Joanne Entwistle -El Cuerpo y La Moda

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Historia del vestido, línea del tiempo (leer online)

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Historia de la moda para leer online


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Glosario de la moda para no despistarte


Para no perderte en los artículos y posts sobre moda, y ponerte al día, te dejamos un glosario con los términos más usados, muchos de ellos tomados de otros idiomas:

Animal Print: es una frase muy común y se emplea para denominar las prendas de cualquier género y en cualquier tipo de material con un estampado de piel de animal, puede ser un cuero común pero pintado con motivos de pitón, de cebra, entre otros.

Azul Klein: también conocido como azul rey, el azul Klein toma su nombre del artista francés Yves Klein, quien a finales de los años 50 lo popularizó, e incluso lo patentó, utilizándolo en sus famosas obras monocromáticas.

Básicos de temporada o basic: son prendas y accesorios que no pueden faltar en el armario.
En cada estación, se inventan prendas originales, sin embargo, existen prendas que vienen llamadas “básicos” para cualquier temporada, año, estación, etc., como por ejemplo: un vestido negro y una blusa blanca.

Biker: chaqueta motoquera.

Bohemian: se llama así al estilo de alma hippie que mezcla piezas de la moda actual con el vintage, es un estilo algo romántico de espíritu libre.
Puede estar conformado por faldas largas, flores, encajes y transparencias, y los accesorios son fundamentales: sombreros, anillos, collares de plata, botas anfibias.

Bolero: el bolero es una chaquetilla corta de mujer que puede presentarse tanto en manga larga como corta, que se ciñe al cuerpo y que llega arriba de la cintura. 
Se puso de moda en Francia durante el reinado del emperador Napoleón III gracias a su mujer, la española Eugenia de Montijo, conocida como "la emperatriz de la moda", y a su modisto Charles Worth, que puso los cimientos de la industria de la moda actual al empezar a presentar una colección cada año y a firmar sus prendas como si de obras de arte se trataran.

Camel: color café claro (pero no cualquier café claro, como el de los camellos).

Canotié: el canotié es un tipo de sombrero de paja caracterizado por su copa plana y ala recta, que popularizó el actor francés Maurice Chevalier en la década de los 20 y 30. 
Gracias a la colección Primavera/Verano 2009 de Marc Jacobs este sombrero estival volvió a ponerse de moda este verano.

Cardigan: chaleco de lana abotonado, se aplica más el termino a los chalecos largos tipo chaquetoncitos de lana.

Charm, se llama así a una personalidad elegante y agraciada, algo con encanto, un objeto por ejemplo, puede tener “mucho charm”, así como una persona.

Charol: el charol es un barniz brillante que se fija sin agrietarse y queda adherido de forma permanente a la superficie sobre la que se aplica que, en lo referente a moda, suele ser el cuero con el que se fabrican zapatos y abrigos.

Chic: esta es una de las palabras en francés más comunes en absoluto, quizás incluso sea banal la explicación, pero vale la pena aclarar que en la lengua francesa, la “ch” es pronunciada delicadamente y chic describe lo refinado y lo sofisticado.

Clutch: son los que conocemos como bolso de mano, los también llamados sobres, tan de moda hoy en día.

Cuello tortuga: el cuello de tortuga recibe este nombre por la característica del animal, que esconde su cabeza debajo del caparazón. Así, los jerseys o camisetas con cuello de tortuga son aquellos que suben por el cuello simulando que nuestra cabeza sale de la prenda. 
Suelen ser anchos y abiertos, aunque también existen más ajustados y al ser bastante largos, siempre se doblan o arrugan para que queden debajo del mentón.

Cut-out: se llaman a vestidos y/ accesorios como los, zapatos que tienen cortes o incisiones secos (sin costuras ni remalles), en las telas o cuero.

Denim: dícese del jean (se supone que esta out decir jean).

Distresses jeans: denim desgastados con agujeros y deshilachados.

DIY: son las siglas de: “Do it yourserlf” que significa hágalo usted mismo, reinventar la ropa, enchular.

Escote halter: se trata de un escote importante en la espalda mientras en la parte del pecho y cuello es ligeramente cubierto, se caracteriza por cerrar el cuello con un broche.

Estilo: en el lenguaje de la moda se llama “estilo” a una manera de expresar una tenida, un estilo puede representar el carácter de un estilista.
Cada estilista tiene un estilo definido aunque no lo parezca, por ejemplo, Giorgio Armani es masculino y minimalista, incluso en sus propuestas femeninas, mientras Marc Jacobs tiene un estilo vago que cambia siempre según su estado de animo, pero siempre refleja su nombre, basta ver sus accesorios de una temporada a otra.

Fashionista: describe al fanatismo, aquel individuo que sigue la moda de manera vehemente, significa fanático de la moda en pocas palabras.

Fashion Blogger: gente que escribe y vive al son de moda y lo relata en sus blogs, muy de moda por estos días.

Garçon, se llama a la moda masculina, significa “muchacho” en francés.

Halter: cuando un vestido o blusa se ata en la nuca y deja al descubierto los brazos, los hombros y la espalda.

Haute couture, se llama a la alta costura.

In/ In boga: se refiere a lo último que dicta la moda.

It girl:  son las “chicas del momento”. Jóvenes populares que son consideradas iconos de moda. Crean tendencia y sus estilismos son copiados por millones de seguidoras. Suelen ser actrices, cantantes, presentadoras, bloggers o niñas de familias adineradas de las cuales no sabemos si poseen algún otro talento.

Jacquard: todos los tejidos con estampados a gran escala de tamaño ilimitado, ya sea con una repetición de figuras geométricas o con un dibujo de hojas o flores.

Ladylike:  tendencia atemporal que rescata la feminidad con nostalgia del pasado, invita a rescatar la elegancia más clásica de las damas de la alta sociedad de antaño.

Minimalista: sencillez en su máxima expresión La tendencia del minimalismo en la moda lo reduce todo a lo esencial y utiliza sólo elementos básicos, sin adornos ni accesorios.

Mood, el mood no es otra cosa que un estilo de una tenida o de una entera colección, en la moda significa exactamente: forma, método, procedimiento, carácter y personalidad.

Must: lo que no debe faltar en tu closet.

Nude: color piel.

Outfits: se referencia a un conjunto de prendas combinadas de una manera determinada. Se refiere a un atuendo concreto y su uso se ha popularizado hasta el punto de emplearse como sinónimo del término “conjunto” en las publicaciones de moda.

Oversize: o XXL, cuando la ropa es más ancha, un par de tallas más que la nuestra. Una de las tendencias de esta temporada.

Peep toe: se llaman a los zapatos que llevan una abertura en la punta y dejan entrever dos dedos de los pies.

Pointed shoes: son los zapatos en punta.

Preppy: el preppy es un estilo que tiene su origen en la forma de vestir de los alumnos de elite de las preparatorias norteamericanas. Pulcro y conservador se puso muy de moda con la serie gossip girls.

Pochette: es un término en francés, significa monedero o cartera pequeña de mano, por lo general tiene forma de sobre y puede ser de material suave.

Prêt à porter, se llama a la moda lista para usar.

Retro: estilo que se inspira en épocas pasadas.

Roller up: jeans recogidos abajo, estilo ochentero.

Skynny: pitillo ultra apretado.

Trench: del inglés “abrigo de trincheras”, nace en la segunda guerra mundial, ante la necesidad de una prenda impermeable y larga.

Trend: tendencia.

Très-chic, exactamente el significado en castellano, “muy elegante”.

Vintage: una prenda vintage es aquella que tiene más de 20 años y también se utiliza esta palabra para denominar un estilo.

Fuentes 



La moda en la Segunda Guerra Mundial

No cabe duda que las tendencias sociales dictan la moda, pero a partir de 1939, fue la guerra la que causó un tremendo impacto en la vida diaria y por tanto influyó en los cambios que sufrió el vestido. Pero, curiosamente, el cambio sería permanente, pues en líneas generales, las nuevas tendencias se mantuvieron después de 1945.

Moda de los políticos de los años 30, usada por los más conservadores hasta 1945



En 1940, en Francia, el gobierno alemán controló la alta costura. Incluso consideraron seriamente el trasladar la industria de la alta costura a Berlín. En aquellos años, Berlín era considerado un centro de la moda europea, pero nunca a la par de París, por tanto, el trasladar la industria de la alta costura francesa a la capital germana, significaba convertir al Reich en el centro mundial de la moda.

Moda de los años 40 en la película alemana Paraíso de Solteros (1939)




Antes de la guerra, los modistos de Nueva York viajaban anualmente a la capital gala para asistir a las opulentas muestras de la moda que regía en la época. Ellos regresaban a EEUU y copiaban los diseños de la alta costura parisina. Sin embargo, al estallar la guerra en Europa, el bloqueo impedía realizar estos viajes anuales, obligando a los industriales estadounidenses a concentrarse en la moda deportiva.

El vestido drapeado y sombrero, pasarían a la historia, para ahorrar materiales


 

Al nivel de la industria, el primer impacto, en los países afectados directamente por el enfrentamiento bélico, fue la escasez de los materiales utilizados en el vestido y el calzado, los cuales fueron derivados a la industria bélica. En EEUU ocurrió en 1941, año en que ese país entró en la guerra. Los gobiernos confiscaron todas las reservas de fibras naturales, obligando a los fabricantes a substituirlas con fibras sintéticas.

Moda parisina en la Francia del año de la ocupación



En Alemania, durante los primeros años de guerra no hubo mayores restricciones. Pero,en el resto de países se establecieron prioridades en el uso de materiales para la industria de defensa, que forzaron a restringir la evolución del vestido, pero que a su vez incentivaron a los fabricantes a innovar haciendo gala de lo que a ellos nunca les falta: la creatividad. Pero por razones de economía, es obvio que la moda debía ser más duradera en especial en lo que a materiales de confección se refiere

La mujer berlinesa era una de las mejores vestidas antes y durante la guerra. Competían con las parisinas y tuvieron pocas carestías hasta mediados de 1943.
Los materiales usados por los fabricantes dependían más de productos sintéticos tales como el Rayón.  En 1939 la Dupont introdujo el Nylon, pero de hecho los inventarios de ese material desaparecieron en 1943. El nuevo producto se convirtió en uno de los preferidos del mercado negro, en especial en la forma de medias de mujer.

Aspecto típico del soldado soviético durante la guerra



Durante la guerra, el soldado alemán fue el mejor vestido y equipado, en todos los frentes, excepto por la falta de uniformes de invierno en el Frente del Este, debido a la imprevisión proque los mandos militares consideraban que antes de la navidad de 1941 la campaña habría terminado. 
El peor vestido fue el soldado soviético, a quien se le veía andrajoso y carente de lo más elemental al comenzar la guerra, pero que al avanzar el invierno y con la ayuda de Estados Unidos y Gran Bretaña se equipó adecuadamente para la larga campaña de invierno.  Sin embargo, cuando se trataba de fotos oficiales o reuniones con los pares aliados, sacaban a relucir lo mejor del vestuario y eso no incluía sólo a los hombres, sino muy especialmente a las muy bien seleccionadas mujeres, quienes no podían faltar a esas reuniones.
Los demás países equiparon a sus soldados con los uniformes adecuados para la campaña, pero sin lujos.   Incluso el aspecto de los soldados japoneses, tal como se les ve en las películas, no es el verdadero, pues Hollywood trató siempre de desmejorar su aspecto.  Pero lo cierto es que los japoneses fueron unos de los soldados mejor equipados durante la guerra, en lo que a vestimenta se refiere..

Recolección de ropa de abrigo en Alemania durante la campaña en el Frente del Este



Como los alemanes no estuvieron preparados para pelear la guerra en pleno invierno ruso, se vieron obligados a la recolección de material apropiado para el gélido clima de fines de año y de comienzos hasta la primavera, en especial frazadas.  Pero, fue demasiado tarde y muy poco.

Joven alemán siendo filmado para una película de propaganda




Desde fines de los años 30, en Alemania el uniforme era símbolo de status. Los jóvenes anhelaban vestir de militar y para ello no había mayores trabas porque cualquier organización, de cualquier tipo, tenía su propio uniforme. En consecuencia, el Nacionalsocialismo ponía sumo cuidado en el diseño y confección de los uniformes. Por esa razón, el soldado alemán fue el mejor vestido durante la contienda.

Guerra y seducción, Museo de la Moda, Chile





El estilo de Fida Kahló


La originalidad y creatividad de Frida Kahlo no sólo fluyen en su obra, sino en ella misma. La
artista intervino su alrededor y persona para convertirse en una de las mujeres más influyentes del arte, cuyo legado se extiende a otros rubros artísticos, como la moda.
Sus cejas pobladas y labios rojos, así como sus elaborados peinados con trenzas y moños de colores, han cautivado a varias generaciones. Su imagen fue una propuesta estética única para la época y hoy sigue siendo una fuente de inspiración para diferentes creadores.


La mexicana construyó una figura a través de su forma de vestir y, al igual que en sus pinturas, creó su propio estilo. Orgullosamente, portaba vestimentas de diferentes regiones del país, sobre todo del istmo de Tehuantepec.


Incluso, ella modificaba su propia ropa para acoplarla a su cuerpo y gusto. Utilizaba telas de algodón o sedas provenientes de Francia y España para confeccionar sus vestidos con una marcada influencia indígena. Así, logró una acertada mezcla de texturas y colores. Realizaba la elección de ropa con base en sus rasgos étnicos y la discapacidad que padecía, pues durante su niñez sufrió poliomielitis y cuando tenía 18 años tuvo lugar el accidente de tránsito que afectaría su cuerpo de por vida.


No es gratuito que decidiera usar un vestido tehuano, ya que reflejaba sus convicciones estéticas y ocultaba las fallas físicas (tenía una pierna más delgada y corta). Así, es posible ver la influencia que ejercía la moda y riqueza textil de México sobre Frida para crear su propio estilo.


Fue fotografiada por Bernard Silberstein, Toni Frissell y Manuel Álvarez Bravo, atraídos por su peculiar forma de vestir y personalidad. Incluso llamó la atención de publicaciones como Vogue Estados Unidos, que la incluyó en sus páginas en 1938.


No por nada ha sido musa de diseñadores como Christian Lacroix, Alexander McQueen y Riccardo Tisci, quienes han hecho reinterpretaciones de la pintora mexicana. Sobresale el homenaje hecho por Jean Paul Gaultier en 1998 como parte de su colección Primavera-Verano, al igual que sus campañas publicitarias de dicho año, llenas de elementos pictóricos de Frida.
El atuendo de esta mujer emblemática fue esencial para construir la personalidad que la ha hecho trascender como un icono artístico y de estilo.






Zapatos con historia


Zapatos de ante color verde, decorados con aplicación de cintas de seda en ligamento de gros de Nápoles, dispuestas en paralelo. La pala es alta, con forma de oreja trapezoidal, y la puntera muy pronunciada. Se cierran con hebilla rectangular de dos uñas, enriquecida con cristales que imitan diamantes de talla antigua, engastados sobre cuatro garras. El tacón, muy alto, y la suela son de cuero y están pespunteados en hilo de algodón color blanco. Rococó. 1730 (ca). Los zapatos femeninos del período rococó se caracterizan por su elevado tacón, situado en la combadura del pie para dar mayor estabilidad. Durante el siglo XVIII no hay diferenciación en la horma entre el pie derecho y el izquierdo. Imagen: Museo del Traje


Jessica Lange


Jessica Phyllis Lange (Cloquet, Minnesota, 20 de abril de 1949) es una actriz estadounidense, ganadora de dos premios Oscar, un Globo de Oro, un premio Emmy y un SAG (Premio del Sindica de Actores; A la mejor actriz de televisión - Drama).
Estudió Bellas Artes en la Universidad de Minnesota antes de marcharse a París. Se casó con el fotógrafo Francisco Grande, hijo del científico colungués Francisco Grande Covián y durante un tiempo antes de divorciarse vivió en España. Regresó a Nueva York en 1973 y recibió clases de interpretación mientras trabajaba como camarera y modelo.
En 1976, el productor Dino De Laurentiis la contrató para protagonizar el remake de King Kong, película con la cual comenzó y casi terminó su carrera, debido a las duras críticas que recibió, si bien fue un éxito comercial. Tras su actuación en el remake de Bob Rafelson de The Postman Always Rings Twice (El cartero siempre llama dos veces) en 1981, las críticas cambiaron totalmente.
Su actuación en su siguiente película, Frances (1982), en la cual retrató a la actriz Frances Farmer, fue muy alabada y le valió para ganar una nominación al Óscar a la mejor actriz. Aquel año recibió otra nominación, como mejor actriz de reparto, por la comedia Tootsie (1982), protagonizada porDustin Hoffman, y finalmente ganó la estatuilla.
En 1985 en la película Sweet Dreams, la actriz da vida a la cantante Patsy Cline que falleció en un accidente aéreo a los 31 años de edad.
Durante los años 1980 y 1990 siguió realizando buenas interpretaciones, en películas como La caja de música (1989) de Costa-Gavras, El cabo del miedo (1991) de Martin Scorsese, La noche y la ciudad (1992), Rob Roy (1995), Heredarás la tierra (1997) y Titus (1999), llegando a ganar el Óscar a la mejor actriz en 1994, por su actuación en Blue Sky. En el año 1995 protagonizó "Un Tranvía Llamado Deseo", una adaptación televisiva para la CBS del célebre drama homónimo de Tennessee Williams, que le llevó a una nominación al globo de oro ese mismo año como Mejor actriz en miniserie o película TV (Jessica Lange), y una nominación del premio Emmy en el año 1996 como mejor actor, actriz y actor sec. en miniserie o telefilm.
Desde el comienzo del siglo XXI su carrera cinematográfica ha estado más centrada en papeles secundarios o en películas más minoritarias como Nación Prozac (2001), Big Fish (2003) de Tim Burton, Llamando a las puertas del cielo (2005), o El viaje de nuestra vida (2006). También destaca su participación en series y películas para la televisión: fue nominada al Globo de Oro y al Emmy a la mejor actriz por su actuación en Normal (2003). Sybil(2007) es otra película para la televisión por la que fue nominada a la mejor actriz esta vez en los premios Prism.
Desde el 2011 participa regularmente en la serie de televisión de la cadena FX, American Horror Story, en la primera temporada interpretando a Constance Langdon, en la segunda temporada a la hermana Jude Martin y en la tercera temporada encarna el papel de la bruja Fiona Goode. Dichos personajes le han hecho ganar dos Globos de oro. También ha ganado un premio Emmy por su participación en esta misma serie y ha estado nominada 3 años consecutivos por el globo de oro y por los Emmy´s por la misma serie.
En 2013 aparecerá en la película Therese Raquin, donde interpretará a Madame Raquin, tía de la protagonista.
En 1992, debutó en Broadway al lado de Alec Baldwin, en la adaptación de Tennessee Williams de Un tranvía llamado deseo. En 2000 encabezó el cartel de la obra maestra de Eugene O'Neill Long Day's Journey into Night, y en 2009 en Nueva York con una adaptación de La plaza del diamante, la novela de Mercé Rodoreda. Fuente: wikipedia

Manto de la Orden de Carlos III


Manto de la Orden de Carlos III 

Neoclasicismo, ca. 1804 

Manto de seda azul celeste, con escote redondo, larga cola y cuello vuelto. Lleva decoración heráldica realizada con bordado en hilo de plata, que dibuja una cenefa exterior de tres calles: en la central, motivos de torre, león posante y corona de laurel -en cuyo interior puede leerse un III, inserto en perfil lineal, guirnalda sinuosa y otra de línea quebrada con salpicado central de estrellas de seis puntas. Cierra con alamares de pasamanería de seda e hilo metálico, dispuestos sobre el cuello. 


Los Caballeros debían vestir debajo una túnica de tercianela de seda blanca con fleco celeste y plata, cíngulo de iguales colores, calzón de seda negro liso, sombrero también liso con plumaje blanco y espadín de acero.

J. Morgan Puett: cuando la moda es arte






J. Morgan Puett

Sarah Bernhardt

Sarah Bernhardt fue una actriz de teatro y cine francesa, nacida el 23 de octubre de 1844 en París y fallecida el 26 de marzo de 1923 en la misma ciudad.


Biografía 

Sarah Bernhardt nació el 23 de octubre de 1844 en el nº 5 de la calle École de Medecine, París. Su nombre real era Rosine Bernardt. Su madre era una mujer de religión judía, de origen holandés y llamada Julie Bernardt, alias Youle. Se ganaba la vida como prostituta de lujo junto con su hermana, Rosine Bernardt. Julie tuvo varias hijas más: en abril de 1843 tuvo dos niñas gemelas que fallecieron a las dos semanas. Tras Sarah, tuvo a Jeanne (fecha de nacimiento desconocida) y a Régine en 1855, que falleció de tuberculosis en 1873. Todas fueron hijas de padres distintos y desconocidos. Sarah Bernhardt nunca supo quién era su padre biológico, aunque se cree que era el Duque de Morny, medio-hermano de Napoleón III.


Sarah pasó los primeros 4 años de su vida en Bretaña al cuidado de una ama de cría. La primera lengua que Sarah conoció fue el bretón y es por esta razón que al iniciar su carrera teatral, adoptó la forma bretona de su apellido: Bernhardt. En esta época sufrió un accidente que muchos años después le acarrearía graves problemas de salud. Cayó por una ventana rompiéndose la rodilla derecha. Aunque sanó sin problemas, la rodilla le quedó delicada para siempre y en 1914 a causa de una dolorosísima inflamación de esa misma rodilla tuvieron que amputarle la pierna derecha. Tras el accidente, su madre la llevó consigo a París donde permaneció dos años. A punto de cumplir 7 años ingresó en la Institución Fressard un internado para señoritas próximo a Auteuil. Permaneció allí dos años. En 1853 ingresó en el colegio conventual Grandchamp, cercano a Versalles. En este colegio participó en su primera obra teatral, "Tobías recupera la vista", escrita por una de las monjas. También aquí fue bautizada e hizo la primera comunión. El ambiente místico del colegio le hizo plantearse el hacerse monja.


Tras abandonar Grandchamp a los 15 años, su madre trató de introducirla en el mundo galante para que se ganara la vida como prostituta de lujo. Pero Sarah, influenciada por su educación conventual, se negó repetidamente a ello. Julie Bernard tenía un salón en su piso parisiense donde se reunían sus clientes. Entre ellos estaba el hermanastro de Napoleón III, el duque de Morny. Morny aconsejó que Sarah se inscribiera en el Conservatoire de Musique et declamation. Gracias a los contactos del duque, Sarah entró sin dificultad en 1859. En 1861 ganó un 2º premio en tragedia y una mención honorífica en comedia. Finalizados sus estudios en el Conservatorio, entró, de nuevo gracias a los influyentes contactos de Morny, en la Comédie-Française. Debutó el 11 de agosto de 1862 con la obra "Iphigénie" de Jean Racine. Su fuerte carácter le atrajo problemas con sus compañeros lo que provocó que abandonara la Comédie por primera vez en 1863. Tres semanas más tarde fue contratada por el Teatro Gymnase donde hizo 7 pequeños papeles en distintas obras. Actuó por útima vez el 7 de abril de 1864 con la obra "Un mari qui lance sa femme". Ese mismo año conoció a uno de los grandes amores de su vida, Charles-Joseph Lamoral, príncipe de Ligne. Inició una apasionada relación con él, hasta que quedó embarazada y el príncipe la abandonó. El 22 de diciembre de 1864 dio a luz a su único hijo, Maurice Bernhardt. Sin un oficio y habiendo fracasado momentáneamente en el mundo del teatro, siguió los pasos de su madre convirtiéndose en una cortesana de lujo. Sarah no abandonó su actividad como cortesana hasta que su carrera teatral se hubo afianzado con éxito y pudo mantenerse sólo con el trabajo que le reportaba el teatro.


Tres años más tarde, en 1867 debutó en el Teatro del Odéon con "Las mujeres sabias" ("Les femmes savantes") de Molière. Ahí empezó su verdadera carrera profesional. Participó en muchos montajes teatrales, alternando la vida teatral con la vida galante. La fama le llegó repentinamente en 1869 con "Le Passant" de François Coppée, una obra en verso de un solo acto. Sarah, además, hizo por primera vez en esta obra un papel masculino, el del trovador Zanetto. Repetiría más veces haciendo de hombre en varias obras más: Lorenzaccio, Hamlet y L´Aiglon.
En 1870, durante la Guerra Franco-Prusiana, habilitó el Odeón como hospital para convalecientes, donde cuidó con dedicación a los heridos de guerra. En 1871 el improvisado hospital tuvo que ser cerrado por problemas de salubridad.
Tras la derrota francesa y la caída de Napoleón III, muchos intelectuales exiliados por estar en contra del emperador pudieron regresar a Francia, entre ellos Victor Hugo. El regreso de Hugo fue trascendental en la vida de Bernhardt ya que el escritor la eligió para protagonizar el reestreno de su obra Ruy Blas. Bernhardt además protagonizó otra obra de Hugo: "Hernani". "Ruy Blas" la encumbró a cotas de éxito inimaginables. Regresó a la Comédie-Française como una gran estrella y allí afianzó su repertorio y sus múltiples registros como actriz.


El estilo de actuación de Bernhardt se basaba en la naturalidad. Detestaba profundamente las viejas normas del teatro francés donde los actores declamaban histriónicamente y hacían gestos sobreactuados. Rompió con todo lo establecido profundizando en la psicología de los personajes. Estudiaba cada gesto y cada entonación del texto que debía decir buscando la perfección natural sin que se notara ningún tipo de artificio. Destaca en su arte que representando siempre a grandes heroínas de tragedia o reinas, siempre huyó de la sobreactuación y de la afectación. Son famosas sus escenas de muerte, en las que en vez de según sus propias palabras, "ofrecer toda una retahíla de patologías" tales como estertores, toses, gemidos agónicos, profundizaba en el acto de morir desde el punto de vista psicológico y sentimental.
A parte de su profesión de actriz, se interesó por la escultura y la pintura, llegando a exponer en el Salón de París varias veces, entre los años 1874 y 1896. Recibió distintos premios y menciones honoríficas en ambas disciplinas. Escribió también tres libros: su autobiografía titulada "Ma double vie", "Petite Idole" y "L´art du Théâtre: la voix, la geste, la pronontiation".
Bernhardt se especializó en representar las obras en verso de Jean Racine, tales como "Iphigénie", "Phédre" o "Andromaque". Destacó especialmente, entre muchas otras, en "La Dame aux Camélies", de Dumas hijo, "Théodora", de Sardou, "L´Aiglon", de Edmond Rostand, "Izéïl", de Silvestre y Morand, "Macbeth", de Shakespeare, "Jeanne D´Arc" de Jules Barbier...
En 1879 realizó su primera salida de Francia, concretamente a Inglaterra donde estuvo 6 semanas haciendo dos representaciones diarias y obtuvo un éxito rotundo. Al llegar al país fue recibida espectacularmente, lo que indica que su fama había cruzado las fronteras de Francia. Esta primera visita conoció a un joven escritor llamado Oscar Wilde. Años más tarde, en 1893, Bernhardt aceptaría representar su obra "Salomé". También, ese mismo año, Sarah fue ascendida a "Socio Pleno" de la Comédie-Française. Los "Socios Plenos" son la jerarquía más alta de esta institución.
Tras su espectacular éxito en Inglaterra decidió hacer su primera gira americana. Partió a los Estados Unidos el 15 de octubre de 1880. El éxito fue total. Bernhardt haría repetidas giras por los Estados Unidos (sus famosas "Giras de despedida") y también recorrió toda América del Sur, llegando a actuar en Brasil, Perú, Argentina, Chile... Viajaba en tren y en barco y llegó a cruzar el Cabo de Hornos. En Estados Unidos su éxito era tal que le habilitaron un tren con siete vagones de lujo llamado "Sarah Bernhardt Special" y era de uso exclusivo de la actriz. Sus giras llegaron también a Australia y visitó las islas Hawái y las Islas Sandwich. Actuó en Egipto y en Turquía. También recorrió Europa, actuando en Moscú, Berlín, Bucarest, Roma, Atenas. En su periplo, actuó no sólo en grandes teatros si no también en teatros de ínfima categoría.


Bernhardt tuvo una agitada vida sentimental, en la que destacan nombres como Gustave Doré, Victor Hugo, Jean Mounet-Sully, Jean Richepin, Philippe Garnier, Gabriele D´Annunzio, Eduardo, Príncipe de Gales, entre otros. Se casó una sola vez, con un oficial griego llamado Jacques Aristidis Damala. Damala era hijo de un rico armador y era adicto a la morfina. Nació en El Pireo en 1842. Bernhardt se casó con él el 4 de abril de 1882 y fue un matrimonio tempestuoso. Sarah intentó convertir en actor a Damala, pero fracasó. La actriz le impartió clases de actuación y le dio el papel de Armand Duval en "La Dame aux Camélias". Se eran infieles mutuamente y un día Damala, abrumado por el éxito de su mujer, por las constantes burlas de los actores de la compañía de Bernhardt y la mala relación con Maurice Bernhardt, se alistó en la Legión siendo destinado a Argelia. Meses más tarde regresó con Sarah. Las separaciones y reconciliaciones fueron continuas hasta que Sarah decidió irse de gira por todo el continente americano en 1887 y Damala ya no la acompañó. Era la separación definitiva. Permanecieron casados hasta la muerte de Damala por los efectos secundarios de abuso continuado de morfina en 1889, a la edad de 42 años. Bernhardt le enterró en Atenas y adornó la tumba con un busto tallado por ella misma.
Sarah Bernhardt fue también la primera actriz-empresaria del mundo del espectáculo. A raíz de una relación muy tensa con el director de la Comédie-Française, Perrin. Bernhardt rompió su contrato y dimitió como "Socio Pleno" el 18 de marzo de 1880. La Comédie pleiteó contra ella ganando el juicio. Sarah Bernhardt tuvo que renunciar a su pensión de 43.000 francos que hubiera tenido de pensión si hubiese permanecido un mínimo de 20 años en la Comédie y además se la condenó a pagar 100.000 francos de multa. La actriz nunca llegó a pagar la multa. Tras su esplendorosa primera gira americana, que le había hecho ganar una gran fortuna, Bernhardt arrendó el teatro Porte-Saint-Martin en 1883. En este teatro produjo y actuó en obras como "Frou-Frou" y "La Dame aux Camélias", entre otras. Durante sus giras, el teatro permanecía abierto y se estrenaban obras continuamente con distinto éxito comercial. Bernhardt no dudaba en apoyar el teatro de vanguardia, así que además de repertorio clásico, en el Porte-Saint-Martin se estrenaban obras de nuevos autores que rompían con el teatro tradicional. Tras unos años, Bernhardt arrendó del Théatre de la Renaissance, donde representó muchas obras de éxito. En 1899 arrendó por 25 años el enorme Theâtre des Nations, único teatro donde acturaría en Francia durante los últimos 24 años de su vida.


Su vida familiar no fue sencilla. Tuvo una relación tensa y distante con su madre, Julie. Su progenitora nunca fue una madre cariñosa e interesada y ese hecho hizo que Sarah siempre buscase su aprobación y su cariño. Julie Bernard sentía predilección tan sólo por su hija Jeanne y descuidó totalmente la educación de su hija menor, Régine. Sarah Bernhardt sentía predilección por su hermana pequeña Régine y cuando logró ser independiente se la llevó a vivir consigo para alejarla de la madre y de las intenciones de ésta de convertirla también en cortesana. Lamentablemente a causa del abandono afectivo que sufrió y del ambiente del piso de su madre, Régine se convirtió en prostituta a los 13 años. Falleció a los 18, en 1873, a causa de la tuberculosis. Su otra hermana, Jeanne, también fue cortesana durante una época y siempre que tenía necesidad de dinero. Para apartarla de la mala vida, Bernhardt se la llevó consigo con su compañía y la acompañó en varias de sus giras americanas y europeas. Era una actriz mediocre, pero hacía pequeños papeles y vivía una vida de lujo junto a su hermana. Se sabe que sufrió crisis de neurosis a causa de su adicción a la morfina y que estuvo ingresada en el hospital de La Pitié-Salpetrière en París bajo cuidados del doctor Jean-Martin Charcot. En cambio, el hijo de Sarah, Maurice, siempre estuvo muy unido a su madre. Vivió siempre a su sombra, malgastando auténticas fortunas en el juego, en viajes y en una vida regalada.
El siglo XX empezó con un gran éxito, "L'Aiglon", de Edmond Rostand. La obra fue estrenada el 15 de marzo de 1900 y obtuvo un éxito triunfal sin precedentes. Sarah hizo 250 representaciones de "L'Aiglon" y tras esto, hizo otra gira a Estados Unidos para representarla. En Nueva York representó la obra en el Metropolitan Opera House y cosechó un enorme éxito. Probó suerte también con el recién nacido cine. En 1900 filmó "Le Duel d'Hamlet", haciendo ella de Hamlet. En 1906 rodó "La Dame aux Camélias", con Lou Tellegen, su amante de aquel momento, haciendo de Armand Duval. Bernhardt cuando la vio se horrorizó y mandó destruir el negativo, que afortunadamente todavía existe. Rodó también "Elisabeth, reine d'Anglaterre", dirigida por Louis Mercanton. En 1913 filmó "Jeanne Doré", dirigida por Tristan Bernard. Esta película se considera la mejor rodada por Bernhardt y donde se puede observar mejor su arte interpretativo. La película se conserva en la Cinématèque de Paris.
En 1914 le fue concedida la Legión de Honor. En 1915 la rodilla de su pierna derecha, la misma que se había fracturado de niña, había llegado a provocarle dolores insoportables. Para peor, durante una de sus interpretaciones de la obra dramática "Tosca", la misma que Puccini hizo triunfar en el género operístico, en la última escena, cuando la heroína se lanza desde un barranco, no se tomaron las medidas de seguridad pertinentes; Sarah se lanzó, y se hirió la pierna. Aunque hacía ya varios años que padecía molestias constantes, durante el año 1914 fue empeorando hasta que no hubo otro remedio que amputar en febrero de 1915. Una vez recuperada de la amputación y ya empezada la Primera Guerra Mundial, la actriz decidió hacer una gira tras las trincheras francesas haciendo actuaciones para animar a las tropas. Organizó varias giras con su compañía y recorrió toda Francia. Aun con la pierna amputada, Sarah Bernhardt siguió actuando. Recitaba monólogos, poemas o representaba actos famosos de su repertorio de obras en las que no debía estar de pie. Siguió también participando en películas tras la guerra. Su salud fue empeorando hasta sufrir un gravísimo ataque de uremia que estuvo a punto de matarla. En 1922, vendió su mansión en el campo de Belle-Ile-en-Mer, donde había rodado años atrás una película-documental sobre su vida. Cuando le llegó la muerte estaba rodando una película, "La Voyante". El rodaje se estaba realizando en su casa, en el Boulevard Péreire, puesto que la actriz estaba ya muy delicada de salud. El 15 de marzo de 1923, tras rodar una escena, quedó totalmente agotada hasta que se desmayó. Nunca se recuperó. Once días más tarde, el 23 de marzo, fallecía en brazos de su hijo Maurice.
Su entierro fue multitudinario: unos 150.000 franceses acudieron a despedirla. Fue inhumada en el cementerio parisino de Père-Lachaise.
A pesar de ser llamada "La divina Sarah" por su carácter excéntrico y caprichoso, Sarah Bernhardt trabajó en innumerables proyectos teatrales demostrando un carácter perseverante, una gran profesionalidad y dedicación a su arte.

Curiosidades 

Su cabello era de color rubio oscuro y sus ojos eran azul cobalto.
Protegió y encumbró al pintor y cartelista Alphonse Mucha, cuyos trabajos fueron punto de referencia del Art Nouveau francés. Mucha, de origen checo no sólo le hizo los carteles anunciando las obras de teatro de Bernhardt sino que también le diseñó vestuario, joyas y la decoración del Théâtre de la Renaissance. También fue solicitado por muchas empresas y comerciantes para que les diseñara los anuncios de sus productos en revistas y periódicos. El estilo y los diseños de Mucha en publicidad fueron imitados hasta la saciedad por muchos dibujantes y empresarios de la época.
Fue una acérrima defensora de Alfred Dreyfus en el lamentable Affaire Dreyfus, apoyando también abiertamente a Émile Zola en su célebre artículo-denuncia J'accuse donde se denunciaba que el oficial judío Dreyfus era la cabeza de turco de un complot en el seno del ejército y víctima de un exacerbado antisemitismo.


Siempre tuvo muy mala suerte en los juegos de azar. Tanta, que algunos jugadores supersticiosos no la querían tener cerca en la mesa de juego cuando Bernhardt jugaba en los Casinos de Montecarlo o Niza.
Es cierto que Sarah Bernhardt poseía un ataúd y que solía dormir dentro de él. Existe la leyenda de que se lo compró un amante aficionado a lo macabro, pero la realidad es que lo compró ella misma, ya que sentía una fascinación especial por los temas fúnebres. Llegó incluso a dejarse fotografiar metida en un ataúd y haciéndose la muerta. Las fotografías se comercializaron y tuvieron un gran éxito. Hoy en día todavía se pueden encontrar en mercados de antiguo o en colecciones privadas.
Toda su vida sufrió miedo escénico. Cuando tenía un estreno importante o se sentía bajo presión le daban ataques de pánico escénico. Afortunadamente para ella, el tipo de miedo que sufría la hacía actuar con nerviosismo y poniendo una voz aguda. Cuando llevaba un rato en escena, el pánico cedía.
Una vez teniendo que representar Hamlet en Edimburgo, la compañía de Bernhardt se encontró que el vestuario no había llegado a tiempo y tuvieron que representar la inmortal obra de Shakespeare vestidos con faldas escocesas.
Le gustaban los animales y llegó a tener, en distintas épocas de su vida, un león, un tigre, loros, un mono llamado Darwin, un cocodrilo y varios perros.
De joven, durante una época en que necesitaba dinero, posó desnuda para el fotógrafo Nadar. Posó muchas veces, tanto en fotografías eróticas como artísticas, para este fotógrafo al que la unió una gran amistad. Más tarde, ya famosa, protegió y posó para el hijo del fotógrafo que había seguido los mismos pasos profesionales que el padre.

Fue la primera actriz en representar (en diferentes ocasiones) tanto el papel de Hamlet como el de Ofelia.

La tiara papal

La tiara (del latín, tiara, griego antiguo, τιάρα, persa antiguo, tiyārā o persa, تاره tara) es una mitra alta con tres coronas de origen bizantino y persa que representa el símbolo del papado. Consiste en un birrete cónico o semiovoideo rodeado de tres coronas y del cual penden dos cintas similares a las ínfulas de la mitra. Desde la segunda mitad del siglo XX y durante el siglo XXI, ha decaído la fórmula de coronación con la tiara y la misma sólo aparece de forma simbólica, en representaciones heráldicas, etc. En la antigüedad, los arqueólogos consideran una tiara al gorro o corona alta, en forma conoide o de tronco de cono, usualmente en tela o cuero, que simbolizaba la realeza y portaban los dioses o los reyes divinizados en el Antiguo Oriente Próximo por los egipcios, sumerios, acadios, asirios, hititas, persas, etc. Los faraones egipcios utilizaban la tiara blanca para simbolizar su poder sobre el Bajo Egipto. Los acadios la complementaban con cuernos, símbolo de divinidad.



Historia en el papado

Su nombre, como la conocemos hoy, no aparece como tal hasta el siglo XII y su disposición actual data del siglo X (en las medallas de Sergio III está esculpida por primera vez), aunque ya antes se conocía un ornamento con el que el Papa cubría su cabeza, llamado camelaucum, del que se habla ya en el siglo VIII; era una especie de yelmo blanco de lino con una corona, y no tenía carácter litúrgico. Hacia finales del siglo XIII la corona inscrita en la tiara (que consistía en un simple cerco) se presenta dentada o radiante para ser luego floroneada. Poco después, bajo el pontificado de Bonifacio VIII se le añade una segunda corona y hacia 1310 comienza a introducirse la tercera, la cual se halla permanentemente desde Benedicto XII hasta nuestros días, quedando así constituida la tiara con tres coronas. Las tiaras papales fueron usadas por todos los papas desde Clemente V hasta Pablo VI, quien fue coronado en 1963. Pablo VI abandonó el uso de la corona a partir del Concilio Vaticano II, dejándola simbólicamente en el altar de la Basílica de San Pedro, pero no abolió su uso, si bien todos sus sucesores hasta hoy han decidido no ser coronados. En 1981, los católicos húngarosregalaron al Papa Juan Pablo II una tiara para su uso privado y el 25 de mayo de 2011, tras la audiencia general celebrada en Roma, un grupo de católicos alemanes también obsequió al PapaBenedicto XVI una tiara papal.




En la actualidad la tiara sigue siendo símbolo del papado como se refleja en el escudo de armas de la Santa Sede y el Vaticano. Rompiendo con la tradición, los escudos de armas de Benedicto XVI y Francisco no aparecen coronado con la tiara pontificia, que fue remplazada en el timbre del stemma papal por la mitra, si bien la mitra se ornamenta con tres franjas doradas que recuerdan la tiara tradicional. Otra novedad del escudo del papa Benedicto XVI fue la incorporación del palio pontificio, que nunca había aparecido antes en un escudo papal.

Estructura

La tiara es una mitra de obispo de forma rígida y globular con tres coronas, cada una de las cuales posee un significado; si bien tal simbolismo ha variado con el tiempo. En un principio, las tres coronas representaban, respectivamente, la soberanía del papa sobre los Estados de la Iglesia o Estados Pontificios, la supremacía del papa sobre el poder temporal y la autoridad moral del pontífice sobre toda la humanidad. Más tarde, las tres coronas pasaron a simbolizar el orden sagrado, la jurisdicción y el magisterio del Romano Pontífice.

La familia de plástico de Suzanne Heintz













“¿Eres una chica tan encantadora. ¿Por qué no estás casada?”. Esa es la pregunta que la artista estadounidense Suzanne Heintz ha tenido que escuchar en multitud de ocasiones por estar soltera y sin hijos. Cansada de que la hicieran sentir como una “solterona”, Heintz decidió comprarse una familia de plástico. Dos maniquíes se convirtieron en su marido y su hija. (Todas las imágenes son cortesía de Suzanne Heintz).

Según explica Heintz, la idea de este proyecto fotográfico surgió un día mientras hablaba con su madre. “Suzy, no hay nadie perfecto. Sólo necesitas elegir a alguien si pretendes sentar cabeza”, le dijo su madre, a lo que ella respondió: ”Mamá, no puedo salir a la calle y comprarme una familia. Eso no es posible”. Fue ahí cuando se dio cuenta de que había una manera. Se compró una familia de maniquíes.

A raíz de esa conversación Heintz decidió empezar el proyecto titulado “Life Once Removed” (que podría traducirse como "la vida en segundo grado" o "casi como la vida") con el que se propuso retratar los momentos más felices de su vida con su familia de plástico y de paso lanzar una crítica a las expectativas que la sociedad pone en nosotros.

Heintz empezó a tomar las fotografías hace más de una década, primero en su propia casa y más adelante durante diversos viajes en los que su marido y su hija la acompañaron.

La fotógrafa explica que con las imágenes de las vacaciones pretendía hacer una sátira de las postales familiares que la gente envía cada año y que son una tradición en EE.UU.

Cuando Heintz sacó a su familia a la calle se dio cuenta del potencial de tomar las fotografías en público. La gente con la que se cruzaba se quedaba sorprendida. La artista cree que usar la sorpresa junto al humor hace que el mensaje se transmita mejor.

Heintz asegura que con estas fotografías quiere que "la gente se cuestione el apego que tenemos a las tradicionales expectativas sobre la familia y los hijos".

Heintz también cree que "nos empeñamos demasiado en querer pasar los valores tradicionales a las siguientes generaciones".

La artista opina que aunque en muchos lugares del mundo las mujeres nunca habían tenido tanta libertad como ahora, al mismo tiempo viven una época extraña por la mezcla mensajes que reciben de generaciones pasadas y presentes.

Heintz señala que para que una mujer considere que tiene una vida “plena” tienen que cumplirse una serie de requisitos en el campo profesional, familiar, educacional, afectivo… "Si uno de estos elementos no funciona parece que hay algo en vida que no está bien", dice.

Heintz asegura que quiere que la gente sea abierta de mente y deje de depender de las ideas desfasadas sobre lo que se supone es una vida exitosa.

Por ejemplo, Heintz cree que las expectativas en torno al matrimonio están relacionadas con eI aspecto que se supone tu vida ha de tener.

La artista considera que “para muy poca gente la vida acaba siendo como uno esperaba y a los que sí les sucede eso, lo que esperaban no es lo que pensaban que era”.

Quiere que la gente acepte con entusiasmo la vida por lo que ésta ha hecho de nosotros, con o sin marido, títulos académicos o cualquier otra cosa que se espere de antemano.

Suzanne Heintz explica que su experiencia como directora de arte para televisión ha influenciado sus trabajos en el campo de la fotografía y el video.

Cree que utilizar el humor es esencial para que el arte le llegue a todo el mundo y cause impacto. Heintz opina que "la sátira hace más fácil que una obra de arte sea aceptada y no sea percibida como una simple crítica social". Según cuenta, el haber sido educada como mormona le causó un gran impacto, dándole una experiencia de primera mano de lo que es la idealización de la familia y del rol de las mujeres como madres y amas de casa. Puede conocer los detalles del proyecto de Heintz en este video: www.vimeo.com.