hemos de establecer entre el cuerpo, la moda y el vestir desde una perspectiva inédita hasta el momento, tan útil para los profesionales como atractiva para quienes simplemente gusten de estos temas. El cuerpo y la moda supondrá una valiosísima referencia para los estudiantes e investigadores interesados en el rol social de la moda y el vestir en la cultura moderna, así como para los profesionales del sector y el público en general interesado en el fenómeno en cuestión.

Descargar de aquí. Fuente: quédelibros

Patrones infantiles retro

2011-10-31T09:30:00.001-07:00

encasadetiagretel.blogspot.com

Armarios metálicos vintage

2011-10-31T09:20:00.001-07:00

Armarios y cajoneras militares metálicas vintage. En etsy.

Evolución de la máquina de coser

2011-10-28T05:37:00.000-07:00

La máquina de coser es un elemento o instrumento que se sigue utilizando hoy en día en nuestra vida diaria, es capaz de ahorrarnos muchas horas de trabajo ya que es capaz de confeccionar ropa de alta costura. La máquina de coser es considerada uno de los inventos más productivos que el hombre llevó a cabo.

Para miles de estudiosos la máquina de coser nació en 1970 y fue diseñada por Thomas Saint, un ebanista londinense; según registro de la época se decía que esta máquina de coser era capaz de dar puntadas de cadena de un solo hilo, algo fascinante para la época, además contaba con una aguja horquillada que atravesaba el orificio que hacía la lenza. Pero muchos todavía dudan si realmente fue él el inventor.

Más adelante ya en 1810, fue un alemán de apellido Krems quien daría vida a la aguja con ojo en la punta; esta aguja es la que utilizamos habitualmente para coser botones o hilvanar pantalones o por qué no, hacer dobladillos.

Aunque hoy una aguja de este estilo sea muy popular ya que es capaz de solucionar problemas esenciales, para esa época no tuvo gran aceptación; ésta llegaría en 1830 cuando el sastre vienés Maderspeger construyó una máquina, y casi al mismo tiempo, en Francia Barthelemy Thimonnier construía la primer máquina de coser que fue reconocida a nivel mundial. La primera máquina de coser constaba de una aguja de lengüeta que tenía como función prenderse en la tela, pero como ésta última no tenía un sistema de transporte, debía moverse a mano. Aunque este invento le parecía a muchos insignificante, el mismo tuvo una gran importancia en la industrial militar, ya que Bathelemy Thimonnier levantó su industria de costura que tuvo como primer cliente a la milicia Francesa. El confeccionamiento de uniformes militares tuvo un gran auge hasta que sus máquinas de coser fueron destruidas por sus obreros que estaban temerosos de perder sus puestos de trabajo.

Luego de este trago amargo, Thimonnier desistió y dejó de lado los planes de perfeccionamiento de su máquina de coser. Para saber como siguió la evolución de este artefacto tenemos que remontarnos a Estados Unidos, más precisamente a fines de 1830 en Nueva Cork, allí se inventó la primera máquina de coser de pespunte, pero aunque esto sonaba como gran invento, no tuvo el éxito comercial esperado.

Fue recién en 1846, cuando otro norteamericano llamado Elias Howe patentó una máquina de coser que se parecía en gran forma a la que había sido inventada en Nueva Cork; como desventaja principal encontrábamos su mecanismo de transporte.

Las máquinas de cocer de hoy en día difieren bastante de aquellas mencionadas previamente, aunque todas ellas están basadas en iguales modelos de funcionamiento; la mayoría de las máquinas de coser actuales poseen una aguja oscilante que es capaz de cocer en zigzag. Bajo el tejido, existe un orificio alargado en donde la aguja aumenta o disminuye su velocidad de derecha a izquierda, lo que hace que pueda realizar puntadas alternas.

El ancho del zigzag es ajustable (desde 0 hasta 7 mm), si además ajustamos la longitud de la puntada podemos obtener un zigzag abierto, este tipo de costura es útil a la hora de coser elásticos o botones de corte. Las máquinas de coser domésticas actuales son capaces de realizar casi todo, desde una pequeña puntada hasta elaborar vestidos de novia, podemos hacer un dobladillo, el disfraz de nuestro hijo etc.

Las máquinas de cocer industriales pueden realizar estas funciones y muchas más, en general son mucho más pesadas y de mayor tamaño, además suelen estar programadas para realizar funciones determinadas. Existen máquinas de coser industriales sólo para hacer ojales, para coser botones, etc; la mayoría de ellas dan puntadas de cadeneta, puntadas extrafuertes en telas muy gruesas y pesadas, etc. Las máquinas de coser son hoy mucho más complejas de lo que eran antes y poseen más funciones; son capaces de coser sobre superficies blandas, rústicas, finas y gruesas.

Más información:
modayconfeccion1
abcpedia.com

La moda en el cine

2011-10-28T05:22:00.000-07:00

Blow-Up, Michelangelo Antonioni, 1966

Esta película de Antonioni es una producción italo-británica ganadora de la Palma de Oro de Cannes de 1966 al mejor director. El título Blow-Up significa la explosión de una burbuja, pero en términos fotográficos se usa patra denominar una gran ampliación durante el revelado de una foto. La historia es una adaptación del cuento Las babas del diablo de Julio Cortázar. Ésta narra la historia del fotógrafo Thomas (David Hemmings) que, tomando una fotos en un parque, descubre al revelarlas una espécie de sombra que resulta ser un cadáver.

Pret-a-porter, Robert Altman, 1994

Pret-a-porter (en francés “listo para llevar“) es una comedia muy dura sobre el mundo de la moda. Su acción transurre en el evento más importante del año en el ámbito de la moda: la presentación en París de las colecciones Pret-a-porter. A él acuden modelos, diseñadores, fotógrafos, periodistas… y todos ellos son sospechosos del asesinato del jefe de la Cámara Sindical.

Como curiosidad, en esta peli aparecen muchos rostros famosos del mundo de la moda haciendo pequeños papeles, como Valentino, Claudia Schiffer o Naomi Campbell.

El diablo viste de Prada, David Frankel, 2006

Protagonizada por Meryl Streep, la película sigue la línea de Pret-a-porter y es una sátira del mundo de la moda. Streep es la directora de una gran revista de moda (en el libro en el que se basa la película, la revista es Vogue), la cual dirige con puño de hierro. Un día decide contratar a una chica desaliñada, muy distinta a las demás mujeres, guapas y elegantes, que trabajan en la publicación.

Miranda Priestly, el personaje que interpreta Meryl Streep, está inspirado en inspirado en Anna Wintour, la directora de Vogue USA.

Sexo en Nueva York: La película, Michael Patrick King, 2008

Es la adaptación de la serie de la HBO “Sexo en Nueva York”. Nos habla de la vida de Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), la columnista del “New York Star”, Samantha Jones (Kim Cattrall) la más ambiciosa y sexualmente activa, Miranda Hobbes (Cynthia Nixon) la más sarcástica y Charlotte York Goldenblatt (Kristin Davis) la más pija y tradicional.

Lo mejor del film es ver los modelitos que lucen sus protagonistas.

Una cara con ángel, Stanley Donen, 1957

Fred Astaire es el fotógrafo de una revista de moda que busca a una modelo diferente a las demás para convertirla en la mejor modelo de París. En una librería encuentra a Audrey Hepburn, una chica tímida y apocada en la que ve a la mujer perfecta para su cometido.

Es un musical fantástico lleno de buenas canciones que obtuvo cuatro nominaciones al Premio de la Academia.

The September Issue, RJ Cutler, 2009

The September Issue es un documental sobre la directora de la revista Vogue, Anna Wintour, la cual ha dirigido esta publicación durante los últimos 20 años. De esta manera, se ha convertido en todo un icono y una de las personalidades más influyentes y respetadas del mundo de la moda y la comunicación de nuestro tiempo.

En este documental, Wintour deja entrar por primera vez a una cámara en su redacción. Así, podremos ver el proceso de elaboración del número de septiembre de 2007, una edición muy especial llamada “La Bíblia de la moda”.

Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel, Anne Fontaine, 2009

Se centra en los años de aprendizaje de la diseñadora de moda (protagonizada por Audrey Tautou) , una mujer de procedencia humilde que llega a ser el símbolo del éxito y la elegancia.

Confesiones de una compradora compulsiva, P.J. Hogan, 2009

Película bastante mala sobre una chica llamada Rebecca Bloomwood (Isla Fisher) obsesionada con las compras de una manera casi enfermiza. Sueña con trabajar en su revista de moda favorita, pero por casualidad, consigue trabajo en una revista sobre economía.

Valentino: The Last Emperor, Matt Tyrnauer, 2008

Valentino: The Last Emperor, es el documental sobre el famoso diseñador presentado en el Festival de Venecia de 2008.

Zoolander, Ben Stiller, 2001

Derek Zoolander (Ben Stiller) el modelo más cotizado del mundo, es desbancado por un nuevo modelo llamado Hansel (Owen Wilson). Entonces Zoolander es seleccionado para matar al Primer Ministro de Malasia.

Este argumento tan absurdo es otra de las películas que tienen como telón de fondo el mundo de la moda, y en ella también hacen cameos personajes importantes del mundo de ésta y famosos actores (amigos de Stiller)

Brüno, Larry Charles, 2009

Sacha Baron Cohen interpreta a un modelo vienés gay que viajará por todo el mundo parodiando diseñadores de alta costura y modelos, pero tambien criticando duramente en tono de humor a la sociedad de hoy en día, desde el problema de Israel y Palestina, la homosexualidad, las estrellas de Hollywood o el mundo de la televisión y la publicidad.

theorangemandarin

Sombreros década de los '20

2011-10-28T05:11:00.000-07:00

paperblog.com

¿Buscas los mejores portales de outlet en España?

2011-10-21T03:45:00.000-07:00

Comprar outlet en internet revoluciona la manera de comprar online. Comprando outlets ahorras hasta un 80% en las primeras marcas y en productos originales, de ropa, ocio y viajes sobre todo. Los fabricantes dan salida así a productos que no han vendido, y el comprador se beneficia de ofertas realmente interesantes.

Outletspain.net te ofrece un recopilatorio de los mejores portales de outlets en España y ventas privadas en distintos sectores (ropa, ocio, viajes, perfumes, bebés…): buy.vip (outlet de ropa primeras marcas con descuentos del 50 al 80%), PO Private Outlet (más de 600 primeras marcas de moda, decoración y diseño), vente- privee.com (outlet de ropa nº1 en el mundo con ventas privadas de primeras marcas al 70% de descuento), primeriti (outlet del Corte Inglés), voyageprive.com (outlet de viajes líder en España con ventas privadas y descuento de hasta el 80%), privaría (outlet de ropa, complemento y electrónica de primeras marcas nº1 en España), beauteprivee (dedicado exclusivamente a belleza y cosméticos en primeras marcas), showroomprive.com (especializado en ropas de primeras marcas con descuentos de hasta el 80%), oooferton (electrónica, ocio y moda durante las 24 horas del día con descuentos de hasta el 80%), perfumesclub.com (perfumes primeras marcas con descuentos de hasta el 80%) y muchos más.

Tal y como dice en uno de sus posts, "Los portales de ventas privadas son sin duda una buena oportunidad para hacerte con productos de primeras marcas por mucho menos que en las tiendas convencionales. El plazo de entrega varía de un outlet a otro, desde los más rápidos por mensajero en 48 horas, como Dress-for-less, al resto de outlet online en los que el plazo de entrega se incrementa ligeramente."

En cualquier caso, "el fenómeno del Outlet en España ha sido totalmente imparable, siendo, junto a los portales de compras colectivas o cupones los de mayor éxito en el comercio electrónico de nuestro país" y Outletspain.net desgrana las novedades que ofrecen todos estos puntos de venta online post tras post manteniéndote informado de las novedades: nuevos portales que se estrenan, noticias relacionadas con el mundo del outlet, los mejores productos, comparativas entre portales…

Aunque el portal podría mejorar su diseño sobre todo en la elección de los colores, lo cierto es que muchos outlets en internet se decantan por ese rosa fuxia tan característico y por el negro. Por algo será...

Balerinas japonesas

2011-10-02T07:24:00.001-07:00

ikian

Jesús del Pozo

2011-09-18T07:16:00.001-07:00

Sostenibilidad y eco-moda

2011-09-16T04:33:00.000-07:00

Sostenibilidad: Una nueva tendencia en la moda por euronews-es

Giorgio Armani: "La perfección es inalcanzable"

2011-08-18T10:41:00.000-07:00

05/11/2008

Giorgio Armani (Piacenza, 1934) inaugurará en breve su primer hotel en la Burj Dubai Tower, en Dubai, la joya de su división de arquitectura, interiorismo y decoración.

Cuando se dice de él que ha construido un imperio casi inabarcable, la frase no es sólo metafórica, también es literal. Poco queda por descubrir de un diseñador que ha establecido las bases de la moda tal y como la entendemos en el presente, aunque aún son pocos quienes conocen el segundo reinado que está a punto de emprender: Giorgio Armani (Piacenza, 1934), inaugurará en breve su primer hotel en la Burj Dubai Tower, en Dubai, la joya de su división de arquitectura, interiorismo y decoración.

¿Alguna vez imaginó que su imperio abarcaría los cinco contenientes?

Siempre quise tener un negocio internacional con el que alcanzar a un cliente global. Mi idea fue siempre traer un nuevo estilo que combinase comodidad y elegancia relajada a todo el mundo fuese cual fuese su nacionalidad o cultura, no la de construir imperios.

¿Qué es lo que le ha motivado a involucrarse tanto con sus líneas de arquitectura, decoracióne interiorismo?

El hecho de que nuestro hogar sea el lugar más íntimo de nuestras vidas y el espacio donde con mayor sinceridad expresamos nuestra personalidad es algo que me fascina. Cuando pienso en el mobiliario de una casa se que debe ser duradero, concebido de un modo que ignore las tendencias transitorias.

Entonces, ¿cuál es su concepto de decoración?

Rigor, simplicidad, comodidad, elegancia, sofisticación y sensualidad. ¡Pero todas ellas al mismo tiempo!

¿Qué arquitectos y diseñadores industriales le sirven de guía en sus proyectos de decoración?

¡Hay muchos! Tadao Ando, Claudio Silvestrin, Doriana y Massimilano Fuksas Todos ellos arquitectos con los que he tenido el placer de colaborar recientemente en importantes proyectos. En cuanto al pasado, yo diría que el Art Decó ha tenido una gran influencia tanto en mis líneas de ropa como en mi sentido del interiorismo y el mobiliario.

Usted diseña alta costura dentro del mundo de la moda, pero también ha trasladado este concepto a sus líneas de muebles. ¿Cómo concibe la couture del mobiliario?

La gente hoy está en una constante búsqueda de lo exclusivo, de lo único, de las cosas hechas a medida. Muebles como mi bar Bach, o mi chaise longue Borromini, tienen un valor añadido porque nunca serán fabricados en serie. Además, empleamos acabados preciosistas y materiales exclusivos.

Las Armani Residences son ya una realidad. ¿Pretende crear entornos ídilicos como los que se ven en Mujeres Desesperadas?

(Risas) Bueno, los entornos deben ser cómodos y prácticos, no idílicos. Desde luego la estética juega un papel importante, pero la perfección es inalcanzable, ¡y eso que le habla un perfeccionista confeso! Quizás por eso sé que la búsqueda de la perfección es un camino peligroso.

¿Cómo cree entonces que desea vivir la gente? Da la sensación de que todo el mundo busca esa perfección, aunque sea falsa.

Yo creo que la gente está envuelta en vidas cada vez más ocupadas y agitadas, por lo que su búsqueda se dirige más hacia hogares que ofrezcan relajación, intimidad y protección, y no tanto perfección.

Es curioso que con esta filosofía vaya a inaugurar la Burj Dubai Tower, uno de los sitios más artificiales del planeta. ¿Este proyecto no choca con su ideario?

Lo que me interesa de Dubai son su energía y dinamismo. La Burj Dubai Tower, en su ambición por ser el edificio más alto del mundo, simboliza el deseo del hombre por establecer sus propias marcas. Como persona creativa que soy, puedo relacionarme con ello sin conflictos internos.

¿Qué expectativas tiene en Dubai?

Dubai es un verdadero misterio. Allí se puede encontrar arquitectura de vanguardia junto a estructuras más tradicionales. Siento que debo estar tanto en este tipo de lugares, como en las viejas ciudades europeas, porque nuestro mundo hoy es una mezcla de tradición y modernidad que comprende culturas muydiferentes.

En Tokio posee un rascacielos dedicado a exhibir todos los vértices de su negocio. ¿Es este el nuevo símbolo de su imperio?

La Armani/Ginza Tower en Tokio es uno de los muchos espacios globales donde se muestra al completo el estilo de vida Armani, como en otros puntos (Hong Kong, Milán o próximamente Nueva York). Son espacios ideados para comprar, pero también se puede tomar un té, escuchar música o ir al Spa.

Usted posee una de las colecciones de casas más importantes del mundo. ¿Tiene tiempo para estar en todas?

Paso bastante tiempo en mis casas de Pantelleria (Sicilia), Broni (cerca de Milán) o Saint Tropez. El resto de mis casas son residencias de trabajo y voy a ellas sólo por motivosprofesionales.

¿Quién cree que está sufriendo más la crisis, los ricos o la clase media?

Todos debemos prestar atención a lo que sucede en este momento con la economía, independientemente del dinero que se tenga. Hoy más que nunca, las nociones de simplicidad y esencialismo adquieren un valor moral así como estético. Tal vez sean estos ideales los que nos den nuevas reglas para seguir con nuestras vidas.

Entrevista por: Alex Carrasco

Vestidos vintage superlivianos

2011-08-18T09:46:00.001-07:00

Etsy

Bolsos para el otoño

2011-08-03T12:07:00.001-07:00

Etsy

Gafas gratis este verano

2011-08-02T08:58:00.000-07:00

¡Gana unas gafas de Multiópticas!

¿Estás atento a las últimas tendencias? ¿Eres un apasionado de la moda óptica? Si la respuesta a estas dos preguntas es “Sí”, entonces deberías estar atenta al videoblog de Multiópticas, motvblog. Allí, la chica mó nos habla semanalmente de las últimas tendencias y moda óptica. Además organiza un concurso semanal en el que los participantes podrán optar a ganar una montura de gafas. Los modelos de monturas son diferentes cada semana. Si estáis interesados, ya sabéis, visitad motvblog y… ¡participad!

Solo para apasionados de las gafas

Como yo. Con una selección de estupendas fotos, brevísimos posts y vídeos surtidos, en motvblog te instruyen con soberana cercanía y sencillez (incluidas un par de faltas de ortografía...) sobre el mundo de las monturas, la mejor manera de llevarlas, cómo combinarlas y con qué maquillaje acompañarlas. Aunque lo que más llamará tu atención es la convocatoria de concursos para ganar un par de bonitas gafas que eliges tú: redondas, cuadradas, ovaladas... También puedes seguir el blog desde Facebook, Twitter, Youtube... Dejar tus comentarios...

El concurso

En el apartado "Acerca de" del menú superior se despliegan las bases del concurso "Las gafas de la chica mó" que se desarrollará en todo el territorio nacional, exclusivamente por Internet, y a través del blog. La fecha de comienzo del concurso será el día lunes 1 de agosto de 2011 a las 12:00 horas y finalizará el día lunes 8 de agosto de 2011 a las 12:00 horas. El concurso tiene como finalidad ofrecer las monturas de gafas sin graduar al comentario más divertido, creativo e ingenioso. Fácil, ¿no? ¡Apúntate!

Pendientes vintage de clip

2011-08-02T08:49:00.001-07:00

Etsy
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Unworn Vintage Dark Brown cut out leather mary jane shoes

2011-07-30T08:10:00.001-07:00

etsy

Faldas negras

2011-07-25T10:03:00.000-07:00

my-wardrobe.com

Vintage sewing stuff

2011-07-25T09:27:00.001-07:00

AllVintageSewing
azsunshine51

Spa casero con sobras de alimentos

2011-07-24T06:37:00.000-07:00

Máscara de calabaza
La calabaza ayuda a combatir el aire seco del invierno con vitaminas A y C, así como con los ácidos alfa-hidroxi-zinc.

Ingredientes

¼ de taza de puré de calabaza
1 cucharada llena de yogurt natural
1 cucharadita de jengibre fresco rallado
3 cucharaditas de mielJugo de 1 / 2 limón

Preparación
Combina todos los ingredientes en una licuadora o con una cuchara de madera. Aplica una capa gruesa en todo el rostro, teniendo cuidado de evitar los ojos y la boca. Mantén en tu cara durante unos 10 minutos y luego retira con cuidado con una toallita y agua tibia y jabón.

Granada exfoliante para el cuerpo
Ingredientes

2 cucharadas de aceite de aguacate
2 cucharadas de azúcar sin refinar
2 cucharadas de miel
1 cucharadita de cáscara de naranja
1 cucharada de semillas de granada

Preparación

Mezcla todo. Aplica a la piel con un paño o lufa. Frota suavemente y luego enjuaga con agua tibia.

Mascarilla de canela y nuez moscada para combatir el acné

Ingredientes

1 cucharadita de canela en polvo
1 cucharadita de nuez moscada
1 cucharadita de miel

Preparación

Combina en una pasta espesa. Aplicar en la cara durante media hora y luego enjuagar con agua tibia. Hidratar como de costumbre después.

En verde

2011-07-23T06:22:00.000-07:00

Handmade