Hysteria

"Cara de bicicleta" una enfermedad ficticia para evitar que las mujeres anduvieran en bicicleta


Labios demacrados, ojeras, ojos saltones, mandíbula apretada, rostro de cansancio… Esos eran los síntomas de un mal que acechaba a la sociedad europea a finales del siglo XIX: la “cara de bicicleta”, una enfermedad que podía afectar a quienes hicieran uso de sus bicicletas para desplazarse. Pero especialmente a las mujeres.
Sin embargo, solo se trataba de una enfermedad ficticia que los médicos de la época se inventaron para disuadir a las mujeres de montar en bicicleta.


Pero, ¿por qué tanto en empeño en que las mujeres dejasen de lado esos artilugios tan de moda y tan prácticos llamados bicicletas? En la última década del siglo XIX y las bicicletas se volvieron instrumento del feminismo: las mujeres podían moverse libremente por las ciudades, más allá de sus hogares, y además, las bicicletas ayudaron a avivar el movimiento de la reforma de la vestimenta femenina, que buscaba eliminar las restricciones victorianas de la ropa –tanto exterior como interior- de manera que las mujeres pudieran vestir prendas que les permitieran participar en actividades físicas. Las mujeres fueron liberándose de los corsés y las faldas hasta los tobillos se sustituyeron por los rompedores pantalones bombachos.
La feminista y líder del movimiento estadounidense de los derechos civiles Susan B. Anthoy describió en una entrevista de1896 para el New York World que la bicicleta había hecho por la emancipación de la mujer más que ninguna otra cosa en el mundo.


“Para los hombres, la bicicleta en sus comienzos era un mero juguete, pero para las mujeres, se traba de un corcel con el que poder cabalgar hacia un nuevo mundo”, relataba la revista Munsey el mismo año.
Pero muchos hombres de la época no vieron con muy buenos ojos la independencia que la bicicleta estaba otorgando a las mujeres, tanto a nivel de movilidad como de pensamiento. De modo que algunos médicos empezaron a hablar de los perjuicios que la actividad ciclista para intentar evitar que el público femenino siguiera montando en bici; y se inventaron el mal llamado “cara de bicicleta”; la cara que se te queda por andar en bicicleta.


“La postura sobre la bici, el esfuerzo inconsciente de mantener el equilibrio y el sobreesfuerzo físico tienden a producir ‘cara de bicicleta’”, relataba el Literary Digest en 1895. “Un rostro normalmente enrojecido, pero a veces pálido, a menudo con labios más o menos demacrados, un comienzo de ojeras oscuras y una expresión cansada”, esas eran las consecuencias a las que se enfrentaban las mujeres –y también hombres, aunque en menor medida- que anduvieran en bicicleta. Es decir, lo opuesto a la tierna y adorable mirada que los hombres esperaban de una mujer a finales del siglo XIX.
Además de “cara de bicicleta”, quienes montasen en bici también podían padecer cansancio, insomnio, palpitaciones, dolores de cabeza y depresión. Inclusotuberculosis y un incremento de la libido.

Para algunos médicos, la enfermedad era permanente, mientras otros decían que, tras una temporada sin montar en bici, la “cara de bicicleta” acababa por desparecer.
El doctor A. Shadwell habló mucho de los peligros de andar en bici para las mujeres, “una moda a la que personas en baja forma para cualquier actividad física se habían sumado”.


Sin embargo, a medida que el nuevo siglo amenazaba con su llegada, muchos médicos empezaron a cuestionar públicamente esta enfermedad ficticia, destacando que la cara de esfuerzo de los ciclistas solo se daba entre los principiantes; pero que a medida que iban cogiendo práctica, lograban medir su esfuerzo muscular y adquirían una mayor confianza y agilidad sobre la bicicleta. Es más, hablaban de los beneficios que esta actividad física aportaba a la salud.

Y como no podía ser de otra manera, este cuento alimentado por los médicos de la época fue cayendo por su propio peso. Fuente: strambotic

Cuándo los hombres comenzaron a usar tacones altos

Zapato persa siglo XVII

Creo que los zapatos de tacón alto -o de aguja para ser más extremos- estilizan la figura y confirmarían el dicho que reza “para estar guapa, hay que sufrir“. Y digo guapa porque, salvo algunas excepciones, los zapatos de tacón alto suelen llevarlos las mujeres… aunque no siempre fue así. Para contestar a la pregunta que da título a este artículo, habría que preguntarse primero cuándo comenzaron a llevarlos.

De los primeros que tenemos conocimiento que utilizasen los zapatos de tacón fueron los arqueros a caballo persas. El calzado con tacón les permitía “anclarse” al estribo de sus caballos y, de esta forma, centrarse en disparar sus arcos recurvados con las dos manos. ¿Y cómo llegaron a Europa? A finales del siglo XVI, Persia se encontraba dividida por las luchas entre las distintas facciones que querían acceder al poder. Cuando Abbás el Grande subió al trono en 1588 pacificó el reino y pudo centrarse en recuperar los territorios perdidos a manos de uzbekos y el Imperio otomano mientras duraron las disputas internas. El reinado de Abbás, con sus éxitos militares y un eficiente sistema administrativo, elevó a Persia al estatus de gran potencia. Con el propósito de crear alianzas con el enemigo común -los otomanos- envió embajadas a las cortes europeas.

En 1599, Abbás envió una misión diplomática que recorrería Europa. Si los embajadores persas se llevaron varios pactos firmados para luchar contra los otomanos, dejaron la fascinación por la cultura y la moda persas. Aquellos zapatos de tacón, exóticos y viriles para los europeos, se convirtieron en la sensación de la aristocracia de toda Europa. Aunque no fuesen muy prácticos, por aquello de imitar las modas de los poderosos, el pueblo también comenzó a usar el zapato de tacón. Y la aristocracia respondió aumentando el tacón hasta convertirlo en lo que hoy llamaríamos “alto” (unos 10 cm.).


Ya en el XVII, la Francia de Luis XIV, el rey Sol, se convirtió en la primera potencia económica y militar, además de ser la corte que “marcaba tendencias”. El rey Sol promulgó un edicto por el que el tacón alto de color rojo sólo se permitía a la aristocracia… y esa fue la moda en el resto de Europa. Con la Revolución francesa (1789) caía el absolutismo, la monarquía, la moda ostentosa… y los símbolos de la aristocracia, como los zapatos de tacón alto.

Zapato chino siglo XIX


Calcetines del Antiguo Egipto


La moda del 2000 según la veían en 1939

Los escotes y los cuellos


Si hasta hace poco solo llevábamos vestidos, hoy en día, la moda incluye toda clase de prendas para combinar con pantalones o faldas, cada una con un escote o cuellos diferente. Camisas, camisetas, blusas, chaquetas... 
Aquí os dejo algunos ejemplos de los escotes y cuellos que más corrientemente encontramos en las tiendas:

1. Escote cuadrado: Es ancho, baja derecho y cruza horizontalmente formando un cuadrado.
2. Cuello redondo o “crew neck”: Es el escote de las T-shirts o playeras. Es redondo y acanalado.
3. Escote en corazón: Es parecido al escote cuadrado pero la línea horizontal simula la parte de arriba de un corazón.
4. Ojo de cerradura: Este escote es alto y tiene una abertura al frente como en forma de ojo de cerradura.
5. Con Fisura: Es un cuello redondo pero que tiene una fisura en el medio que forma un pequeña “v”.
6. Barco: El escote barco es ancho que imita la línea de la clavícula.
7. Escote en “U”: Es abierto y bajo, llega hasta el pecho.
8. Capucha: Es un escote cubierto que baja hasta el pecho y a través de los hombros.
9. Simulado: Es un escote alto que sube hasta pulgada y media. Es parecido al cuello de tortuga pero más corto.
10. Cuello de tortuga: Es un cuello clásico y conservador.
El escote en “V”: Puede ser una “V” ancha y llegar hasta el pecho (11) o puede ser un escote bastante bajo y revelador (12).

Tipos de cuellos

13. Cuello mariposa: Es ancho y abierto con los finales punteados.
14. Cuello Peter Pan: Es angosto y redondeado.
15. Cuello convertible: Cuando está abierto parece un abrigo de solapa pero cuando está cerrado parece una camisa oxford.
16. Cuello mandarin: Es pequeño y sube media pulgada. Se apega al cuello de la persona.
Para ver los dibujos clica aquí. 

La lucha de Yohji Yamamoto


“Tenemos que cambiar el sistema de la moda. Lo he intentado durante casi 40 años y, mientras siga en la lucha, significa que no he perdido la batalla. Si me rindo me habrán vencido, pero prometo que seguiré luchando hasta que muera”.
Yohji Yamamoto


Coco Chanel en defensa de la bisutería


“Si las joyas son signo de algo abstracto -dijo defendiendo la bisutería frente a la joyería—, lo son de la bajeza, de la injusticia o de la vejez; las joyas muy valiosas las asocio a las arrugas, a las carnes flácidas de las señoras mayores, a los dedos huesudos, a la muerte, a los testamentos, a los notarios.”
Coco Chanel

Moda de finales de 1700 principios de 1800






Rodrigo de la Fuente en el Museo del Traje (Madrid)


Museo del Traje. Mañana 25 de mayo, el #Modelodelmes tendrá lugar a las 13:30 h. excepcionalmente. No te puedes perder el último domingo sobre esta pieza de confección magistral de Madame Grès de la mano de Rodrigo de la Fuente. http://on.fb.me/1nj9Hbj

La moda eduardiana







La época eduardiana o era eduardiana en el Reino Unido es el período que cubre el reinado de Eduardo VII, y se extiende desde 1901 a 1910.
El fallecimiento de la reina Victoria en enero de 1901 y la sucesión de su hijo Eduardo, marcaron el inicio de un nuevo siglo y el final de la época victoriana. Aunque Victoria había rechazado a la sociedad, Eduardo era el líder de una elite a la moda que estableció un estilo influenciado por el arte y la moda de Europa continental, posiblemente debido a la afición de viajar del rey. La era estuvo marcada por cambios significantes en la política a medida que sectores de la sociedad que habían sido ampliamente excluidos del ejercicio del poder en el pasado como los obreros plebeyos y las mujeres, se volvieron cada vez más politizados. 
Frecuentemente el período se extiende más allá de la muerte de Eduardo en 1910, y llega a incluir el año del hundimiento del RMS Titanic en 1912, el inicio de la Primera Guerra Mundial en 1914, e inclusive el final de la guerra en 1918. La guerra selló el final del período a medida que el estilo de vida eduardiana, con su inherente desbalance de riqueza y poder, se volvieron altamente anacrónicos a la vista de una población sufriente que se enfrentaba a la guerra, y la era fue expuesta a los nuevos medios de comunicación que despreciaron las injusticias de la división de clases.

Socialmente, la era eduardiana fue un período durante el cual el sistema británico de clases sociales fue muy rígido. Sin embargo, los cambios económicos y sociales ayudaron a crear un ambiente en el cual había más movilidad social que en el pasado. Estos cambios incluyeron un creciente interés en el socialismo, una mayor atención a la situación apremiante de los pobres y el estatus de la mujer, abarcando temas como el sufragio femenino, conjuntamente con el incremento de oportunidades económicas causadas por la rápida industrialización. Estos cambios fueron acelerados debido a las repercusiones de la Primera Guerra Mundial.
Las clases bajas, como en períodos anteriores, fueron segregadas de la sociedad aristocrática y mercantil, manteniendo una vida alejada de los lujos disfrutados por otras clases sociales.

Las clases altas adoptaron actividades de ocio como el deporte, causando un acelerado desarrollo de la moda, que fue generado por la alta demanda de ropa más flexible. Los ajustados corsés, o corpiños fueron modificados, y gradualmente su uso diario fue abandonado.

Las artes

El período eduardiano también fue conocido como la Belle Époque o la bella era. A pesar de su corta preeminencia, el período es caracterizado por su único estilo arquitectónico, moda y estilo de vida. El modernismo tuvo en particular una fuerte influencia.

Literatura

En la ficción, algunos de los más distinguidos escritores son H.G. Wells, John Galsworthy, Arnold Bennett, Joseph Conrad, E.M. Forster, Kenneth Grahame, Lucy Maud Montgomery y P. G. Wodehouse. Aparte de estos famosos literatos, fue un período en el cual numerosas cantidades de novelas y cuentos cortos fueros publicados y consumidos, además emergió una significante distinción entre literatura intelectual y ficción popular. Entre los más famosos trabajos de crítica literaria se encontraba la obra de A. C. Bradley titulada Tragedia shakesperiana (en inglés, Shakespearean Tragedy), publicada en 1904. Los periódicos con audiencia masiva, controlados por los barones de la prensa como los hermanos Alfred Harmsworth, I vizconde de Northcliffe y Harold Harmsworth, I vizconde de Rothermere, se volvieron altamente importantes. 

Música

Las grabaciones musicales disponibles, tales como los cilindros de fonógrafo eran de mala calidad. Las presentaciones en vivo, ambas amateur y profesionales, fueron populares en esta época. Entre algunos de los músicos activos de este período están Henry Joseph Wood, Edward Elgar, George Butterworth y Thomas Beecham. Las bandas de música militares frecuentemente realizaban presentaciones en parques durante el verano. 

Artes escénicas

La industria del cine aún estaba en sus inicios y la audiencia prefería presentaciones en directo en vez de películas. Los espectáculos de Music hall fueron populares y difundidos ampliamente, algunos de los mejores artistas incluían la imitadora masculina Vesta Tilley y el cómico Little Tich. 
El teatro estuvo marcado por el surgimiento del nuevo drama, o las obras de George Bernard Shaw, Harley Granville-Barker, e importaciones continentales realizadas por Henrik Ibseny Gerhart Hauptmann. El sistema de actor-mánager encabezado por Henry Irving, George Alexander y Herbert Beerbohm Tree, estaba en decadencia.

Arquitectura

Algunos de los notables arquitectos de este período fueron Edwain Lutyens, Charles Rennie Mackintosh y Giles Gilbert Scott.

Ciencia y tecnología

Con el cambio de siglo hubo muchas grandes innovaciones. Los europeos continentales, como Max Planck, Albert Einstein y Sigmund Freud produjeron algunas de sus obras más grandiosas. Los primeros premios nobel fueron concedidos, y Ernest Rutherford publicó su libro titulado Radioactividad. Las primeras señales transatlánticas de tipo inalámbrica fueron enviadas por Guglielmo Marconi, y además los hermanos Wright realizaron su primer vuelo. Al final del período eduardiano, Louis Blériot cruzó el Canal de la Mancha por aire, también el barco más grande del mundo denominado RMS Olympic realizó su primer viaje. Los automóviles eran comunes, y se realizaron las primeras expediciones al Polo Sur lideradas por Roald Amundsen y Robert Falcon Scott.

Deportes

En esta época se celebraron los Juegos Olímpicos de 1908 en Londres. La popularidad de los deportes tenía la tendencia de seguir divisiones entre clases sociales, ya que el tenis o la navegación a vela eran populares entre los más ricos y el fútbol era favorecido por los más pobres.

Política y eventos significativos

En los primeros años de la era eduardiana, la Segunda Guerra Bóer en Sudáfrica dividió el país en facciones a favor y en contra del conflicto. Grandes oradores, como el liberal David Lloyd George que habló en contra de la guerra, se volvieron altamente influyentes, a pesar de que políticos a favor de la guerra como el conservador Joseph Chamberlain, tenían el poder. Las políticas imperialistas de los conservadores finalmente probaron ser impopulares y en las elecciones generales de 1906 los liberales ganaron por una amplia diferencia. El gobierno liberal no pudo proceder a realizar todo su programa fundamental debido a que no tuvieron el apoyo de la Cámara de los Lores, la cual estaba conformada en su mayoría por conservadores. El conflicto entre las dos cámaras del parlamento sobre el presupuesto de la gente causó una reducción en el poder de los Lores en 1910. Las elecciones generales de ese año tuvieron como resultado un parlamento incapaz de emitir un veredicto y con el balance de poder en manos del Partido Laborista y el Partido Nacionalista (Irlandés).

Percepciones

El período eduardiano es frecuentemente considerado como una romántica época dorada, con largos atardeceres de verano, fiestas de jardín, y grandes sombreros—esta percepción cultural surgió de aquellos que recordaban la era eduardiana con nostalgia, y mirando en el pasado su niñez a través del vasto, oscuro, y horrible abismo de la Primera Guerra Mundial. Posteriormente, la época eduardiana fue vista con ironía, como un período de placer mediocre comparado con los grandes logros de la época victoriana, que le precedió, y la gran catástrofe de la guerra que ocurriría después. 

Nos gustan las neuróticas que se suicidan, Rafael Narbona


Para mi hermano, que un mal día decidió quitarse la vida

Nos gustan las neuróticas que se suicidan porque son muñecas de trapo que se ahogan entre la indiferencia de todos. Se hunden tan rápido como el coche de Bonnie Parker y Clyde Barrow, un Ford V8 acribillado a balazos. Bonnie Parker no era una chica neurótica, sino una chica dura, enamorada de las armas y la poesía. Apenas lograba sostener un fusil automático, capaz de disparar 550 balas por minuto, pero hizo historia con sus atracos y sus poemas. “Nos lanzamos por carreteras ciegas / sabemos que el precio del pecado es la muerte”. Bonnie comparó su historia con la de Jesse James, pero no hubo un Robert Ford que la abatiera de un tiro en la nuca, sino cuatro agentes de Texas y dos de Louisiana que no dejaron de disparar hasta vaciar sus cargadores. 167 agujeros de bala en el Ford V8. Al contemplar el cuerpo de Bonnie, los agentes pensaron que habían matado a una niña desnutrida.

El plomo casi pesaba más que un cuerpo de 41 kilos. 41 kilos para 24 años de vida. Un cuerpo que se transformó en reliquia apenas acudió la muerte para exigir su tributo. Los policías que custodiaban el lugar permitieron a los cazadores de mitos utilizar sus tijeras y cuchillos. El pelo de Bonnie sufrió la pasión de los fetichistas y la avidez de los que pretendían comerciar con sus restos. Una oreja y un dedo de Clyde forcejearon con una navaja que sólo se rindió cuando apareció un forense y espantó a los curiosos con un bisturí de cirujano. Bonnie y Clyde fueron abatidos el 23 de mayo de 1934. En esas fechas, Pasolini sólo tenía doce años y jugaba entre fascistas de camisas negras.

Hay una pequeña película de los momentos posteriores a la matanza, pero es tan inexpresiva como un informe burocrático. Sólo un poeta como Pasolini podía capturar la obscena belleza de la muerte violenta, sin precipitarse al pozo infecto de “lo morboso sin grandeza”. El cadáver de Bonnie recuerda al de una abeja reina que muere sin descendencia.

Lo “morboso sin grandeza” es una categoría estética que trasciende lo sublime y que sólo aparece en Sade, Genet, Burroughs, Genet, Weegee (el fotógrafo del Nueva York sucio y canalla que nos legó una inolvidable imagen de Marilyn Monroe) o Pasolini. El pie inerte de Marilyn Monroe en el depósito de cadáveres es tan hermoso como un pájaro dormido.

Pasolini es el poeta de las pasiones abyectas, de lo sucio y degradante, de lo anal y el bondage. ¡Cuánto te echamos de menos, Pasolini! Asesinado por un chapero de diecisiete años que le hizo sexo oral en el asiento trasero de un coche, el fétido Giulio Andreotti afirmó que “se lo había buscado”. Pasolini murió de una paliza brutal. Se habían retirado a un descampado, con la aridez de un matadero y no se entendieron al acordar los honorarios. Después surgieron las teorías conspirativas que apuntan a la Mafia o a un crimen de Estado. Pasolini es uno de los héroes de este blog.

Pasolini es de los pocos artistas que se atreven a mirar en el subsuelo, levantando la alfombra que oculta nuestros miedos. No baja a las cloacas con ojos de moralista, sino de poeta que santifica todas las debilidades. No es una casualidad que filmara la mejor película sobre Jesús de Nazaret (El Evangelio según San Mateo, 1964). El joven Rabí es otro de los ídolos del blog. Pasolini captó su mensaje porque conocía la execración y el menosprecio. El joven Rabí no subió a los cielos entre liras celestiales.

El joven Rabí murió con la garganta estragada, la lengua a punto de explotar y los ojos quemados por el sol de Palestina. El polvo, el calor y la sed fueron tan implacables como los clavos que le taladraban las muñecas. Murió como mueren los hombres: amedrentado, perplejo, escéptico, con los esfínteres relajados y la podredumbre del cuerpo al desnudo. La prostituta que le ungió los pies era una chica neurótica que acudió a su sepulcro y lo encontró vacío. El miedo a que el joven Rabí no volviera le hizo abrirse las venas. Los que la encontraron, arrojaron su cuerpo a una fosa sin nombre.

Los cadáveres de las chicas neuróticas suelen incomodar a los falsos poetas, que jamás entenderán por qué Luchino Visconti es un director mediocre y su versión cinematográfica de La muerte en Venecia un ultraje a uno de los libros más hermosos y valientes que brotaron del oscuro Thomas Mann, hermano y padre de neuróticos suicidas. Hay dos cosas que salvan la película: la interpretación de Dirk Bogarde y la belleza andrógina de Tadzio, el objeto de su pasión senil.

Las chicas neuróticas no suelen suicidarse con armas de fuego. Se internan en el mar (Alfonsina Storni), se arrojan a un río con los bolsillos llenos de piedras (Virginia Woolf), se envenenan con Senocal (Alejandra Pizarnik), se abren las venas (Diane Arbus) o inhalan monóxido de carbono (Anne Sexton, Sylvia Plath). Violeta Parra se pegó un tiro en la sien, tal vez porque el dolor le pesaba demasiado y necesitaba hacer algo definitivo, sin posibilidad de rescate o marcha atrás. Marilyn Monroe comenzó su romance con el suicido a los dieciocho años o tal vez antes. Fue un idilio precoz, que se prolongó hasta el final. En Vidas rebeldes (1961), John Huston –un bastardo con ácido negro en las venas- le dijo a Marilyn Monroe que odiaba a las neuróticas y que no la querría más por que se quitara la vida. Arthur Miller, otro bastardo de pluma infecta, le aclaró que el personaje de Roslyn no reflejaba su personalidad, pues Roslyn era una mujer trágica y hermosa y Marilyn sólo era una ramera que había transitado por infinidad de lechos, una niña lasciva entre sábanas incestuosas, que sueña con un padre ausente, mientras hace el amor con un desconocido. Las mujeres neuróticas son promiscuas porque odian dormir solas, pero sus amantes les hacen sentir que son tabaco para masticar y escupir. Clark Gable nunca trató de ese modo a Marilyn. Fue un padre tardío, pero con la perfección irreal de los mitos. El padre largamente soñado por una niña neurótica acostumbrada a evadirse de la realidad en la primera fila de un cine de barrio, fantaseando con ser Jean Harlow.

Arthur Miller escribió que el nombre de Marilyn “circulaba por la fetidez de los vestuarios y de los vagones para fumadores”. Miller no entendía a las chicas neuróticas, pues su narcisismo le impedía prestar atención a una esposa en caída libre hacia una muerte previsible. Sabemos que te engañó con Yves Montand, pero las chicas neuróticas nunca son fieles. No te traicionan por deslealtad, sino por miedo. “Todos tenemos miedo”. Lo dijo Marilyn poco antes de mezclar Nembutal e hidrato de cloral, una combinación tan letal como los 18 vasos consecutivos de whisky que provocaron en Dylan Thomas una hemorragia cerebral. Sus últimas palabras: “Creo que he batido un récord”. Dylan Thomas murió con estilo. Cayó en un coma etílico en el Hotel Chelsea de Nueva York, sin otra compañía que los 18 vasos vacíos.

Las chicas neuróticas que se suicidan son las chicas que olvidamos en una esquina. Son las novias plantadas por sus novios en la puerta de un cine. Son las niñas que se despiertan a mitad de noche, soñando que el futuro es un nicho vacío. Las chicas neuróticas son antenas de televisión que ofrecen sus brazos a los pájaros rezagados. Sienten lástima por su infortunio. Su bandada partió hacia el Sur sin avisarles. Los pájaros mueren de frío y las antenas acaban en una chatarrería. Nos gustan las chicas neuróticas que se suicidan porque nos consideramos responsables de su muerte. Nos hubiera gustado rescatarlas, evitar que se marcharan y nos dejaran tan solos. Algunas de las chicas neuróticas que se quitaron la vida nos dejaron sus poesías, sus canciones, sus fotografías. Marilyn Monroe nos llamó por teléfono, pero estábamos en la ducha y no lo escuchamos. No pudo dejarnos un mensaje. Ni siquiera pudo hablar con un contestador, pues aún no existían, pero si hubiera podido grabar su voz, nos habría anunciado que su alma subía al cielo para preparar la fiesta de bienvenida de Pier Angeli, otra chica neurótica. Pier Angeli estaba enamoradísima de James Dean, pero su madre no aprobaba la relación y logró que lo dejara para casarse con un mediocre aprendiz de Frank Sinatra. James Dean se quedó destrozado y al poco tiempo se mató en su Porsche; Pier Angeli transitó por dos matrimonios desgraciados y se suicidó con una sobredosis de barbitúricos. No hemos conseguido averiguar qué sucedió con su madre, pero nos tememos que pertenece a la categoría de las neuróticas que no se suicidan, pero contribuyen a propiciar los suicidios ajenos. Esa clase de neuróticas no nos gustan y jamás escribiremos sobre ellas. Sin pretenderlo, ya se han encargado de escribir su propia página en el libro de las desgracias humanas.


La estética del remiendo


Singulares magazine, para leer online

Los chales: una prenda de auxilio

 




Vestimenta típica de la India

En la India existen dos ropas típicas de vestir, es decir dos trajes, el del hombre que lo llama Dhoti y el Sari, el típico traje de mujer.
El Sari es la ropa típica de la mujer india, esta es una tela rectangular, la cual es de una medida de entre cinco y ocho metros de largo por 1.2 metros de ancho. Esta se enrolla al cuerpo, anudándose de una forma única para que forme un delicado vestido, acompañado por una blusa o camisa interna. Por lo general esta vestimenta posee colores sensuales y variados, con diferentes formas, esta tradición se utiliza aun en la actualidad.


El sari es una prenda muy funcional para la mujer que lo utiliza, que puede estar presente en cualquier tipo de evento, desde una boda hasta una fiesta corriente, como para la vida cotidiana. Existen variedades de saris los cuales ubican el nivel social y jerárquico de su portadora, por lo que estos suelen variar de precios en el mercado, por supuesto los manufacturados son los más caros.
Para los hombres existe el Dhoti, esta es la prenda masculina de este país, la misma se utilizaba fundamentalmente en Bengala y en las culturas del valle de Ganges, aunque vale recalcar que su uso se ha extendido a toda la nación.


Esta prenda consiste en una pieza rectangular de algodón, generalmente de color blanco o crema, este se enrolla por la cintura pasándose por las dos piernas, fijándolo finalmente en la cintura. Dentro de los hombres importantes de la India, Gandhi fue uno de los que uso este atuendo.

Gucci

Gucci fue creada en los años 20´ por el celebre Guccio Gucci, quien comenzó con un negocio de artículos de piel los cuales son unas verdaderas obras de arte. Durante los años 50, registró su marca y con tiendas en Milán, NY, París, Palm Beach y Berverly Hills empieza a construirse un gran consorcio global.


Actualmente Frida Gianini es la responsable de los diseños de esta prestigiosa marca. La romana, nacida en 1972, estudió Moda en la academia de Roma y previo a trabajar en Gucci lo hizo en Fendi.


Los clásicos 2 anillos que simbolizan a Gucci, son una muestra de distinción y lujo que las mujeres de todo el mundo admiran. La empresa comenzó como un pequeño taller artesanal, hasta convertirse en una de las marcas más afamadas y referentes.
Los diseñadores de moda  italianos son reconocidos desde hace muchos años como referentes en el mundo de la moda, y marcan la gran mayoría de las tendencias en cuanto a artículos como carteras, zapatos, vestimenta, relojes, perfumes, etc.
La ciudad italiana de Milán es cuna de grandes diseñadores y la casa de las grandes marcas que son tan preciadas por consumidores de moda de todos los países.
Gucci  es una de las marcas más reconocidas y distinguidas en su categoría; una empresa que no solo vende moda sino que vende una imagen a la que se asocian un sinfín de sensaciones.


A Gucci se la podría definir como la combinación de un estilo clásico, en perfecta armonía con una apariencia sexy y moderna.
La inconfundible marca “G” que caracteriza a todos los productos de Gucci, es un símbolo que marca estilo y se ha paseado por las calles de todas las ciudades del mundo, además de acompañar a grandes modelos, mujeres famosas y estrellas de cine, como muestra de lujo y distinción.
Gucci comenzó como un pequeño taller artesanal en la ciudad de Florencia (Italia) en el año 1923, donde su dueño Guccio Gucci abrió el primer local de lo que luego se convertiría en una de las marcas de moda más populares del mundo.


El clásico símbolo de los dos anillos unidos que distinguen a Gucci, comenzó a usarse por parte de la empresa en el año 1947.
Si bien esta marca se relaciona más que nada con modelos clásicos que en su momento fueron de vanguardia, la firma ha sufrido en los últimos años un gran cambio de imagen, dejando de lado sus clásicos negros y fabricando nuevos modelos que apuestan al color y a los nuevos estampados.
La última colección otoño-invierno es una muestra de las grandes transformaciones que está impulsando Gucci, donde se distinguen minivestidos y modelos que recuerdan a la década de los 60, así como también una línea de vestidos de noche con cortes del estilo de los 40.


Más allá de las nuevas tendencias que se buscan imponer con estas nuevas líneas, hay algo que Gucci sigue manteniendo independientemente de su renovación, como son la sofisticación y la feminidad.
Perfumes Gucci
A partir de la diversificación de productos que la empresa comenzó a fabricar, se crean los perfumes de esta afamada marca.
Lo que se intenta con esta clase de fragancias, es mantener el estilo de exclusividad y lujo que distingue a Gucci desde siempre.
Al igual que sucede con sus otros productos que en cada temporada se lanzan al mercado nuevos modelos, los perfumes italianos también se renuevan y marcan tendencias de moda, manteniendo también sus clásicas presentaciones.


Los modelos más populares son:

- Envy Gucci, Eau de Toilette Femenino y Masculino
- Envy Me 2 Gucci, Eau de Toilette Femenino
- Rush Gucci, Eau de Toilette Femenino
- Gucci Pour Homme, Eau de Toilette Masculino
- Gucci Rush edt, Eau de Toilette Femenino
- Gucci Rush 2, Eau de Toilette Femenino
- Gucci II Pour Homme






Historia del cuerpo


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Love Moschino


Moschino es una Casa de modas italiana, que manufactura ropa de moda para mujer, hombres y niños. 

Historia 

La marca fue originalmente creada en 1983 por Franco Moschino (1950-1994). Moschino y su marca se hicieron famosos por sus innovadores y coloridos -a veces excéntricos- diseños, por sus críticas a la industria de la moda y por sus campañas de sensibilización social en la década de 1990. Después de la muerte prematura de Moschino, Rossella Jardini, su antigua asistente, se volvió la directora creativa. La marca ha sido parte del grupo de moda Aeffe desde 1999. En 2006, Moschino diseñó los trajes para la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Turín. Moschino también ha diseñado modelos para Kylie Minogue en su gira del 2005 Showgirl - The Greatest Hits Tour y para Madonna en el 2008 en su gira Sticky & Sweet Tour. 



Marcas 

La marca se compone de varias etiquetas: Moschino (línea principal para mujeres y hombres), Moschino Cheap and Chic (línea secundaria para la mujer, creada en 1988), Love Moschino (línea de difusión para hombres y mujeres, conocida como Moschino Jeans de 1986 a 2008), señaladas en orden de exclusividad. También, accesorios de moda, joyería, perfumes y cosméticos, incluso cascos de motocicleta son vendidos bajo la marca de Moschino. En Milán, Moschino abrió su Hotel concepto en 2009, que lleva por nombre "Maison Moschino". 




Tiendas 

La marca tiene tiendas ubicadas en Nueva York, Ciudad de México, Londres, Roma, Milán, Capri, Berlín, París, Vilna, Estambul, Dnipropetrovsk, Kiev, Moscú, San Petersburgo, Ekaterimburgo, Almaty, Dubái, Yida, Baréin, Salmiya, Kuwait, Pekín, Nankín y varias tiendas en Asia.

Zapatos de yute hechos a mano

Irene Peukes, diseñadora de moda y zapatos, e incansable viajera, ideó estos zapatos en esa tranquilidad del Pla de Mallorca después de varios viajes a Bangladesh en los que pudo conocer la artesanía del yute desde dentro, trabajando con las artesanas y vislumbrando las posibilidades de su técnica y del material.



Cada zapato está hecho a mano con una sola trenza de yute por artesanas de Bangladesh. El yute es un material resistente, sostenible y de vital importancia económica para muchos pequeños agricultores del país. Tanto los agricultores como las artesanas que participan en la elaboración de los Pla lo hacen a través de Cáritas Bangladesh, organización que actúa según el Código de Prácticas de Comercio Justo.


Después los zapatos se terminan en Mallorca, donde se elaboran las suelas, que son unidas a la parte de yute por zapateros artesanos locales, que finalizan así un proceso totalmente manual.


En primavera, con la llegada del buen tiempo, los naranjos en flor y los días más largos, se lanza esta primera colección de Pla. Podrá encontrarse en www.pla.org.es y en diferentes tiendas relacionadas con la moda, el diseño y el arte, en ciudades de España como Madrid, Barcelona, Palma de Mallorca, Zaragoza, Bilbao, San Sebastián o Mahón. Al mismo tiempo, los Pla también se van a introducir en el mercado japonés a través de diferentes puntos de venta en las ciudades de Tokio, Osaka y Chiba. 

Éste es sólo el comienzo de esta innovadora marca cuya filosofía es diseñar zapatos sorprendentes pensados para producirse artesanalmente, a pequeña escala y con materiales naturales en distintas partes del mundo. Pla es un proyecto con el que sus fundadoras buscan sentirse a gusto con lo que hacen y cómo lo hacen.

Joanne Entwistle -El Cuerpo y La Moda

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Historia de la moda para leer online


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Glosario de la moda para no despistarte


Para no perderte en los artículos y posts sobre moda, y ponerte al día, te dejamos un glosario con los términos más usados, muchos de ellos tomados de otros idiomas:

Animal Print: es una frase muy común y se emplea para denominar las prendas de cualquier género y en cualquier tipo de material con un estampado de piel de animal, puede ser un cuero común pero pintado con motivos de pitón, de cebra, entre otros.

Azul Klein: también conocido como azul rey, el azul Klein toma su nombre del artista francés Yves Klein, quien a finales de los años 50 lo popularizó, e incluso lo patentó, utilizándolo en sus famosas obras monocromáticas.

Básicos de temporada o basic: son prendas y accesorios que no pueden faltar en el armario.
En cada estación, se inventan prendas originales, sin embargo, existen prendas que vienen llamadas “básicos” para cualquier temporada, año, estación, etc., como por ejemplo: un vestido negro y una blusa blanca.

Biker: chaqueta motoquera.

Bohemian: se llama así al estilo de alma hippie que mezcla piezas de la moda actual con el vintage, es un estilo algo romántico de espíritu libre.
Puede estar conformado por faldas largas, flores, encajes y transparencias, y los accesorios son fundamentales: sombreros, anillos, collares de plata, botas anfibias.

Bolero: el bolero es una chaquetilla corta de mujer que puede presentarse tanto en manga larga como corta, que se ciñe al cuerpo y que llega arriba de la cintura. 
Se puso de moda en Francia durante el reinado del emperador Napoleón III gracias a su mujer, la española Eugenia de Montijo, conocida como "la emperatriz de la moda", y a su modisto Charles Worth, que puso los cimientos de la industria de la moda actual al empezar a presentar una colección cada año y a firmar sus prendas como si de obras de arte se trataran.

Camel: color café claro (pero no cualquier café claro, como el de los camellos).

Canotié: el canotié es un tipo de sombrero de paja caracterizado por su copa plana y ala recta, que popularizó el actor francés Maurice Chevalier en la década de los 20 y 30. 
Gracias a la colección Primavera/Verano 2009 de Marc Jacobs este sombrero estival volvió a ponerse de moda este verano.

Cardigan: chaleco de lana abotonado, se aplica más el termino a los chalecos largos tipo chaquetoncitos de lana.

Charm, se llama así a una personalidad elegante y agraciada, algo con encanto, un objeto por ejemplo, puede tener “mucho charm”, así como una persona.

Charol: el charol es un barniz brillante que se fija sin agrietarse y queda adherido de forma permanente a la superficie sobre la que se aplica que, en lo referente a moda, suele ser el cuero con el que se fabrican zapatos y abrigos.

Chic: esta es una de las palabras en francés más comunes en absoluto, quizás incluso sea banal la explicación, pero vale la pena aclarar que en la lengua francesa, la “ch” es pronunciada delicadamente y chic describe lo refinado y lo sofisticado.

Clutch: son los que conocemos como bolso de mano, los también llamados sobres, tan de moda hoy en día.

Cuello tortuga: el cuello de tortuga recibe este nombre por la característica del animal, que esconde su cabeza debajo del caparazón. Así, los jerseys o camisetas con cuello de tortuga son aquellos que suben por el cuello simulando que nuestra cabeza sale de la prenda. 
Suelen ser anchos y abiertos, aunque también existen más ajustados y al ser bastante largos, siempre se doblan o arrugan para que queden debajo del mentón.

Cut-out: se llaman a vestidos y/ accesorios como los, zapatos que tienen cortes o incisiones secos (sin costuras ni remalles), en las telas o cuero.

Denim: dícese del jean (se supone que esta out decir jean).

Distresses jeans: denim desgastados con agujeros y deshilachados.

DIY: son las siglas de: “Do it yourserlf” que significa hágalo usted mismo, reinventar la ropa, enchular.

Escote halter: se trata de un escote importante en la espalda mientras en la parte del pecho y cuello es ligeramente cubierto, se caracteriza por cerrar el cuello con un broche.

Estilo: en el lenguaje de la moda se llama “estilo” a una manera de expresar una tenida, un estilo puede representar el carácter de un estilista.
Cada estilista tiene un estilo definido aunque no lo parezca, por ejemplo, Giorgio Armani es masculino y minimalista, incluso en sus propuestas femeninas, mientras Marc Jacobs tiene un estilo vago que cambia siempre según su estado de animo, pero siempre refleja su nombre, basta ver sus accesorios de una temporada a otra.

Fashionista: describe al fanatismo, aquel individuo que sigue la moda de manera vehemente, significa fanático de la moda en pocas palabras.

Fashion Blogger: gente que escribe y vive al son de moda y lo relata en sus blogs, muy de moda por estos días.

Garçon, se llama a la moda masculina, significa “muchacho” en francés.

Halter: cuando un vestido o blusa se ata en la nuca y deja al descubierto los brazos, los hombros y la espalda.

Haute couture, se llama a la alta costura.

In/ In boga: se refiere a lo último que dicta la moda.

It girl:  son las “chicas del momento”. Jóvenes populares que son consideradas iconos de moda. Crean tendencia y sus estilismos son copiados por millones de seguidoras. Suelen ser actrices, cantantes, presentadoras, bloggers o niñas de familias adineradas de las cuales no sabemos si poseen algún otro talento.

Jacquard: todos los tejidos con estampados a gran escala de tamaño ilimitado, ya sea con una repetición de figuras geométricas o con un dibujo de hojas o flores.

Ladylike:  tendencia atemporal que rescata la feminidad con nostalgia del pasado, invita a rescatar la elegancia más clásica de las damas de la alta sociedad de antaño.

Minimalista: sencillez en su máxima expresión La tendencia del minimalismo en la moda lo reduce todo a lo esencial y utiliza sólo elementos básicos, sin adornos ni accesorios.

Mood, el mood no es otra cosa que un estilo de una tenida o de una entera colección, en la moda significa exactamente: forma, método, procedimiento, carácter y personalidad.

Must: lo que no debe faltar en tu closet.

Nude: color piel.

Outfits: se referencia a un conjunto de prendas combinadas de una manera determinada. Se refiere a un atuendo concreto y su uso se ha popularizado hasta el punto de emplearse como sinónimo del término “conjunto” en las publicaciones de moda.

Oversize: o XXL, cuando la ropa es más ancha, un par de tallas más que la nuestra. Una de las tendencias de esta temporada.

Peep toe: se llaman a los zapatos que llevan una abertura en la punta y dejan entrever dos dedos de los pies.

Pointed shoes: son los zapatos en punta.

Preppy: el preppy es un estilo que tiene su origen en la forma de vestir de los alumnos de elite de las preparatorias norteamericanas. Pulcro y conservador se puso muy de moda con la serie gossip girls.

Pochette: es un término en francés, significa monedero o cartera pequeña de mano, por lo general tiene forma de sobre y puede ser de material suave.

Prêt à porter, se llama a la moda lista para usar.

Retro: estilo que se inspira en épocas pasadas.

Roller up: jeans recogidos abajo, estilo ochentero.

Skynny: pitillo ultra apretado.

Trench: del inglés “abrigo de trincheras”, nace en la segunda guerra mundial, ante la necesidad de una prenda impermeable y larga.

Trend: tendencia.

Très-chic, exactamente el significado en castellano, “muy elegante”.

Vintage: una prenda vintage es aquella que tiene más de 20 años y también se utiliza esta palabra para denominar un estilo.

Fuentes 



La moda en la Segunda Guerra Mundial

No cabe duda que las tendencias sociales dictan la moda, pero a partir de 1939, fue la guerra la que causó un tremendo impacto en la vida diaria y por tanto influyó en los cambios que sufrió el vestido. Pero, curiosamente, el cambio sería permanente, pues en líneas generales, las nuevas tendencias se mantuvieron después de 1945.

Moda de los políticos de los años 30, usada por los más conservadores hasta 1945



En 1940, en Francia, el gobierno alemán controló la alta costura. Incluso consideraron seriamente el trasladar la industria de la alta costura a Berlín. En aquellos años, Berlín era considerado un centro de la moda europea, pero nunca a la par de París, por tanto, el trasladar la industria de la alta costura francesa a la capital germana, significaba convertir al Reich en el centro mundial de la moda.

Moda de los años 40 en la película alemana Paraíso de Solteros (1939)




Antes de la guerra, los modistos de Nueva York viajaban anualmente a la capital gala para asistir a las opulentas muestras de la moda que regía en la época. Ellos regresaban a EEUU y copiaban los diseños de la alta costura parisina. Sin embargo, al estallar la guerra en Europa, el bloqueo impedía realizar estos viajes anuales, obligando a los industriales estadounidenses a concentrarse en la moda deportiva.

El vestido drapeado y sombrero, pasarían a la historia, para ahorrar materiales


 

Al nivel de la industria, el primer impacto, en los países afectados directamente por el enfrentamiento bélico, fue la escasez de los materiales utilizados en el vestido y el calzado, los cuales fueron derivados a la industria bélica. En EEUU ocurrió en 1941, año en que ese país entró en la guerra. Los gobiernos confiscaron todas las reservas de fibras naturales, obligando a los fabricantes a substituirlas con fibras sintéticas.

Moda parisina en la Francia del año de la ocupación



En Alemania, durante los primeros años de guerra no hubo mayores restricciones. Pero,en el resto de países se establecieron prioridades en el uso de materiales para la industria de defensa, que forzaron a restringir la evolución del vestido, pero que a su vez incentivaron a los fabricantes a innovar haciendo gala de lo que a ellos nunca les falta: la creatividad. Pero por razones de economía, es obvio que la moda debía ser más duradera en especial en lo que a materiales de confección se refiere

La mujer berlinesa era una de las mejores vestidas antes y durante la guerra. Competían con las parisinas y tuvieron pocas carestías hasta mediados de 1943.
Los materiales usados por los fabricantes dependían más de productos sintéticos tales como el Rayón.  En 1939 la Dupont introdujo el Nylon, pero de hecho los inventarios de ese material desaparecieron en 1943. El nuevo producto se convirtió en uno de los preferidos del mercado negro, en especial en la forma de medias de mujer.

Aspecto típico del soldado soviético durante la guerra



Durante la guerra, el soldado alemán fue el mejor vestido y equipado, en todos los frentes, excepto por la falta de uniformes de invierno en el Frente del Este, debido a la imprevisión proque los mandos militares consideraban que antes de la navidad de 1941 la campaña habría terminado. 
El peor vestido fue el soldado soviético, a quien se le veía andrajoso y carente de lo más elemental al comenzar la guerra, pero que al avanzar el invierno y con la ayuda de Estados Unidos y Gran Bretaña se equipó adecuadamente para la larga campaña de invierno.  Sin embargo, cuando se trataba de fotos oficiales o reuniones con los pares aliados, sacaban a relucir lo mejor del vestuario y eso no incluía sólo a los hombres, sino muy especialmente a las muy bien seleccionadas mujeres, quienes no podían faltar a esas reuniones.
Los demás países equiparon a sus soldados con los uniformes adecuados para la campaña, pero sin lujos.   Incluso el aspecto de los soldados japoneses, tal como se les ve en las películas, no es el verdadero, pues Hollywood trató siempre de desmejorar su aspecto.  Pero lo cierto es que los japoneses fueron unos de los soldados mejor equipados durante la guerra, en lo que a vestimenta se refiere..

Recolección de ropa de abrigo en Alemania durante la campaña en el Frente del Este



Como los alemanes no estuvieron preparados para pelear la guerra en pleno invierno ruso, se vieron obligados a la recolección de material apropiado para el gélido clima de fines de año y de comienzos hasta la primavera, en especial frazadas.  Pero, fue demasiado tarde y muy poco.

Joven alemán siendo filmado para una película de propaganda




Desde fines de los años 30, en Alemania el uniforme era símbolo de status. Los jóvenes anhelaban vestir de militar y para ello no había mayores trabas porque cualquier organización, de cualquier tipo, tenía su propio uniforme. En consecuencia, el Nacionalsocialismo ponía sumo cuidado en el diseño y confección de los uniformes. Por esa razón, el soldado alemán fue el mejor vestido durante la contienda.