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Las partes del zapato



La horma

La horma es una copia del pie hecha en madera para sustituir al pie durante la confección del zapato de acuerdo con el modelo escogido.

Partes del zapato

1 – CORTE: parte exterior del calzado que permite la sujeción de éste al pie o a la pierna 
2 – FORRO: a excepción de los mocasines, son piezas interiores en los costados y traseras del interior del zapato
3 – PALMILLA: zona en el interior del zapato en contacto con el pie
4 – PISO O SUELA: zona del zapato en contacto con el suelo
5 – TACÓN: zona del talón en el extremo del zapato
6 – TAPA DEL TACÓN: parte debajo del tacón que está en contacto con el suelo
7 – CONTRAFUERTE: zona opuesta al tope. Sirve para mantener la forma de la zona posterior del zapato
8 – TOPE: refuerzo que constituye una protección fuerte y fija sobre los dedos del pie
9 – CAMBRILLÓN: pieza interior ubicada en la zona de quiebre del zapato debajo de la palmilla
10 – VIRA O CERCO: zona exterior de la palmilla

Corte de un zapato

1- El corte del zapato es la parte exterior del calzado que le permite la sujeción al pie y le da su aspecto estético.

2. El forro es la parte interior del zapato, en contacto con la piel. Debería ser sumamente suave para permitir la transpiración.

Palmilla y plantilla

3- La palmilla es la parte superior de la suela, la más cercana a la planta del pie. Suele quedar recubierta por la plantilla. La palmilla lleva incorporada una talonera de refuerzo y entre ambas el cambrillón de acero que asegura el mantenimiento del quiebre del zapato.

Piso o suela

4- La suela entra en contacto con el suelo.

Tacón

5- Pieza de cuero, madera o plástico sobre la que descansa el talón. Hay variantes como son las plataformas o las cuñas.

Contrafuerte

6- Refuerzo para el talón. Funciona como extensión del tacón y ofrece rigidez y estabilidad al zapato.

Tope

7- Es el refuerzo que ofrece una protección sobre los dedos del pie.

Cambrillón

8- Es un refuerzo de acero ubicado en la palmilla que asegura el mantenimiento del quiebre del zapato. El quiebre del zapato es la diferencia de altura entre la talonera y la planta.

Vira o cerco

9- Tira flexible que se coloca a lo largo del canto del piso.



Entre la riqueza y la ruina: pelos largos












"Nadie podía imaginar que aquellas niñas que cuidaban pavos en la granja familiar de Cambria, descalzas y con ropas harapientas, llegarían a ser famosas y millonarias por sus melenas. Barrían el suelo con sus ondas: treinta y siete pies (más de once metros) de pelo sumaban entre Sarah, Victoria, Isabella, Grace, Naomi, Dora y Mary. Solo su padre, Fletcher Sutherland, empezó a vislumbrar la forma de explotar a sus hijas y de enriquecerse a su costa." Lee más


¿Y por qué no una colección de dedales?


Los dedales, esos pequeños artilugios que pasan desapercibidos por tratarse de un objeto de uso cotidiano, tienen también su historia. Lee más 


La era victoriana y los peinados más incómodos de todos los tiempos










Cloë Sevigny

El figurinista Pedro Moreno, Premio Nacional de Teatro

El figurinista Pedro Moreno (Madrid, 1942), diseñador de vestuario, escenógrafo y dibujante, ha sido premiado con el Nacional de Teatro, dotado con 30.000 euros. Realizó sus estudios de Magisterio y Bellas Artes entre Madrid y París, y una vez finalizados, entró a trabajar como diseñador en el estudio del diseñador Elio Berhanyer durante dos décadas.
El jurado ha concedido este galardón, por mayoría, a Pedro Moreno “por su magisterio en el arte del figurinismo, con el cual ha contribuido de modo decisivo al enriquecimiento del teatro español en sus más diversos géneros”. El jurado también ha destacado “su amplia trayectoria escénica que culmina en las últimas temporadas con trabajos tan brillantes como Hécuba, Medea, Enrique VIII y la cisma de Inglaterra o Los diamantes de la corona, entre otros”. Continúa leyendo



100 años de vestidos de novias

Adolf Karl Sandoz

Adolf Karl Sandoz, ilustrador de grabados de moda, nació en Odessa, Ucrania, en 1845. Se instaló en París y estudió en la escuela de Bellas Artes.
Trabajó como primer ilustrador de libros para las librerías Hachette y Delagrave, y colaboró, con sus diseños de moda, en las revistas L’Illustration (París) en 1889 y The Queen (Londres), entre los años 1888 y 1889, con la serie titulada “Latest Paris Fashions”.
Los grabados de Adolf Sandoz son considerados como unos de los más bellos y exquisitos en el último cuarto del siglo XIX. Dotados de una excepcional calidad y sensibilidad, las litografías están coloreadas a mano en las que abundan los detalles que permiten apreciar los tejidos y son decorados con una amplia gama de colores incluidos tintas metálicas (dorado o plateado)

Las láminas se entregaban con el primer número de cada mes e iban acompañadas de un texto descriptivo que facilitaba la interpretación de los modelos y su posterior confección.
En la Biblioteca del Traje podemos disfrutar de estos grabados en los volúmenes de la revista “The Queen” correspondientes a los años 1896-1898.

Biblioteca del Museo del Traje MT D PFA 326

George Doeuillet: el primer cocktail dress







Vogue like a painting


El Museo Thyssen acoge Vogue like a painting, una muestra con 61 fotografías de inspiración pictórica

El mundo de la pintura ha influenciado a la disciplina fotográfica. Se puede observar en algunas campañas publicitarias cómo algunas de sus instantáneas beben de la inspiración pictórica. El Museo Thyssen de Madrid, con el patrocinio de Bulgari, muestra esta corriente a través de 61 fotografías del archivo de la revista Vogue capturadas por algunos de los fotógrafos más importantes de los últimos 30 años bajo el título de Vogue like a painting. Continúa leyendo

Diccionario de bolsos

- Baguette. Estrecho y alargado, su forma recuerda a la de la barra de pan francesa, de donde toma su nombre. Los de Fendi son los más conocidos.
- Belt bag. Un bolso para el cinturón, que no es otra cosa que la riñonera que todos llevamos en los ochenta y que el verano pasado intentaron ponerla de moda de nuevo (sin mucho éxito) Chanel y Gucci.
- Bowling. Inspirado en los bolsos de los jugadores de bolos, es redondo, con el asa corta y últimamente se les suele incorporar también otra más larga.
- Bucket. Con una base ancha, se va estrechando en la parte superior, que acaba fruncida con un cordón. Tiene un aspecto muy similar al de las limosneras de la Edad Media (y que se siguen usando), pero con un tamaño mayor.
- Capazo. De mimbre o rafia, tiene forma trapezoidal y es el bolso más típico del verano que llevamos a la playa y la piscina. 
- Clutch. Sin correa ni asas, suele ser alargado y el complemento perfecto para los looks formales. Es el clásico bolso de noche.
- Caja. La única diferencia con el clutch es que es rígida y en su interior suele llevar una cadena.
- Lego. Karl Lagerlfedl se inspiró en las piezas del clásico juego de niños para diseñarlo y las firmas low cost pronto se apresuraron en copiarlo. El original  es de plexiglás y se puede colgar una cadena.
- Pouch.  A simple vista parece un portadocumentos. Con cierre de cremallera y sin asas, es más pequeño y más fino que el portadocumentos.
- Quilted. Si lo traducimos al castellano, significa acolchado.  Con cadena metálica para colgar del hombro, el modelo más icónico de todos es el 2.55 de Chanel,  que supuso una auténtica revolución para la mujer porque  la liberó de sujetar el bolso con las manos.
- Shopping. Como su propio nombre indica, es el típico bolso grande, rectangular y de asa corta que usamos para ir de compras, aunque su uso no sea exclusivo para ello.
- Sobre. Rectangular y con una solapa en firma de triángulo, parece un sobre.
- Tote. A menudo se le confunde con el shopping, pero éste es más cuadrado y su estructura tiene más empaque.
- Shoulder bag. La bandolera de toda la vida, ese bolso que, por la longitud de su correa, podemos llevarlo cruzado o solo colgado de un hombro.
- Satchel. Su diseño recuerda a las carteras que llevaban nuestros padres al colegio. Con doble hebilla, suele ser de cuero.
- Wrislet. Tiene un aspecto muy parecido al del clutch, pero tiene una correa para llevarlo colgado en la muñeca como si fuera una pulsera, como indica su nombre (weristlet  significa pulsera en castellano).
Fuente: mujer.es

Alexander McQueen






Lee Alexander McQueen (n. 17 de marzo de 1969 - f. 11 de febrero de2010) fue un diseñador de modas inglés. Es conocido por haber trabajado como diseñador jefe en Givenchy desde 1996 a 2001 y por fundar su propio sello, Alexander McQueen.1 Sus logros en la moda le valieron cuatro premios de la Moda Británica (en 1996, 1997, 2001 y 2003), así como el premio al Diseñador Internacional del Año del CFDA en 2003. 

De nombre completo Lee Alexander McQueen, nació en el East End deLondres, el hijo más joven de los seis de un taxista. Dejó la escuela a los 16 años, ya que desde pequeño había comenzado a diseñar ropa para sus tres hermanas y ya entonces tenía clara su intención de convertirse en diseñador. Alexander McQueen se graduó (1994) de la prestigiosa escuela St. Martins College of Art & Design de Londres formando parte de la más brillante generación británica surgida de allí junto a John Galliano o Stella McCartney. Su talento no pasó desapercibido para los sastres Anderson & Sheppard de la tradicional calle Savile Row, que le ofrecieron incorporarse a la firma como aprendiz. De ahí pasó a trabajar para Gieves y Hawkes y luego para Romeo Gigli y Koji Tatsuno, antes de abrir su estudio en East London. Tras crear su propia marca, McQueen comenzó a hacerse conocido en los tabloides británicos gracias a unos diseños rompedores respaldados por una pequeña pero fiel clientela entre la que se incluían figuras destacadas del mundo de la moda, como la estilista Isabella Blow, que fue su mentora.
En octubre de 1996, McQueen ganó el premio al mejor diseñador del año (Best British Designer of the Year). Unos días más tarde fue nombrado sucesor de John Galliano al frente del equipo de diseño de la casaGivenchy, gracias a su “brillante creatividad y maestría técnica”.
En 1997, año en el que creó cuatro colecciones para Givenchy y dos para su propia marca, McQueen compartió el galardón al mejor diseñador británico del año con John Galliano.
En diciembre de 2000, la prestigiosa marca Gucci adquirió las acciones mayoritarias de la firma Alexander McQueen. Esto le permitió desvincularse de la marca Givenchy y LVMH que, en sus palabras, limitaba su creatividad en algunas líneas de su propia marca, con algunas accesibles como McQ. Ese mismo año se casó con el cineasta George Forsyth. Su imagen deenfant terrible, junto a su creatividad transgresora y maestría en el corte, le convirtieron en uno de los más grandes y polémicos diseñadores de la historia de la moda. Su subida al poder fue un cuento de hadas por méritos propios; en 2003 fue condecorado por la reina Isabel II con el título de Comandante de la Orden del Imperio británico, que recibió de sus propias manos en el palacio de Buckingham, sólo porque le hacía ilusión a sus padres, ya que era anarquista y antimonárquico.
El estilo de McQueen se caracterizaba por una brutalidad atemperada con lirismo. La sensibilidad gótica de un cuento de los Hermanos Grimm está más cerca del espíritu de la ropa de McQueen que el fetichismo, el gore y lamisoginia de los que le acusan sus detractores. Por muy oscuros que fuesen sus diseños, siempre poseían una feminidad por la que se dejaron seducir desde Björk hasta la actual Duquesa de Westminster. La influencia de cortes angulares y agresivos tiene su origen en el figurinista de la MGM Adrian,Christian Dior y Thierry Mugler.
En 2003 lanzó al mercado su primer perfume, Kingdom y una colección deropa para hombre hecha a medida producida por la sastrería Huntsman, de la londinense Savile Row. En 2004, se dio a conocer por primera vez en la pasarela de Milán su colección prêt-à-porter masculina.
McQueen presentó sus colecciones en la Semana de la moda de París y cuenta con tiendas en las principales ciudades del mundo. Sarah Burton, mano derecha suya durante doce años, tomó las riendas del diseño de su firma Alexander McQueen.
El 11 de febrero de 2010 fue encontrado muerto en su domicilio londinense a los 40 años de edad.2 La policía fue llamada a las 10.20 am y su cuerpo retirado a las 4.30pm. La oficina de McQueen confirmó la noticia: "Es una trágica perdida. No haremos comentarios en este momento por respeto a la familia McQueen". La autopsia confirmó que se ahorcó después de haber consumido cocaína, somníferos y tranquilizantes. Su suicidio fue motivado al parecer por la depresión que había estado pasando desde la muerte de su madre, solo 10 días antes de su propia muerte. En su pagina de Twitter, que fue cerrada poco después, McQueen había demostrado su tristeza por la muerte de su madre y también sufría por ella desde hacía unos meses. Paradójicamente, su mentora, el icono de la modaIsabella Blow, se suicidó tres años atrás también en vísperas de la Semana de la Moda de Londres, dato que coincidía con la muerte de McQueen.
McQueen también trabajó con grandes artistas como Lady Gaga, Björk y Ayumi Hamasaki en sus últimos años de vida. Fuente: es.wikipedia.org

De la Geometría a los pespuntes. Tratados, manuales y sistemas de corte y confección en la BNE

La sala de exposiciones temporales del Museo de la BNE se vestirá de patrones, tratados, métodos y sistemas de confección y revistas de moda. Todo ello hilvanado con finos pespuntes para descubrir cómo sastres, modistas y profesoras de corte manejaban la cinta métrica, las tijeras, el carboncillo, la regla y el cartabón.

Bajo este título se expone una selección de los fondos de la BNE, desde finales del siglo XVI hasta los años cuarenta del siglo XX. Un recorrido histórico del que sobresalen las publicaciones que desde mediados del siglo XX vieron la luz, muchas de ellas gracias a la iniciativa de mujeres que han teorizado y dejado huella en sistemas con nombre propio.

Exposición comisariada por Mercedes Pasalodos Salgado

Información práctica
Desde el 17 de febrero de 2015 hasta el 24 de mayo de 2015
Museo BNE, Sala de las Musas.
Más información 91 516 89 67 / 91 580 77 59 de lunes a viernes de 9 a 14h.

El último gran modisto

Jeanne-Marie Lanvin










Jeanne-Marie Lanvin (París, 1 de enero de 18671 – 6 de julio de 1946) fue una estilista y diseñadora de moda francesa. Fundó la más antigua casa de moda parisina todavía en activo, la casa Lanvin.


Biografía

Jeanne Lanvin comenzó a trabajar a la edad de 13 años en la tienda de sombreros de “Madame Félix” en París. A continuación entró en la sombrerería “Cordeau” que la envió a Barcelona, pero en 1885 regresó a París, donde abrió su primer taller de moda en la Rue du Fauborg, para posteriormente abrir su primera boutique en la Rue Boissy d‘Anglas en 1889. Allí vendió sus primeras colecciones, que aún consistían en sombreros.
Inspirada en su única hija Marquerite, Jeanne diseñó una colección infantil. Su talento fue reconocido y en 1909 lanzó una colección para mujer. A partir de ese momento Lanvin es reconocida por sus vestidos. Su insistencia en el aseo contribuyó a su fama. Lanvin apreciaba enormemente los colores, su colección fetiche era el azul Lanvin, el rosa Polignac en honor a su hija y el verde Velasquez . Para conservar la exclusividad de sus colores, fundó su propio taller de tintados en Nanterre en 1923. A pesar de su amor por los colores, Jeanne se aficionó particularmente en el negro, que consideraba como color representante del “chic ultime” y que ella uso durante toda su vida.
La década de 1920 vivió un considerable desarrollo de la casa Lanvín y en 1924 se amplió su ámbito a los perfumes. El primero, My Sin, se lanzó en 1925. En esa fecha fue cuando Jeanne comenzó a colaborar con el colaborador Armand-Albert Rateau, quien se dedicó a la decoración de su mansión en el 16, rue Barber-de-Jouy, así como de sus boutiques. A partir de esta colaboración, se creó la línea de decoración de interiores Lanvin. Finalizando, vale recordar que en el año 1926 la firma lanzó una colección de moda para hombres.

Historia de la empresa

Tras la muerte de Jeanne en 1946, numerosos diseñadores continuaron desarrollando durante años artículos de moda para la casa Lanvin, Giorgio Armani (1989) y Claude Montana (1990) entre otros. Maryll Lanvin fue el último miembro de la familia en diseñar para la casa hasta el año 1989.
Hasta finales de los años 1980, la compañía fue propiedad de la familia. A principios de 1989, las necesidades económicas obligaron a vender el 34% de las acciones al Midland Bank londinense. A mediados de ese año, el banco aumentó su participación hasta el 40%, retirando de su cargo de diseñadora a Maryll Lanvin. Su sucesor fue Claude Montana, aunque tuvo menos éxito aún. A partir del año 1990, el fabricante de cosméticos L’Oreal comenzó a comprar acciones de la firma hasta aduirirla en su totalidad. En 1993 se renunció a la alta costura y la casa Lanvin se limita principalmente a las licencias comerciales y los perfumes. Fuente: es.wikipedia.org